Jon Brion - Meaningless

Que mejor forma de despedirme de esta ciudad, que con uno de los maestros ascendidos que adoro y venero en cualquiera de sus vertientes, desde músico pop, productor, músico de scores para películas, ser humano, etc. El es Jon Brion, es multi-instrumentista de padres músicos, su madre, cantante de jazz y su padre director de una banda en la universidad de Yale lo iniciaron en este universo maravilloso que después no solo adopto, sino creó su propio universo musical. Inicio formando una banda llamada The Bats, la cual duro apenas un álbum, para después formar junto con Aimee Mann una banda de New Wave llamados Til' Tuesday y posteriormente The Grays, que fue la banda que lo acerco más al sonido que manejaría incluso en este disco. Como productor, se ha visto involucrado con músicos de la talla de Fiona Apple, Rufus Wainwright, Eleni Mandell, Rhett Miller, Robyn Hitchcock, Evan Dando, Kanye West, Sean Lennon, Dido, Spoon, Keane y recientemente con Of Montreal. Su vinculo al cine se da gracias a Paul Thomas Anderson, quien iniciaba carrera con su opera prima "Boogie Nights" y le pide haga la música para la película, la cual fue un éxito para el recién estrenado director Anderson, permitiéndole con ello la elaboración de su segunda obra "Magnolia", en la cual Brion también contribuyo y de manera excelente, siendo reconocido ya como músico de películas, empieza a ser observado por otros directores como David O. Russell, Michel Gondry (con quien para mí ha hecho la mejor dupla en Eternal Sunshine of the Spotless Mind) y su más reciente contribución con el Genio (otro maestro ascendido) Charlie Kaufman. Pero bueno, como siempre me emociono hablando de él, ahora parto en relación con este maravilloso disco, que es agradable al oído, que evoca sentimientos distintos, que sabe a desamor, a felicidad, a problemas existenciales, es tan diverso el panorama que Brion aborda en este disco, que entiendo porqué después de este disco, no ha sacado más discos así y se ha dedicado meramente a la producción y elaboración de scores para películas.

El disco abre con "Gotta Start Somewhere" donde un despertador marca las ocho de la noche y Brion canta con cierta voz de suplica diciéndole a esa persona que tal vez no tenga algo material que ofrecerle, ni algo nuevo que no haya dicho ya, pero sabe que es el momento de empezar, sea donde sea el lugar. En "I Believe She's Lying" como su nombre lo dice, Brion desconfía de lo que le dicen, muchas veces nos dicen cosas que no demuestran y en este momento, no quiero hablar de esta canción.

La canción que da título al disco "Meaningless" es existencial a más no poder, se pregunta sobre las cosas, su significado y cual importante es o debe ser ese significado, ¿Realmente debemos apreciar los lugares, las cosas o los recuerdos?, es una canción pop con aires rock, es divertida, pero a la vez pensante. Con "Ruin My Day" Brion es rudo de una manera dulce, diciéndole a esa persona que no espera nada, ni groserías, ni esa llamada al teléfono, ni esas visitas a su cabeza en pensamientos, porque simplemente nada podrá hacer que le arruinen su día, pero a fin de cuentas, ella seguirá ahí y si, le arruinara ese día. En "Walking Through Walls" es un jazz pop, que sabe a ironía, con unas guitarras chillonas que solo un buen rocker podría hacer sonar así, es una especie de Lady Madonna del nuevo siglo, es divertida y con un mensaje sarcástico.

"Trouble" es una canción depresiva, incluso hasta podría catalogarla como autodestructivista, de derrota total, de ese sentimiento de vacío, y ambivalencia, a partir de aquí, el disco se vuelve un tanto oscuro y con otro sentimiento distinto al inicial, en este se siente la tristeza como forma negativa. "Hook, Line and Sinker" es una oda a The Beatles, es una influencia marcadísima de ellos y la letra me gustaría explicarla, pero realmente no quiero hacerlo.

"Death to the World" es nuevamente una canción existencialista, es inteligente el planteamiento que Brion maneja, es de esas letras que llegan a expresar tan bien la condición humana, que plasma e interpreta tan correctamente cotidiana, que puede ser entendida por cualquier persona, sin importar sexo o edad. Con "Her Ghost" Brion es una especie de espectador, narrando la historia de dos enamorados confundidos, de dos personajes que tan fácil encontramos entre nuestros amigos o familiares. "Same Mistakes" es una canción que me evoca tanto, es una reflexión con uno mismo, es una plática con tu cabeza cuando empiezas algo nuevo con alguien viejo, es hermosa, triste, pero a la vez esperanzadora.

"Voices" inicia con unas campanillas y un piano marcando dulce y susurrante voz de Jon, este es un bonus track que aparece en el disco, es largo y emotivo.

Hablar de Jon Brion podría para mí, ser extenso y tedioso para quien me lea, es para mí un gran músico y una gran persona, lo cual se refleja en su música y letras. Por desgracia, recientemente le detectaron un problema de tendinitis en sus manos, por lo cual se ha alejado un poco de la música, incluso la música para "There Will Be Blood" que hizo Jonny Greenwood, en un principio lo elaboraría Brion. Sin embargo, todo los viernes se presenta en su club de Los Ángeles, del cual es dueño, llamado "Largo" donde ha hecho presentaciones extrañas con amigos, entre músicos y actores, en youtube pueden encontrar algunas.

En fin, larga vida a Jon Brion... que Diosito me lo conserve al menos hasta que yo me muera.

Así me despido de este pueblo y sé que a donde vaya, tu música me acompañará.

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Ruidos en el Techo - Galacción EP

En su myspace ellos manejan la frase: "music for the wrong generation" y concuerdo con ese sentir, ellos son (o eran, mejor dicho), una banda regiomontana, apenas empezaban a brillar y tener su repercusión a nivel nacional e internacional (incluso Thurston Moore de Sonic Youth ya opinaba de su música como "cool artwork"). Ellos se llamaban Ruidos en el Techo (REET), eran tres, dos caballeros (guitarra-vox y batería) y una bella dama (bajo), hicieron poco, pero lo hicieron bien, el EP Galacción es un reflejo contundente de sus influencias, de ese sonido punk, noise e indie de principio de los 90's, de bandas como Sonic Youth, Pavement y esas bandas que hacen del ruido un arte.

