El Madmo - El Madmo

Un trío que con la instrumentación básica y elemental del Rock N’ Roll juega entre acordes, burlas y melodías, malgastando el talento de una forma constructiva y con la mera intención de pasar un buen rato en el escenario, “El” en el Bajo y voz, “Maddie” en guitarra y voz, y “Mo” en la batería, nos dieron en el 2008 el mejor desahogo que una artista seria podía tener, escondiéndose tras un alter-ego burlón con peluca y maquillaje que no logra desestimar el talento y la voz que “Maddie” aporta a la Banda. Son muchos los que consideran a El Madmo un proyecto de Punk y tal vez tengan cierta razón en cuanto a actitud, aunque musicalmente es mucho más, logrando hacer doce canciones totalmente distintas entre ellas, que juegan con el garaje, punk, heavy metal (con un pequeño tributo a Judas Priest en “Sweet Adrenaline”), surf, country, twee-pop y sin dudarlo, con el Rock N’ Roll de antaño.

Las raíces e influencias están bien cimentadas en la banda y aunque son canciones sencillas, no son improvisadas o hechas a fuerza, se escuchan canciones divertidas que son disfrutadas por la banda al ejecutarlas, lo cual refleja lo mismo a quien la escucha.

Debo confesar que cuando me enteré de que “Maddie” era la mismísima Señorita Norah Jones, me quede estupefacto; pero al escuchar a El Madmo, me doy cuenta que esta no se aparto mucho de su trabajo, simplemente desahogó el “otro yo” que muchas veces tenemos todos. Tal vez algunos crean que la portada no sea la de este EP, pero créanme, ese es el arte del disco y me pareció ¡genial!.

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The Willowz - Chautauqua

Muchos fuimos los que descubrimos a este cuarteto con un sinfín de cambios de alineación y amigos invitados entre discos y presentaciones en directo, gracias al Soundtrack de “Eternal Sunshine of The Spotless Mind”, donde nos mostraron su versatilidad musical dejando claro que así como pueden ensordecernos con canciones escandalosamente Punk, igual pueden endulzarnos con dulces Baladas. Pues bien, si aun no escuchan ni el Soundtrack antes mencionado y ni a esta banda de Anaheim, California, de nombre peculiar y divertido, este es el pretexto perfecto para hacerlo. En “Chautauqua” del 2007, The Willowz siguen bajo la línea de trabajos pasados, con gloriosas guitarras llenas de Rock N’ Roll, Hard-Rock, Garage y Punk como en “Beware”, “Siren Song”, “Take a Look Around”, “Warship”, “Nobody” o la Led Zeppelliana “Evil Son”, mostrando también su lado campirano con matices de Blues, Country y Folk en canciones como “Jubilee” o “Once and a While”. Este es un trabajo que revive el Blues y el Hard-Rock de una manera honesta, y desenfadada, donde se nota que Richie James Follin fue concebido entre conciertos de Led Zeppellin y Deep Purple, creció con Willie Nelson y Johnny Cash y se masturbaba escuchando The Cramps, las influencias se notan y difícilmente se pueden objetar, inobjetable también el parecido enorme entre la voz de James Follin, con la de Jack White en los primeros trabajos de los White Stripes y aunque no dudo que sus influencias sean las mismas, creo que The Willowz crean mejores canciones, no virtuosas, pero con mayor trabajo previo. Este es un trabajo que suena “norteamericano”, con sus guitarras matizadas que juegan entre lo distorsionado y lo acústico, es más, este disco fue hecho con la intención de ser reproducido en vinil.