El disco abre con "Canción Puberta", un himno a la incertidumbre, al hacer sin saber, a la adolescencia, al no pensar en más allá que lo que estamos haciendo aquí y ahora, es un himno al desmadre, al desenfreno, al miedo a la madurez y a un sin fin de cosas que preferimos no pensar mientras estamos en esa etapa del ser humano. En "Be In my Dreams", utilizan los recursos aprendidos de sus maestros Sonic Youth, y forjan una bella balada con tintes noventeros, prometiéndole a esa persona que estar ahí, siempre que éste en sus sueños aun cuando la gente ría y se burle de ello, en lo particular, es mi canción favorita del disco y de la banda, alguna vez la dedique y sigue siendo de esa persona, únicamente de ella.

"Imagen Mental" es una licuadora sonora, es un resonar de guitarras chillantes, es una oda a la melodía y al ruido como unisonó, es de esas canciones que olvidas al escucharlas, que estas en medio de un disco de alguna banda mexicana, y no por ser malinchista, sino meramente realista. La canción que le da título al disco, es tenue, es lenta, es shoegaze, es repentinamente repetitiva, es magistral, es ingeniosa, es ruidosa cuando debe serlo, es un juego de escalas que van creciendo conforme toma fuerza la melodía, es hipnotizanté por ese bajo que marca las mismas notas, es sucia con ese sintetizador enfermo, es digna de formar parte del título al EP. En

"Tapia" juegan nuevamente con voces casi gritonas y en apariencia desafinadas, pero creando el ambiente que la música le brinda, es sin duda otro buen ejemplo de que estos chicos llevaban una buena escuela y bien pudieron llegar lejos.

"Los Tristes" es otra oda a ese sonido Sonic Youth, lo que me resulta interesante de ellos, es que uno cree que sus letras no dicen mucho, pero en realidad reflejan el sentir de una juventud, tal vez no la mía, pero si se sienten coherentes, sin tanto rebusqué, son sencillas, con palabras cotidianas, en realidad me hubiese gustado seguir escuchando más de esta banda, pero por desgracia hace un par de años decidieron seguir sus rumbos, el guitarrista Mou formo BAM BAM, una muy buena banda de la cual estaré subiendo algo después, Charlie formo MOCKINPOTT y Jane se fue a estudiar literatura a Inglaterra, pero bueno, lo importante es lo que dejaron, este EP con sabor a ruido, a sintetizadores, a hastió, a incertidumbre y a mucha alma.

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Death Cab for Cutie - Stable Song (Video)

Solo quiero estabilidad en mi, creo que despúes de todo, necesito pensar en mi y solo en mi.

Todo estará bien mientras yo no esté aquí

We'll rest easy justified.

Coconut Records - Davy

Siguiendo con Jason, aunque con la mismas herramientas empleadas en Nighttiming y aunque tiene canciones muy buenas como "Microphone", me quedo con el primer disco.

One of Us is Right, One of Us is Wrong

Coconut Records - Nighttiming

Jason Schwartzman es la mente y alma detrás de Coconut Records, después de despedirse de la batería en su banda Phantom Planet, decidió dedicarse de lleno a la actuación, pero el gusanito de la música no lo dejó, así que continuo haciendo música de manera independiente y de manera casi barroca, utilizando solo su computadora, grabando la mayoría de instrumentos. Su primer disco "solista" es un trabajo en el cual se dejo acompañar por muchos amigos, entre músicos y actores, así aparecen coros susurrantes de la mismísima Kirsten Dunst en "This Old Machine" y "Summer Day", o la también actriz y cantante Zooey Deschanel, quien hace su parte en "Slowly" y en "Ask Her To Dance"; su hermano, también actor y cantante Robert Schwartzman contribuye en "Easy Girl", Brandon Boyd ayuda con su silbido en "Slowly", el disco es rudimentario, me atrevería a decir que incluso como un pan casero, sabe a hogar, es optimista y esperanzador.

El disco no pretende más de lo que es, un simple gusto propio materializado, y hecho con amigos y gente que se comprometió en el proyecto. Del disco me encantan "West Coast", "This Old Machine", "Summer Day", "Slowly", "Minding My Own Business", es un disco que vale muchísimo la pena escuchar en momentos de desesperanza. Hace poco alguien me dijo que escuchaba música según mi estado de ánimo, hoy me doy cuenta que es cierto, si se sienten con esa falta de esperanza, éste es el disco perfecto para ello, es como esos amigos que tal vez no te den el mejor consejo en un momento difícil, pero al menos te escucharan y te darán un abrazo de apoyo.

Este es el disco que necesito escuchar en mis oídos y en mi cabeza, ojala no nadie que lea esto, se sienta como yo ahora.

I'm going back home to the West Coast

Chris Garneau - Music For Tourists

Chris Garneau es demasiado dulce para ser triste o demasiado triste para ser dulce, es uno de esos cantautores perdidos en el extenso universo existente de Estados Unidos, es suave, con una voz susurrante, con arreglos en su mayoría en piano y cuerdas, está en esa delgada línea entre lo amable y depresivo, utiliza su voz como parte de la música, como un instrumento más para expresar esos sentimientos tan personales, como episodios perdidos de una vida. Sus canciones han aparecido en un sin fin de dramas como The OC o Grey's Anatomy, y con justa razón, porque realmente sus letras y melodías son un perfecto vehículo que nos lleva a esos sentimientos tan humanos e imperfectos como lo son el miedo, el amor y el desamor.

Este es su primer disco salido por allá del 2006, producido por Duncan Sheik y con un aire un tanto oscuro, el disco abre con "Castle-Time", dándonos un piano que marca un inicio cual cajita musical "in crescendo", siendo acompañada por una voz dulce, apenas y entendible por los susurros que el Sr. Garneau nos regala, la letra es de esas que aunque no te hable de algo en particular, te dicen tanto, es como ver un capitulo de Seinfield, que aunque te habla de todo, no te dice nada, es un buen corte para dar inicio a este disco y con el cual te demuestra el sonido que trae este disco. En "Relief", nos narra una especie de encuentro desafortunado que él pretende "borrar", dejando solo esas palabras que le sirven más, es una buena canción donde muestra una voz excelente. "Black & Blue" pareciera parida por la mismísima Amanda Palmer con esas voces desesperadas y con cierta ansiedad, tan solo escuchando los coros me hace sentir algo que no logro descifrar, en esta canción Garneau se acompaña meramente de solo un piano, que lo hace sonar tan bien y que sube, cuando la letra lo exige.

"Saturday" es ahorita con la cual más me identifico (porque fue en sábado la última vez que te vi), otro ejercicio lirico de olvidar esos recuerdos lastimosos y dejar solo aquellos que te ayudan a continuar, como me pega la frase: "I love all things I said I love but i forget why i'm still standing". De "So Far" solo puedo decir que quien le canta a extrañar un buen día de ver televisión, o comer algo rico con esa persona, este disco es sin duda, un diario de la vida de muchos. Una de las canciones con las cuales flojea un poco el disco es precisamente "First Place". Con "Hymn", precisamente se pretende un "himno" al miedo de ser lastimado con palabras, al recibir esas palabras que pueden doler, es una especie de "¡Cuidado con lo que puedes decirme!", es una canción corta, con un órgano sublime y nuevamente esa voz susurrante de Garneau, a veces me suena a un tango lento.

"Baby's Romance" es una canción que pareciera escrita por Elliott Smith, tiene esa esencia, esa alma, por algo es uno de sus tan mencionadas influencias, incluso, más adelante saldrá de nuevo Elliott Smith. "Not Nice" es una especie de reclamo de forma amable, de esas ocasiones que en lugar de buscar una pelea, simplemente das la vuelta y te vas, en youtube hay una versión en acordeón que toca este señor que no tiene madre, muchos dicen que suena a canción de iglesia, pero no, ahí demuestra que es un genio compositor, esta sin duda es otra de las grandes maravillas que se le encuentran a este disco. Con "Blue Suede Shoes", me pasa algo muy chistoso, es una canción emblemática que expresa perfectamente mi momento, lo que siento y pienso, musicalmente es sencilla, básica tal vez, pero acertada, la voz susurrante nuevamente como herramienta de sonido es impecable. "We Don't Try", es una especie de historia con moraleja, una especie de consejo sin llegar a ser moralista, una especie de mensaje sencillo que nos dice: "nunca dejes de hacer algo por el miedo a hacerlo, porque puede que mañana te arrepientas o sea demasiado tarde", de hecho me recuerda mucho a esa película "Nunca te Vayas Sin Decir Te Quiero".

"Sad News" es pesimista, oscura y les recomiendo que si no están listos, sáltenla. El disco "oficialmente" hablando cierra con "Halloween", continuando con ese pesimismo, pero más en forma de disculpa, Garneau nos muestra una bella carta escrita al destino. El disco nos regala un track extra, y es nada más y nada menos que un cover de "Between the Bars", canción del magnífico Elliott Smith, la ajusta perfecto tanto a su voz, y a su piano, es innegable la influencia latente que Smith dejo a Garneau y se nota. Un buen disco para estos días con nubes grises en el cielo.

Sad Me

Elton John - Your Song (Video)

I know it's not much but it's the best I can do
My gift is my song and this one's for you

Despúes de esta semana, yo me doy por vencido.

Ryan Adams - Rock N Roll

Hablar de Ryan Adams es hablar de un rebelde sin causa, de un chico lindo jugando ser feo, de una estrella sin querer serlo, es un tipo que tiene sus influencias musicales bien cimentadas y no le da miedo predicarlas, porque no le preocupa si hoy hace un disco demasiado "Rocker" y mañana tal vez le salga algo demasiado "Folky" o "Country"; es a mi gusto, un genio que apenas explota el 40% de su capacidad artística y, lo que más me duele, es quien se caso con la bella Mandy Moore. Son muchas las cosas que podría decir de este tipo, pero hoy me centraré en ese disco salido por allá del 2003, llamado con demasía de razón simplemente Rock N Roll, y lo digo porque huele a eso, transpira eso, suena a eso, sabe a eso y solo a eso. Como alguna vez dijeron los Rolling Stones: "It's Only Rock & Roll but I Like it", esa misma premisa ocupa Adams en este disco.

El disco abre con la contundente y calculadora "This Is It", con unas guitarras quebradas, una voz rasposa y un sentimiento de hastío hacia esta persona de la cual se pretende desvincular, es de mis favoritas del Sr. Adams. En "Shallow" volvemos con esa voz rasposa que en partes me recuerda a Craig Nicholls, y esos riffs de guitarra al estilo ZZ Top, que si bien sencillos, también lo son precisos y eficaces. Nuevamente la imagen de Craig Nicholls aparece a mi mente al escuchar "1974" y no solo la de él por la voz, también la de su banda (The Vines), la canción pareciera parida y cuajada por estos australianos, con ese aire de post-grunge tan sabroso.

"Wish You Were Here" es una especie de "balada" que va subiendo de intensidad contándonos lo jodidamente infeliz que es el cantautor, por la ausencia de esa persona y lo autodestructivo que podemos llegar a ser (consumo de drogas). En "So Alive" nos cuenta una historia completamente distinta, es una canción positiva, de principio a fin emana bienestar, sobriedad y esa estabilidad que da tener y estar con esa persona, recuerdo que esta canción fue tomada por alguna empresa de carros para un comercial hace unos años, lo cual me pareció demasiado bizarro, pero cool, aparte, como dato curioso, el riff de la guitarra fue prácticamente plagiado por Austin Tv en una de sus canciones (Les Choses Sont Bizarres), sino me creen, pónganle una escuchada. "Luminol" es de igual forma que "Wish You Were Here", una canción oscura en cuanto a la letra, es un buen ejercicio de canciones básicas, sencillas, pero con ese algo que les da un realce importante.

"Burning Photograhs" es una balada más que compensa tanta energía que tiene este disco, canción dedicada a su antigua novia, la actriz Parker Posey. "She's Lost Total Control" es de esas canciones que agradezco mucho, con ese sonido contundente de guitarrazos, una voz más dulce de la que empezamos a acostúmbranos en las primeras canciones del disco. La furia regresa con "Note To Self: Don't Die" exigiéndose a si mismo nunca ser otra persona por nadie, es una canción agresiva y de huevos (de hámster), el rock fluye en la sangre de este Señor y no tiene ninguna arteria tapada. La canción que da título al disco es LA balada que necesitaba el disco para equilibrar ese descontrol, siempre he pensado que quienes escriben canciones ocupan ese medio de expresión para exorcizarse de ciertos demonios que no se pueden contar a alguien más, es decir, las canciones se vuelven esos amigos a quienes confías todo, gran canción "Rock N Roll".

"Anybody Want To Take Me Home" refleja ese lado folk que trae tan arraigado este señor, y que debo confesar, me agrada tanto, porque suena tan honesto y con un cierto sentimiento difícil de encontrar. Una de mis canciones favoritas de este señor y de este disco (junto con This Is It), es "Do Miss America", la cual representa una especie de sátira o burla a ese conocido mundo banal, de los certámenes de belleza, donde lo que pareciera una mujer perfecta, no deja de ser una simple mujer, con adicciones, miedos, incertidumbres y problemas similares a los de cualquier persona, es excelente, irónica y con unas guitarras que siempre me han gustado al cansancio, un buen ejemplo de Rock N Roll. Con "Boys" un intro al mero estilo post-punk de muchas bandas inglesas se avecina, es divertida y nuevamente utiliza como herramienta para escribir, el sarcasmo y la ironía.