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One Day As a Lion - One Day As a Lion EP

En el 2008, justo antes de que el “Rage Against the Machine” Zach de la Rocha decidiera continuar con el proyecto que lo coloco en el mapa musical, desafió a sus demonios internos, dejando un poco el “activismo político” que venía predicando desde RATM (poco, eh, no se crean mucho), y junto al mejor baterista de The Mars Volta (a mi gusto y con el que iniciaron), Jon Theodore, se enfrascó a un universo nuevo y sofisticado , donde, bajo la misma línea musical que venía haciendo con su antigua banda, convirtió rimas en exquisitos gritos de protesta y manifiestos. En este proyecto me gusta mucho más la voz de Zach, y gran parte de esto, es por la música, que aun con una batería decisiva, cruda y por demás atinada en cada una de las cinco canciones que forman este EP, los teclados saturados de “delay” de De la Rocha, elevan el sonido a un finamente elaborado hip hop que engrandece a un De la Rocha, que emprendía su caída a una decadencia creativa. La línea de este EP editado en Julio del 2008 es axiomáticamente la del Hip Hop y Rap, pero igual coquetea y se arrima a estruendosos destellos de Hard-Core, Punk, Metal e incluso de electrónica, dejando a un lado por completo el sonido RATM que aun siendo inconfundible la voz de De la Rocha, uno descubre en “One Day as a Lion”, que estamos ante un proyecto que con solo cinco canciones, nos demuestran honestidad y entendimiento bilateral entre De la Rocha y Theodore, lo cual es raro encontrar tratándose solo de un EP. Algún día One Day as a Lion será recordado como un proyecto completo, que tal vez efímero, pero con un fuerte legado en estas cinco canciones y no como un proyecto creado por el ex-RATM. Podría decirles canciones claves de este EP, pero creo que de “Wild International” a “One Day as a Lion”, son cinco temas con alma y viseras propias.

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Kasms - Spayed

De los restos de Test Icicles, Rory Attwell intercala junto a Scott R Walker la batería y la guitarra en KASMS, banda que mezcla el “Garage”, “Punk” y “Punk Revival”, de una manera tétrica y por demás oscura, con canciones que pueden llegar a ser sarcásticas, satíricas y absurdas, donde Rachel Mary Callaghan y Gemma Fleet, igual cantan y hacen coros que parecieran sacados del verdadero “The Rocky Horror Picture Show” confabulando guitarras distorsionadas con total feedback, a la par de bajos contundentes que marcan y desmarcan tiempos, perdiendo elocuencia y por veces cordura. “Spayed” es un trabajo editado apenas el año pasado, que con doce canciones nos llevan a finales de los 60’s, mediados de los 70’s, con esas películas de serie “B”, de Ed Wood, Bela Lugosi y Vampira, aunque nutriéndose también de sonidos actuales, siendo la referencia a mencionar, The Horrors (sin pensarlo). Para los fans de Test Icicles, tal vez no encuentren la misma línea en KASMS, sin embargo, estoy seguro que no quedaran desanimados, tal vez no sea la banda que revolucione el Punk, e incluso, no creo que traiga algo nuevo o por descubrir, pero si es un proyecto que revive un sonido escaso en nuestros días, que como dije; es perfecta para cualquier película “gore” e incluso al mismo Tarantino le caerían bien un buen numero de temas como: “KRIH”, “Taxidermy”, “Bone You”, “Trenchfoot” o “Siren Sister” para futuros proyectos o para los ya existentes (Pulp Fiction, por ejemplo). En definitiva, KASMS no es punk fácil de escuchar, aun cuando son canciones cortas que no llegan ni a los cuatro minutos, es más, ni a los tres minutos en la gran mayoria (solo dos canciones), tampoco es un Punk que está de moda, ni el más entretenido, es un Punk inteligente, que no experimenta y apuesta por lo básico.

!Que tengan ustedes un frenetico Martes!