"The Drugs Not Working" es el reflejo de esa vida tan ajetreada que llevan no solo músicos, sino actores y en general "artistas" en aquel país del norte, lleno de vicios, temores y clichés. Con eso cierra este disco que aunque no es una joyita, si es un disco redondo, que suena bien, que esta compensado con guitarrazos, baladas, letras, voces, es un gran disco que merece mucha atención. Larga vida al Sr. Adams junto a su esposa, la Sra. Moore-Adams.

Download and Rock Off

MSTRKRFT - Fist of God

Aunque su nombre se dice MASTERKRAFT, se escribe MSTRKRFT (omitiendo vocales), son originarios de Toronto (Canadá), son un dúo formado por dos ex-integrantes de bandas (Death From Above 1979 y Girlsareshort) muy buenas que en lo personal, extraño. Estos dos señores se traen desde un rato, algo que se siente bien, se escucha bien y te mueve bien. Se mueven dentro de la electrónica, pero no por eso dejan de ser músicos y productores, que saben cómo suena un instrumento de forma orgánica, porque lo tocan y no simplemente se basan en samples, scratch, sintetizadores y computadoras.

Con este, su segundo álbum no se arriesgan mucho y van a la segura, ocupan mucho de los elementos empleados en su primer disco (The Looks), lo cual no es del todo malo, el disco suena fuerte, agresivo, bailable y a la vez experimental. El disco abre con la cuadrada (musicalmente hablando) "It Ain't Love" participando en las voces la belleza del R&B Lil' Mo, con esa voz dulce que me recuerda esos años de música disco (y no porque lo haya vivido, sino por la música que eh escuchado, eh), el riff de la canción pareciera sacado de ese penetrante bajo que marcaba las notas en Death From Above, lo cual me agrada. "1000 Cigarettes", es una especie de continuación a la anterior canción, es agresiva, es punk, es bailable y rompe-huevos, recuerda mucho a esos franchutes que esconden sus rostros con mascaras diciendo que son maquinas. "Bounce" es otra de las muchas canciones con colaboraciones de gente relacionada en el Hip Hop y R&B, esta ocasión le toca a N.O.R.E, de la banda "Capone-N-Noreaga" e Isis (cantante de R&B).

En "Vuvuvu" siguen con ese sonido que los caracteriza, aunque si se siente cierta influencia de Daft Punk, estos señores logran separarse de ese estigma sonando distintos, supongo que la clave está en esa base rítmica tan a la Death From Above que Jesse F. Keeler le aporta a la banda. El señor John Legend da su aportación de manera excepcional con "Heartbreaker" con mi canción favorita del disco (en este momento). La canción que da título al álbum (Fist of God), es divertida, movida y te anima a moverte, sea cual sea la parte del cuerpo que muevas, sigue bajo esa base rítmica que Keeler sabe llevar tan bien. Con "So Deep" vuelven las colaboraciones, ahora a cargo de The Carps, ese otro gran dúo canadiense que también se recomienda por separado, pronto estaré hablando de ellos (sigo pensando, los gringos están sobreestimados, lo bueno ahora está en Canadá).

Las colaboraciones continúan, ahora con E-40 en "Click Click" y dejándome ver que este disco es bueno, por utilizar a gente relacionada en el Hip Hop, pero gente no tan maliciosa "comercialmente" hablando, es decir, no el clásico rapper que vemos en MTV cada dos videos seguidos, eso es lo que hace brillar a este disco, o al menos es, a mi gusto, el gran aporte que le dan a su música estos señores. "Word Up" cuenta con Ghostface Killah, otra de esas aportaciones rappers no tan comercialmente comunes, la canción es demasiado bailable para ser de las canciones con que cierra este disco perfecto para la peda.

El disco debe ser escuchado de principio a final, porque en si no existe cortes entre canción y canción, es como si estos dos señores se hayan puesto a mezclar en un buen "cotorreo" y mientras alguien los haya estado grabando sin ellos darse cuenta. El disco sabe a fiesta y prende. Por eso, y solo por eso, este disco es perfecto en viernes y hoy me autodestruyo.

Dance Asswhole!

My Bloody Valentine - Isn't Anything

Muchas son las bandas que han llegado a influenciarme, tanto en lo musical, como en lo personal, creando esas atmosferas que han hecho la persona que soy, algún día hablaré de ellas, pero hoy quiero hablar de una en especial, que si bien, la conocí tardía, la conocí con este, para mí el mejor disco de la banda, aunque muchos consideren el "Loveless" como su obra maestra, no concuerdo en absoluto, pero bueno, me pasa lo mismo con The Beatles, muchos consideran como obra maestra el "Sgt. Pepper" y para mi solo se me hace el preámbulo a lo que realmente querían hacer en "The White Album". Este disco llegó a mí en un momento cuando no sabía que hacía, que quería, ni hacia donde iba, y no es que sus letras hayan tenido ese mensaje que hayan cambiado la perspectiva de mi vida, más bien fue su sonido el que me transformo y transporto a un nuevo concepto de lo que musicalmente se venía haciendo. En mi vida había escuchado canciones pop melosas, con letras cursis, guitarras saturadas y sucias pero a la vez melódicas. Últimamente el término "shoegaze" esta como que en voga, lo cual me gusta y a la vez no; me gusta porque sé que al decir "shoegaze" es obligatorio encontrar a esta banda y al encontrarla, es también obligatorio llegar a este magnífico disco, no me gusta, porque ahorita cualquier banda que le ponga cierto fuzzy a sus guitarras o toques de electrónica a su música lenta, lo consideran como "shoegaze" y siento que se está (en ciertas bandas), utilizando de manera discriminada.

Pero bueno, hablemos de este maravilloso disco, editado por allá del año 1988 (y suena tan actual). El disco abre con una batería taladrante de "Soft As Snow (But Warm Inside)" y una guitarra casi sollozante que pareciera contestar a las palabras que Kevin Shield canta de manera tan "romántica". El turno toca a Bilinda Butcher para cantar de manera tan dulce una "Lose My Breath" que suena tan actual como cualquier canción de banda recién salida de un garage, los coritos son dulces y los versos son ansiosos, pidiéndole a esa persona que vuelva y recibiendo un mero rechazo, es una de las tantas canciones con ese sonido Brit (aunque ellos sean Irlandeses), que encontramos en el disco. "Cupid Come" podría definirla (si es que existe el termino), como una canción realmente "Geek", con ese sonido entre nerd y ñoño, como si fuese cantada y escrita por un niño reprimido a su amor platónico, con ese corito que puts: "Come back down Im waiting here.. and lick me with your fire", hermosa de verdad esta canción.

Con unas guitarras al mero estilo post-punk, pero con ese feedback tan sucio que me encanta porque se incrusta en mi cabeza, escuchamos los primeros acordes de "(When You Wake) You're Still In A Dream". En "No More Sorry" encontramos los primeros pincelazos que después harían en Loveless, con ese sonido ambiental e incluso con aliento electrónico, es como escuchar a Sonic Youth en una forma más aprensiva y deprimente. Continuando con ese sonido entre electrónica y feedbacks de guitarras en capas, encontramos "All I Need", experimentación pura, tomando en cuenta que este disco es de 1988, eso es clave.

El sonido punk sale después de tanta experimentación y es Bilinda quien junto a Shield hacen mancuerna, cual canción de pimpinela, para darnos un bello poema de obsesión o amor puro, no se sabe, lo que sí, es que quien no quisiera que le dijeran "Feed Me with Your Kiss". Continuando con baterías aceleradas, capaz de feedbacks y voces también en capas, encontramos una "Sueisfine". En "Several Girls Galore" nuevamente encontramos la mancuerna Shield/Butcher y lo hacen de forma "geek" (hahahaha), sonando hasta como si fuesen ellos la pareja.

Con "You Never Should", encontramos esas guitarras tan sucias pero melódicas y agradables que solo ellos podían hacer y ese coro que nomas me pega, me pega. "Nothing Much to Lose" es de las muchas canciones que tienen ese característico sonido Brit, que hasta suena actual, con los coritos de Bilinda que le dan ese realce a la canción. El disco cierra con otro himno "Geek" que define a la perfección a lo que debe sonar el "shoegaze", la canción: "I Can See It (but I Can't Feel It)".

Ojala el reencuentro que tuvieron el año pasado sirva para que esta banda venga a México, prometo estar dentro de los primeros en estar ahí, aunque muchos de los que estuvieron en el Coachella digan que fueron puro ruido en su presentación, deben tener en cuenta que, hasta para hacer ruido se debe tener alma.

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Alcoholic Faith Mission - 421 Wythe Avenue

Son tiernos, melódicos a más no poder, ambientales, melancólicos y son de Copenhagen (Dinamarca), si tuviese que explicar como es su sonido, creo que sería dentro de ese universo Pop con tintes de electrónica y alma folk, son cinco (entre ellos una bella chica en las vocales) y aunque es un disco amable, no quiere decir que pueda ser escuchado en cualquier momento, es, más bien de esas bandas que escuchas cuando quieres pensar, en esas mañanas lluviosas o simplemente cuando estas entre la melancolía y el esplendor de algo. Este álbum, con titulo "421 Wythe Avenue" más que apreciar las letras, las cuales tienen su grado de complejidad, son como lo que me pasa con Sigur Rós, me mueve más las melodías y el modo en que pueden utilizar la voz como un instrumento más para expresar sentimientos (aparte de que a Sigur Rós no le entiendo ni merga =P).

Este no es un disco que se pueda escuchar en un día soleado, es a mi gusto, un disco de invierno que debe escucharse con ánimos de encontrar un sentimiento, después de dejarse llevar por la melancolía de cada nota, sea cual sea ese sentimiento. El disco está muy bien cuidado en el aspecto de la producción, suenan los instrumentos como deben sonar, los samples donde deben sonar, las voces se acompañan a la perfección (voz mujer y hombre), es un disco ambiental que no llega a lo depresivo, como dije antes, es un disco tierno que ojala sea escuchado por muchos.

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Manchester Orchestra - Mean Everything to Nothing

Hace algún par de años conocí a esta banda por el maravilloso universo de Myspace, escuchando primero alguna de sus canciones en su página, en un principio pensé que era solo otra banda de "emo" diciendo ser "indie-rock", como miles que aparecen en Estados Unidos. Sin embargo ahora, después de un primer disco bueno (a secas), aparecen con un segundo (o tercer disco para los que son fans) que me hizo voltear a verlos y prestarles mucha atención, porque su sonido aunque respeta eso que hicieron en su "I'm Like a Virgin Losing a Child" del 2006, suenan nuevos, frescos y con ese aire que me atrevo a desencasillarlos de una simple banda de "emo" juvenil.

El disco abre con "The Only One", abriendo lienzo con un sintetizador que suena cual motor arrancando, con cierto aire medio shoegaze y una guitarra y batería que acompañan ese zumbido tenue que suenan a esas viejas canciones de rock & roll, e iniciando con una frase que cuantas veces no la eh repetido en mi cabeza: "I am the only one that thinks I'm going crazy... I don't know what to do", con una voz de niño gritón y que quiere levantar la voz por la simple libertad de poder hacerlo. "Shake it Out", es un buen ejemplo de ese hard-rock que solía hacerse hace algunas cuantas décadas, con ese sonido "emo", eso que ni qué, pero con una rabia adolescente que me recuerda más esa eyaculación precoz que se dio a fines de 80s principios de 90s llamado "grunge". El primer sencillo de este disco es "I've Got Friends" que nuevamente me recuerda (musicalmente), tanto, tanto, a Sonic Youth con ciertos aires de My Bloody Valentine pero con ese sentimiento "emo", pero verdadero, no el de cortase las venas por el simple hecho de ver cagar a un perro; hasta aquí, las letras están muy bien cuidadas, ejemplo el coro con la frase: "I've Got Friends in all the right places, I know what they want and I know they don't want me to stay".

"Pride" es lo más parecido a lo viejo de esta banda, con ese sonido más orgánico, con esos intros bajos, que van subiendo de acuerdo a la intensidad de la voz, la letra es demasiado buena, la importancia del ser humano por tener ese orgullo, pero no el que te cierra posibilidades, sino el que te hace ser el hombre que eres, ese que viene con tus ideales. Con "In My Teeth" volvemos a ese sonido menos tenso y más "amable" que escuchamos en el anterior disco, con una letra también con cierto grado de "amabilidad", al paso del disco y precisamente al llegar a esta canción, te das cuenta que el disco está lleno de muuuy buenos riffs de guitarra, lo cual lo hace memorable, es (a mi parecer), lo que lo hace más entretenido, más movido y eso se agradece.