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The Icarus Line - Penance Soiree

Con ese decadente sonido que los caracteriza, The Icarus Line en el 2004 nos regalaron una joya punk/noise/post-hardcore, con la única idea de destruir consciencias, esperanza y certidumbre, creando canciones aunque un tanto más “domesticadas” que en su primer “Mono”, sin decir con esto, que son agradables para cualquiera, si son más estructuradas y acercándose al sonido básico del Rock, con riffs acertados, versos sencillos, un par de gritos disonantes y lo que a muchos les falta, ACTITUD y desfachatez de la que muestran solo los muy cabrones. “Penance Soiree” es un trabajo que recolecta lo que At The Drive-In dejo inconcluso tras si desintegración, es un trabajo sencillo, que no experimenta en sonidos, capturando en estudio la esencia de la banda en directo, la interpretación de Joe Cardamone, quien nació para ser RockStar, con las virtudes y excesos que acarreé eso, desgarrando su voz y alma entre canciones. A diferencia de “Mono”, trabajo editado en el 2001 y que puede encontrar aquí, “Penance Soiree” es un trabajo que refleja las nuevas influencias de la banda, volviendo como dije anteriormente, a un sonido más rudimentario y básico del Hard-Rock, con influencias de bandas de la década setentera reflejada en las guitarras, armonías y voces, si en “Mono” la falta de fe y la autodestrucción eran los tópicos a seguir, en este los tópicos siguen intactos, sus creencias siguen en pie y la doctrina se sigue predicando, aunque esta vez con música un poco más “centrada”. El disco es explosivo y no existen momentos reflexivos, es un disco hecho por impulso, es como una pelea callejera entre perros rabiosos que están dispuestos a terminar hasta que uno caiga muerto, no esperen sonidos dulces, ni matizados, son canciones crudas y extremadamente recias, con muy poco trabajo de post-producción y un fuerte impulso destructivo. Me considero de los pocos fans de esta banda que sin mucho apoyo mediático, han logrado un sequito de seguidores fieles que aunque en su tercer trabajo cambiaron un poco mas su sonido, es de esas bandas que se les agradece cada disco, porque son fotos instantáneas de las etapas en las vidas de los integrantes. Para los amantes de la distorsión, los gritos y la excesiva actitud “rompe-huevos”, este es uno de los trabajos que merecen ser escuchados en esos días de encabronamiento extremo (claro que si, como no, con mucho gusto). Como dato curioso, el guitarrista Aaron North fundador junto con Cardamone, dejo la banda justo después de grabar este disco para unirse con Trent Reznor en el NIN del “With Teeth” del 2005.

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The Happy Hollows - Spells

Hace un par de años me toco descubrir a este power-trio de California gracias a “The Daily Habit” en Fuel TV, quedando completamente boquiabierto al verlos en vivo, quede cautivado con la presencia de Sarah Negahdari quien con tal vez no una notable maestría en la guitarra, si demuestra de que están hechas las mujeres a la hora de querer rockear en serio, en esa ocasión los escuche con sus primeros temas, recuerdo que fue “Meteors”, incluso quede tan cautivado que de inmediato tuve ganas de hacer una banda con ese estilo. La esencia de The Happy Hollows es completamente punk, con esa desfachatez y soberbia, pero simpatía a fin de cuentas, que muy pocos logran tener, mucho de esto lo logran por la misma Sarah, ya que por el otro lado encontramos a un Charlie Mahoney en el bajo y voz con ese aire introvertido, pero eficaz al momento de ejecutar su instrumento, y la batería justa y equilibrada, en la mano de Chris Hernández, quien preciso en su trabajo, no fanfarronea, ni exagera en sus arreglos, pero vayamos a “Spells”, trabajo editado en 2009, que le siguió al EP “Imaginary” que similar a lo que hizo Radiohead con su “In Rainwos”, prácticamente regalaban a fans y extraños que quisieran descargar dicho EP, pagando lo que creían valía el trabajo. Volvamos a “Spells”, para los que han seguido el trabajo de este trío, podrán percatar la evolución que han tenido, creando ahora canciones complejas y con mayor forma, continuando con la fuerte influencia al “Punk-grunge” que dejo Nirvana, pero ahora experimentan con destiempo y cambios de ritmo, como en “Lieutenant”, que cual marcha militar da inicio, para enseñarnos la construcción minuciosa de melodía y armonía, para radicalmente hacer un cambio de ritmo, haciendo parecer que estamos ante dos canciones distintas, con cierta influencia al “progresivo”, creando un extraño hibrido de “noise/punk/pop/grunge/progresivo”, que debo admitir que también maneja ciertos riffs metaleros, pero que mejor no los manejo como “metal”, para no herir sensibilidad de los amantes del género. Tiene mucho que decía esto de una banda, pero creo que en “Spells” aplica, es un disco redondito, que tal vez tiene una diversidad de mezcolanzas en cuanto a genero, pero que sigue y respeta una sola línea, es uno de los muchos trabajos que pasaron sin pena ni gloria en este 2009, pero que hoy aquí le rindo tributo y espero, se esparza, porque realmente creo que The Happy Hollows son los herederos fieles de indie noventero, e incluso los podría emparentar con el sonido y esencia que en su momento Nirvana lego, con canciones sencillas, estribillos contagiosos y juego de armonías.