"100 Dollars" es la mariguanes más divertida que eh escuchado de esta banda, es cortita, es absurda, inicia apacible y termina enfermiza, que forma tan desgarradora de repetir: "And that's why I'm fine.. I am fine, I am fine, I am fine.. I just need 100 dollars". "I Can Feel A Hot One" es de esas baladas emo al estilo dashboard confessional que llegan, tal vez no a aportar mucho, pero se sienten honestas.

Del coro en "My friend Marcus" es de la cual se toma el título del disco, en la cual nos cuentan la historia de ese amigo que a veces todos tenemos, que empiezan necesitando de uno y al final, uno es quien necesita aprender de él. "Tony The Tiger" es muy al estilo de Brand New, pero con cierta chispa propia, con ese tema a la "nada", al existencialismo adolescente, a la pérdida de identidad o la falta de una, musicalmente es entretenida, es cambiante pero en esa misma línea recta, con esos coros tan esperanzadores que bien pudo haber sido la canción con la cual cerrar el disco. "Everything to Nothing" es otra gran letra, con ese grado de incertidumbre al futuro, esa herramienta a recuerdos viejos, como los que nos dejan aquellos que ya no están.

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I'm going to kill myself tomorrow

A Sunday Smile

El fin de semana estuvo con demasiados alti-bajos para mi, el viernes no quise quedarme en mi casa y sentirme mal, pero al final así fue, vi el amanecer del sábado y vi la tormenta eléctrica que empezó a eso de las seis de la mañana cuando el cielo de repente se puso rojo barro y me gustó.. La lluvia me reconforta (cuando la veo desde una ventana dentro de una casa), me hace pensar que viene a limpiar toda la mugre que hay entre la gente. Fui a la oficina, pero no tenía pendientes, así que solo estuve unas horas e ideando la forma de "reprimirme" la tarde, así que compre un trío de botellas de vino y escuchando música en mi casa brinde por ti, sin ti.

Me gusta pensar que existe un vinculo, aunque sea una delgada línea, pero que ahí esta y no se va, tal vez esto al final del día solo me está lastimando más, pero hasta este punto, eh aprendido a lidiar con el dolor, y la soledad aunque me da miedo, ya la veo como opción de vida, aparte, que mas puedes lastimarme si ya toque fondo. No pretendo hacerme el mártir, porque no lo soy y lo acepto, así como también acepto que todo esto fue y es ocasionado por mí, por mis errores, inseguridades y neurosis pero creo que me es sano el sacarlo.

El domingo fue como solían ser o incluso mejor, me sentí tan jodidamente feliz, siendo parte de algo importante, de uno más de esos momentos "mágicos", no pensaba en el final del día, sonreí como tenía tiempo no lo hacía, te observe como tenía tiempo no lo hacía, te bese como tenía tiempo no lo hacía y al final me despedí, di la vuelta y todo quedo igual. En un par de meses tal vez me haya ido de aquí y esa sea la salida o el valor que necesito para dejarte ser feliz, a fin de cuentas es lo único que me interesa.

(500) Days of Summer OST

Tracklist

1. Mychael Danna And Rob Simonsen - "A Story Of Boy Meets Girl"

2. Regina Spektor - "Us"

3. The Smiths - "There Is A Light That Never Goes Out"

4. Black Lips - "Bad Kids"

5. The Smiths - "Please, Please, Please Let Me Get What I Want"

6. Doves - "There Goes The Fear"

7. Hall & Oates - "You Make My Dreams"

8. The Temper Trap - "Sweet Disposition"

9. Carla Bruni - "Quelqu'un M'a Dit"

10. Feist - "Mushaboom"

11. Regina Spektor - "Hero"

12. Simon & Garfunkel - "Bookends"

13. Wolfmother - "Vagabond"

14. Mumm-Ra - "She's Got You High"

15. Meaghan Smith - "Here Comes Your Man"

16. She & Him - "Please, Please, Please Let Me Get What I Want"

Ya que antoje la película (o más bien, me antoje la película), pues de mientras escuchar el Soundtrack que está demasiado variado, aunque si lleva una línea, no es un disco común, buenísima la canción que tomaron de The Smiths y el cover de "Here Comes You Man" que hace Meaghan Smith de los Pixies, esta coqueto, el de She & Him, en mi opinión pasa sin pena ni gloria.

Un buen disquito que abre más mi apetito por ver la película.

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(500) Days of Summer (Trailer)

Una de las pocas películas que logró llamar la atención en el último festival de Sundance, el pasado mes de Enero, fue precisamente esta comedia (anti)romántica, la cual se me antoja mucho desde el momento mismo que vi el tráiler, aunque debo confesar que en primera instancia fue por Zooey Deschanel, que logro cautivarme, después investigue y resulta ser la opera prima de Marc Webb, director de un sin fin de muy buenos videos musicales, que si bien no tienen un sello aún distintivo, se aprecia que tiene buenas bases, con mucha tendencia e influencia a planos obscuros, tipo David Fincher.

La película lleva por nombre "(500) Days of Summer" y no precisamente sobre la temporada (summer-verano), es la premisa de la película, sino por "Summer", papel que interpreta Zooey Deschanel quien pierde interés y esperanza en eso llamado "AMOR", convirtiéndose en una persona interesada meramente en relaciones superficiales y sin sustancia, hasta ahí, todo suena aburrido... Sin embargo, "Tom", papel interpretado por Joseph Gordon-Levitt (chico que vimos crecer como un extraterrestre adolescente en aquella serie cómica de "3rd Rock from the Sun"), se enamora perdidamente de "Summer", pasando 500 felices días con ella, sin embargo, un buen día ella decide no continuar con la relación, encontrándose aquí la complejidad de la historia. La historia es contada por un narrador, de acuerdo al Tráiler que aquí verán y todo inicia por el gusto a The Smiths.

Por el tráiler y fotos de la película, me recuerda mucho a "Garden State", "Juno", "Feast Of Love" y ese sin fin de comedias románticas de corte "indie" que a veces les salen tan bien a los gringos y se les agradece. El soundtrack es muy bueno, está muy variado, con temas que van desde Regina Spektor, los antes mencionados The Smiths, She & Him, Hall & Oats, Simon & Garfunkel, Feist, etc. Es una buena selección de canciones.