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Various Artists - Saturday Morning Cartoons' Greatest Hits

Un disco con ya quince años en sus espaldas, que al escucharlo uno revive esas caricaturas que a algunos nos hicieron reír, emocionarnos y pasar ratos agradables, caricaturas que no precisamente son de la década en que se edito este LP de colaboraciones, pero que las bandas hicieron suyas y dejaron plasmada en este "Saturday Morning Cartoons' Greatest Hits", así, encontraran covers hechos por Sponge del clásico tema de "Speed Racer", o los Butthole Surfers tocando el tema de "Underdog", aquel súper-perro de nombre "peabody" (de donde se deriva mi pseudónimo), que ayudaba a muchos o el clásico inmortalizado por los Ramones al tema de "Spider-Man", canción que en su momento sirvió de sencillo para promocionar este trabajo demasiado ecléctico y con un exquisito sabor a 90's, que al menos a mi me emociona. Por un lado, uno recuerda esas maravillosas caricaturas y por el otro, se rememora esa década que nos dio una pequeña "evolución", con bandas y artistas que con toda la intención explícita, nos dieron un disco compilatorio digno de encapsular y enterrar bajo tierra para ser descubierta en un futuro distante por una nueva raza. No se sientan inadaptados si algunas canciones las desconocen, me paso lo mismo y es que algunas de las caricaturas a las que aquí se les hace tributo, no llegaron a televisión abierta (y recordemos que antes no existía esto de la televisión por cable, solo parabólica), pero con la herramienta del youtube, todo puede ser o bien descubierto, o recordado.

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Turbo Fruits - Echo Kid y Jemina Pearl - Breack It Up

Tras la desintegración de "Be Your Own Pet" en el 2008, Jonas Stein se vio en la necesidad de continuar dando guitarrazos, gritos y saltos en la vida, por lo que decidió fundar Turbo Fruits, un trió donde al igual que su anterior banda, exploran el "garage", el "punk" y ciertos destapes de "noise" sin exageraciones ni excentricidades. La formula aunque similar a los trabajos hechos con "Be Your Own Pet", resulta un trabajo más domado y menos ruidoso, con canciones de mayor estructura, trabajadas a conciencia y de mayor influencia al Rock N' Roll de antaño, no queriendo decir con ello, que "Echo Kid" sea un disco para nostálgicos o "revivals", es un LP con influencia fuerte, pero que no "suena a...”. En conclusión, en "Echo Kid" el tiempo se va deprisa, no disimula en voltear atrás y cada una de las canciones, aunque bajo la misma línea, suenan distintas y fáciles de escuchar e identificar.

Pero Stein no fue el único que continuo carrera posterior a "Be Your Own Pet", Jemina Pearl también edito al igual que Turbo Fruits, un LP en el 2009 de nombre "Break It Up", donde tropezamos también con la influencia del sonido punk que caracterizó a estos músico en un principio, aunque al igual que lo ocurrido con Stein, Pearl domestico y pulió (a mi parecer, en exceso), su sonido, creando un disco, que aunque bueno, se acerca más a un Punk-Pop (sin menospreciar el trabajo), que termino siendo todo un coctel de colaboraciones de gente importante como Iggy Pop, David Sitek y el mismísimo Thurston Moore, quien no solo colaboro en una canción, sino que también fue quien la firmo en su disquera independiente de nombre "Ecstatic Peace! Universal Motown".