Lo cierto es, que la película no promete mucho, no te deja con altas expectativas, lo cual siento que es lo bueno, porque así disfrutas más la película y no estás en la espera de esa escena que te tomará por sorpresa. El estreno en México es incierto, lo cual me disgusta, pero lo que sí es cierto es, que en Estados Unidos la tiene difícil, fue estrenada el día de ayer-hoy, y digo que la tiene difícil, porque todos sabemos que el cine en verano es exclusivo de películas taquilleras estilo "Transformers", "G.I. Joe", "Wolverine" o genialidades como esas.

Por eso yo decía, que mejor la espero en DVD, seguro traerá material extra interesante

Jorge Drexler - Salvapantallas (Video)

"Tengo una canción para mostrarte,.. talvez cuando vengas"

"Brindo por las veces que perdimos las mismas batallas" (como esta por desgracia)

Zurdok - Hombre Sintetizador

Muchos consideran esté, el mejor disco de Zurdok (antes Zurdok Movimiento), concuerdo y difiero a la vez; concuerdo en el hecho de que si, efectivamente es el mejor disco de Zurdok, difiero al pensar que solo sea hasta ahí. Zurdok hizo sin querer o pretender hacerlo, el mejor disco de música Alternativa hecho en México y me atrevo a decir que aun no se ha hecho un disco que lo iguale, tanto en producción, grabación, ejecución de músicos, contenido y lo más importante, con ese sentimiento tan noble que se transmite y se siente en cada una de las canciones. Recuerdo que cuando lo escuché por vez primera, hace algunos ayeres (nueve años atrás fue que vio la luz este disco), tenia esos problemas tan absurdos y existenciales de cualquier chico de 17 o 18 años, el no saber que me deparaba el futuro, la perdida de familiares como mi abuelo, los desamores tontos de la época, etc. Sin embargo, es un disco "atemporal" que sigue tan vigente como hoy en día y no digo que sea un disco generacional o todas las generaciones venideras se identificaran con él, no, lo que digo es, que musicalmente esta tan bien hecho y producido que resulta imposible llenar esos zapatos.

El disco abre con esa triste y enigmática "Hombre Sintetizador I", con ese toque tan beatlesco que nada más a otro ingles le puede salir bien, sin embargo, Chetes pareciera que eso se le da al natural, logrando un ambiente psicodélico, ambiental, orgánico, hermoso e incluso sinfónico que llega, con una letra tan surrealista y bien lograda. "Abre los Ojos" es una canción tétrica, con ese espíritu Pink Floyd corriendo por cada nota, con el sonido Zurdok que nos mostró en el primer disco (Antena), ese agresivo, con guitarras distorsionadas y enfermas de feedback. "Si Quieres Llegar Muy Lejos", es un ejercicio de experimentación, de sonidos cuadrados, de ambientes entrecortados, del uso de un piano de forma básica, pero sonando de manera extraordinaria, con esos coros tan beatlescos y una letra tan erradamente cierta, con la frase: "recuerda que todo se puede manipular" o la "abre los ojos, encuentra tu libertad".

"¿Cuantos Pasos?" es un himno a la juventud, a todos esos conflictos que pasamos, a la incertidumbre, al hacer sin saber o al saber sin hacer, es tan sencilla, sin frases rebuscadas, con honestidad y ternura en cada frase y musicalmente es de esas canciones que te transmiten tanto aun sin letra, es de mis canciones favoritas de todos los tiempos, ¡GRACIAS ZURDOK POR ESO!

"No Encuentro La Manera", es una canción hecha para Fernando Martz, con esa voz potente y melódica que nos cautivo en Antena, no imagino esta canción cantada por Chetes. "...De Llegar Al Final", es a mi gusto, la continuación de esa oscura canción con la cual termina el primer disco de Zurdok llamada "Pared", esta podría ser a la perfección la continuación a esa canción, es enferma, es sarcástica, irónica y realista a la vez. Con "Sí Me Advertí", comercialmente lograron mucho, hicieron ese gran video con referencias a "The Blair Witch Proyect" de forma independiente, aun teniendo una disquera que los "apoyara" (Discos Manicomio), la canción es un perfecto himno para los ardidos y los que les fue mal (hahahahaha me incluyo).

"El Tiempo se va I", es sofisticada, elegante, con un crecimiento musical que lleva a una explosión de sentimientos y emociones, lo grande de Zurdok a mi gusto, es que sus letras son tan vividas y cotidianas, sin metáforas absurdas que meramente confunden (Ojo Zoe y sus letras de albañil drogadicto) que al final del día no me dicen nada. "Tal Vez", es otra sofisticación musical, con esa base rítmica de Maurizio Terracina en el bajo que denota mucha influencia de Weezer, la letra es sencilla, es un hasta aquí a ese sentimiento autodestructivo, palabras más palabras menos, lo que Panda quiso decir en su canción de "Narcisista por Excelencia", es lo que Zurdok dijo de forma no tan visceral. "El Tiempo Se Va II" es una canción perdida del White Album de los Beatles que solo Chetes pudo recrear.

La agresión de Fernando Martz vuelve como en ese Antena que me cautivo, esta vez en "Espacio", con una letra aprieta-huevos, casi escrita por Tyler Durden en su listado de reglas para su "club de la pelea" =P, me prende su frase: "Ey ey, soy el hombre increible.. Ey ey, puedo hacer lo imposible". Con "Nos Vemos en la Luna" nos dan la introducción perfecta a lo que se avecina en "Luna", dándonos muestra que todos y cada uno de los integrantes son Zurdok, mostrando todos y cada uno de los integrantes sus instrumentos y la ejecución perfecta de los mismos, con samples sacados de la NASA o que se yo, es lo que los copiones de Zoé quisieron hacer en su "Memo Rex Commander y el Corazón Atómico de la Vía Láctea" SEIS AÑOS después de que Zurdok ya nos lo había brindado, pero de igual forma, no se les agradece el detalle, ¡Gracias! =)

El disco cierra con "Luna", una canción sinfónica y demostrativa, que nos brinda parte de la genialidad que tenia Chetes al momento de componer, que no esconden sus influencias Beatles, pero tampoco los plagian, me parece que es la única canción de Zurdok que han utilizado referencias metafóricas o poéticas, pero con palabras tan comunes como la vida misma.

Este disco si es una joyita hecha (con orgullo), en México y por mexicanos, mucha gente considera que el mejor disco del "Rock Mexicano" es el "Re" de Café Tacuba lo cual difiero, aunque no resto importancia a ese disco, siento que más bien fue un buen disco de folk mexicano, que si tenía cosas importantes, pero no podría considerarsele como el mejor, en cambio a "Hombre Sintetizador" sin miedo a equivocarme lo considero una obra maestra, hecha con el menor animo de hacerlo así, y que demuestra la evolución musical de esta banda de su primer disco a esté, incluso el "Maquillaje" también brinca otra evolución grandísima lo cual me pone a pensar, a que sonaría Zurdok hoy en día si no se hubieran separado. Muchos músicos más como ellos en México, mucha honestidad a la hora de hacer las cosas y mucho amor en lo que quieres y haces, eso es lo que me deja este disco.