Un par de LP's que se deben tener para darle intensidad al fin de semana, donde tal vez no termines rompiendo cosas y gritando de furia, pero sí son el pretexto perfecto para juntarte con amigos y chocar los tarros de cerveza espumosa. !!SALUD!!

Turbo Fruits - Echo Kid

Jemina Pearl - Breack It Up

XYX - Sistema de Terminación Sexual

Mientras muchos experimentan con loops, efectos extraños de guitarra y sampleos pegajosos, esté dúo de Monterrey, NL, deja eso para sus otros trabajos alternos y en XYX solo se avocan a experimentar con el volumen de sus amplificadores, intentando reventarlos con un sonido de lo más alto y sucio, dejando ver que aunque es el trabajo más "improvisado" de Mou y Señorita Anhelo, es un trabajo hecho con muchas ganas de jugar haciendo música, es en este proyecto donde nos regalan sus "deficiencias" y "carencias" como músicos, no queriendo decir con esto que es lo peor de lo peor, sino todo lo contrario. XYX es un proyecto que tiene su cohesión, su estructura y aunque revive ese sonido punk que tanto añoramos últimamente, es ordenado y finamente producido por la mano de Mou, quien se encarga en esta ocasión de la batería de una manera sencilla y nada pretenciosa. Eso sí, este, es un proyecto de dos, no crean que el esfuerzo recae solo en Mou, Anhelo sale bien librada en este proyecto y nos demuestra que sin tantas virtudes se puede lograr mucho, simplemente sacando provecho en lo que uno es bueno, las canciones son agiles en exceso en el EP, con cuatro canciones que se derriten de repente, que nos dicen, pero no nos cuentan nada, que son gritonas, pero dulces a la vez, en definitiva, es un trabajo que vale la pena y que al menos a mí, me dejo queriendo más, como cuando te chingas un par de cervezas y/o la sigues o esperas un terrible dolor de cabeza.

¡¡Descárgalo!!

Mutators - Kill Me

Un trió esquizoide y enfermizo que vio la luz en la tierra que está haciendo de todo, donde así como abundan bandas de indie-pop, también las hay de garage, experimental, chamber-pop o synthpop y un sinfín de sonidos. Pero eso a Mutators le venía valiendo un revendo comino, porque ellos se dedicaron a destrozar lugar al cual se presentaban, fuese el bar más "trendy" o la sala de algún desquiciado amigo, su música es exquisita y brevísima, con las más grandes influencias del punk más sucio y el garage mas oscuro, que emputa a cualquier "estirado" que se las dé de experto musical y que sin tanta promoción a cuestas (más bien, con nula promoción), ellos de boca en boca hicieron que las cosas pasaran. Lamentablemente dejaron de existir como banda, por ello, no se sientan tan culpables a la hora de descargar el disco que aunque LP termina sabiendo más a EP, porque aunque éste cuente con trece canciones que nos llevan a la paranoia, incertidumbre, neurosis, depresión, rabia, bipolaridad y de regreso, son trece canciones que se diluyen repentinamente y te dejan "entonado" y ansioso. "Kill Me" es un trabajo que sabe a mugre y esta corrosivamente "mal hecho", pero esa es parte de su genialidad y de lo que en mi (insano) punto de vista, nos deja queriendo más, es un LP que en su concepción se entiende una sola idea, la cual es simple, entretener entreteniéndose, hacer ruido y fastidiar a los demás con ese ruido, no esperen una producción impecable porque eso no lo encontraran aquí, es un disco que bien se pudo haber grabado en una toma mientras el trió ensayaba en el garage, es completamente honesto y no existe post-producción fanfarrona, no es que ellos tres hayan querido sonar así, es que ellos hacen música a su entender y ese entender es "Kill Me". Para quienes consideran que "Las Ultrasónicas" son Garage/Noise, tras escuchar Kill Me de Mutators verán a las primeras, más en la onda de "Pelo Suelto" de Gloria Trevi. Otro de esos "olvidados" del 2009.

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Weezer - Raditude

Que más se podría decir de una banda como Weezer, la formula sigue siendo la misma y los resultados a mi parecer son mejores que el anterior disco de estudio de la banda en el 2008 (Weezer Red Album), en Raditude se dejan echar la mano tanto por Dr. Luke y Polow da Don en la co-producción, dando como resultado en algunas canciones como "Can't Stop Partying" un Weezer electro-dancero poperon muy en el estilo que traían en el divertido cover que le hicieron a MGMT y a Lady Ga Ga de "Kids" y "Poker Face" respectivamente. Raditure es un LP que no arriesga mucho experimentando y aunque no han logrado volver a ese sonido tan esencial que nos regalaron tanto en el "Weezer [Blue Album]", ni en su "Pinkerton". Estoy seguro que tendrá miles de detractores, pero en mi caso, escuchar un disco nuevo de Weezer es como ir a ver una película de corte comedia-romántica, sabes que las últimas tres que has visto tal vez no te han sorprendido, pero algo encontraras que sin duda te dejara huella, al menos el buen rato que pasare viendo la película, así mismo pasa con los últimos de Weezer, sin duda, te deja un buen sabor al terminar de escucharlo, aparte de que encuentras en ciertas canciones, la esencia de aquel Weezer que conocí en el 94 y que exploto mi cabeza.

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Sonic Yoth - The Eternal

Aunque existieron miles de detractores en relación a éste, el trabajo numero diecinueve de los padres de lo que hoy en día conocemos como "Alternativo", lo importante es escuchar "The Eternal", minuciosamente y con cuidado, disfrutar cada una de las canciones, de los ruidos que son la especialidad de la casa, de sus letras y dejarse llevar con esta banda. Muchos dirán que suena a lo mismo que se ha venido haciendo la década pasada con Sonic Youth, sin embargo olvidan, que ese sonido que empezaron haciendo a finales de los noventa, principio de los noventa, era completamente revolucionario y radical, que era un sonido que no se escucha en ninguna otra parte, con ninguna otra banda, sonido que hoy en día miles de bandas imitan y aunque se acepta que existen muy buenas bandas que se influenciaron de ellos, es importante darles su lugar musicalmente hablando. The Eternal viene a demostrar que Sonic Youth es una banda que a pesar de contar con casi tres décadas haciendo música, es una banda que aun tiene cosas que decir y demostrarse a ellos mismos, su sonido se vuelve más fresco y menos experimental, incluso se sentaron a componer canciones sencillas, con riffs mas acelerados, recordándome el sonido que hicieron a principios de los 90's en "Dirty", con canciones como: "Thunderclap for Bobby Pyn", "Sacred Trickster", "No Way", "Anti-Orgasm" o canciones como "Antenna" que dejan ver cierta experimentación, sin llegar al extremo que nos dieron en los poemas liricos y sonicos del "NYC Ghost & Flowers", en el año 2000. En resumidas cuentas, para aquellos que son fans de la banda, sin duda encontraran que es un disco completo, que llena expectativas y deja un agradable sabor de boca; para quienes inician con el sonido de Sonic Youth, creo que es un perfecto disco para entrar a su extensa discografía, que sin duda merece ser reconocido.

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The Carps - Waves & Shambles

Un dúo canadiense formado por Neil White [bajo] y Jahmal Tonge [batería], con cierta similitud a ese otro dúo canadienses [DFA], que utilizaban estos mismos instrumentos para hacer ruido y mover caderas.

El disco fue editado en 2008 y oscila entre lo electrónico, hip hop, punk, pop, experimental y un tanto de new rave, es variado aunque sigo diciéndolo, si se escuchan mucho con influencia de Death From Above.