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Julian Plenti - Julian Plenti is… Skyscraper

Aunque su nombre es "Julian Plenti", no es realmente su nombre, se trata de Paul Banks, conocido por algunos como esa voz emblemática de cierta banda con ese sonido obscuro que nos hizo voltear al pasado y recordar a Joy Division. Banks toma un descanso en Interpol para retomar este proyecto que viene gestando desde hace ya muchos años, incluso antes de que Interpol existiera. Su voz es inconfundible, sabes que estás escuchando al vocal de Interpol, sin embargo no suena a Interpol, o tal vez, pero un interpol no tan cuadrado, más experimental, arriesgándose a sonidos que van desde lo electrónico, hasta lo acústico. Algo que si es cierto, es que muchas sino es que la mayoría de las canciones jamás hubieran embonado en el sonido "Interpol" que estamos acostumbrados.

El disco empieza con una "Only If You Run", con un intro de lo más alegre, para después irnos llevando a un sonido amable que nos recuerda al mejor pop de Pixies, con una letra oscura y a la vez real, abordando el tema de las frustraciones diarias, de los tropiezos y de levantarse, con esta canción como introducción al disco te das cuenta que es un disco positivo, sin llegar a esos discos motivacionales absurdos, el sonido es un poco electrónico, tenues destellos, pero con tendencia a, como dije, es una buena canción para introducirnos a este nuevo mundo creado por Banks. En "Fun that We Have", encontramos un sonido "Interpol", pero que con el paso del tiempo vas entrando a ese nuevo universo sonoro que Banks explora llamado "electrónica". "Skyscraper" es orgánica, vivida en cuanto a música, ambiental y demasiado experimental, es como esos cuadros que observas en un museo y no entiendes ni putas madres, sin embargo es bello y no puedes dejar de verlo, así es esta canción, musicalmente crece, uniéndose a las guitarras acústicas unos violines y una voz distorsionada de Banks, es poca la lirica de la canción, pero es cierto que embona perfecto con la música.

"Games for Days" bien pudo haber sido una excelente canción de Interpol, tiene ese característico sonido de guitarra cuadrada, con tanta influencia a Joy Division, una canción más de las oscuras que acostumbra este señor. "Madrid Song" es una balada al estilo Banks, con samples extraños, pianos con aires trip hopeados y una letra de esas que acostumbra el Señor Banks, donde uno creé que dice algo, pero es un simple absurdo.

El unico adjetivo que me viene a la mente con "No Change Survival" es "bonita", es de esas canciones positivas que nunca podrías encontrar en algún disco de Interpol y refiriéndome no solo en "positiva", a la letra, sino también a la música. "Unwind" retoma cierto sonido Interpol, pero con aires "Synthpop" característico de los 80s, rememorando ese sonido New Order o incluso Erasure, es una buena canción que explora un rango de voz distinto en Banks o que al menos no le había escuchado en discos con Interpol. En "Girl on the Sporting News", se aprecia a un Paul Banks irónico, creo que es la única que podría descartar del disco. Con "On the Esplanade" nuevamente explora el sonido acústico, con esa guitarra tan de "folk errante". En "Fly as you Might", es otra que pudo haber entrado en cualquiera de los discos de Interpol a la perfección, es ese sonido de guitarras cuadradas, con cuatro escalas, una batería de igual forma llevando meramente el tiempo, cual metrónomo.

El disco es muy bueno, explora sonidos que nunca consideré escuchar en Paul Banks, no es una joyita como tal, sin embargo es un buen ejercicio rítmico, con el cual demuestra que es un artista en crecimiento constante, con influencias tan divergentes que lo llevan a hacer un sonido propio, que demuestra que el hilo negro ya está más que cosido desde hace años antes, el meramente toma distintas telas para seguir cosiendo con ese hilo negro. Muy interesante este disco y ojala puedan darle el tiempo y el oído aquellas personas que en su vida han escuchado a Interpol. Como dato curioso, Mike Stroud (Ratatat) colabora en el disco y se nota sin necesidad de decir en que canciones.

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Joel Barish Me!

Cuando los recuerdos buenos sobrepasan las malas memorias.. El ultimo paso, siempre será el primero.

!Hoy me siento tan Joel Barish!



Clementine: This is it, Joel. It's going to be gone soon.
Joel: I know.
Clementine: What do we do?
Joel: Enjoy it.

Joel: [in the house on the beach] I really should go! I've gotta catch my ride.

Clementine: So go.

Joel: I did. I thought maybe you were a nut... but you were exciting.

Clementine: I wish you had stayed.

Joel: I wish I had stayed to. NOW I wish I had stayed. I wish I had done a lot of things. I wish I had... I wish I had stayed. I do.

Clementine: Well I came back downstairs and you were gone!

Joel: I walked out, I walked out the door!

Clementine: Why?

Joel: I don't know. I felt like I was a scared little kid, I was like... it was above my head, I don't know.

Clementine: You were scared?

Joel: Yeah. I thought you knew that about me. I ran back to the bonfire, trying to outrun my humiliation.

Clementine: Was it something I said?

Joel: Yeah, you said "so go." With such disdain, you know?

Clementine: Oh, I'm sorry.

Joel: It's okay. [Walking Out]

Clementine: Joely? What if you stayed this time?

Joel: I walked out the door. There's no memory left.

Clementine: Come back and make up a good-bye at least. Let's pretend we had one. [Joel comes back]

Clementine: Bye Joel.

Joel: I love you...

Clementine: Meet me... in Montauk...

Sufjan Stevens - Opie's funeral song (video)

I was invited for once...

The Depreciation Guild - In Her Gentle Jaws

Recién los descubrí y ahora los estoy escuchando, me recuerdan a unos Crystal Castle, mas apresurados y a unos Idiot Pilot, no tan emos, lo que realmente si los diferencia es el sonido Chiptune y 8Bit que manejan, que pareciera sacando de cualquier videojuego de NINTENDO, pero le meten unas guitarras muy shoegaze. Realmente valen la pena escuchar, voy en la quinta canción y neta, ya me dieron ganas de madrear algo.

Realmente les veo bastante, bastante futuro a este dúo neoyorkino..

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