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Math the Band – Don’t Worry

Un dúo formado por Kevin Steinhauser y Justine Mainville, utilizando instrumentos básicos como lo son: la guitarra y batería; mezclándolos con sonidos electrónicos, como programadores y sintetizadores KORG MS2000, que hacen de su sonido, una aventura divertida y apresurada de principio a fin, que recuerdan esos sonidos del nintendo (8bits), pero con la energía que imprimen en todos sus trabajos; letras divertidas, voces desentonadas, pero perfectas para las melodías, guitarras y baterías perfectamente cuadradas y los sintetizadores por muy simple que seas, termina moviéndote alguna parte del cuerpo. Se dicen fans de Andrew WK y de The Flaming Lips, en sus presentaciones son irreverentes y locos (sino, vean sus en vivo desde la youtube), ocupando a algunos amigos invitados como músicos.

Este es un disco perfecto para aquellas personas que gustan de correr, es el plus perfecto para esa energía que a veces se necesita.

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Japandroids - Post-Nothing

El dúo formado por Brian King [científico] y David Prowse [antropólogo], es sin duda un dúo fuera de lo común, con sonidos básicos e instrumentos de igual manera (guitarra y batería), que utilizan para simplemente crear un excelente "noise-pop", con el entusiasmo punk y de vez en vez, algo de low-fi y un garage "domesticado". Originarios del país (Canadá) que les está demostrando a los americanos como hacer buena música e influenciados evidentemente (tanto en el número de integrantes de la banda, como en la música), por Death From Above 1979.

Con un par de EP's del 2007 y 2008, lanzan este año su primer larga duración llamado "Post-Nothing", con ocho tracks saturados de distorsión, feed-backs, fuzzers y overdrivers, pero con tanta melodía que hacen amable el disco, con un juego de voces entre King y Prowse, quienes comparten el cargo de vocales y lo hacen perfecta y efectivamente sucio, ya que embonan al estilo garage de la música.

Considerados como "lo mejor de la nueva música" por paginas especializadas, pero bueno, podría decirles lo que dice la Pitchfork, pero honestamente, me cagan sus reseñas tan pretenciosas, queriéndonos meter a bandas raras y vendiéndonosla como "LA" banda a seguir, sin embargo, con Japandroids, creo estar de acuerdo con ellos, puedo decir que valen la pena. Si les ha parecido interesante el sonido "rupestre" de No Age, creo que encontraran en Post-Nothing un buen consuelo para la espera de algo nuevo de estos, después del su EP [Losing Feeling EP], el cual a mi me quedo a deber.

Canciones ampliamente recomendables del disco: "Young Hearts Spark Fire", que suena tan ágil y juvenil, "The Boys Are Leaving Town", una excelente presentación al sonido del disco, "Crazy/Forever", "Sovereignty" y "I Quit Girls" que enamora con esa guitarra empapada en un fuzz sonando a taladro perforando metal. El disco es sencillo, básico, dura aproximadamente treinta y cinco minutos y es preciso, con canciones como suelen ser en el punk, con verso y coro, y a veces con un puente por ahí, pero sin sonar pretencioso.

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The Icarus Line - Mono

Desesperanza, fé perdida, desilusión, rabia, ira, dolor, esos son los adjetivos que describen el sonido de este, el primer disco de una banda que admiro desde hace mucho, mientras bandas como Sum 41 y Blink 182 jugaban a tocar punk a principios de esta década, The Icarus Line les importaba un carajo verse en MTV triunfando y aunque querían "domesticar" su sonido áspero, decidieron dejarlo con esa actitud perdida y producir este disco que suena a todo lo malo que puede sentir el ser humano. Este disco no es apto para personas felices o que en este momento estén en una etapa de "estabilidad", es un disco que debe escucharse bajo su propio riesgo, porque está rabia puede resultar contagiosa y enfermiza.

El disco abre con "Love is Happiness", donde le agradecen a Dios por haberse ido y abandonado, es una canción destructivista, de esas que te motivan a patear pendejos, es esquizofrénica, es desastrosa, es contundente, es veloz y es estridente. "You Make Me Nervous" es una oda a la obsesión enfermiza, a la incertidumbre adolescente, a la confusión y a esa ira que nos ha venido de vez en vez, la música nuevamente se torna esquizofrénica, pero inicia con un bajo que marca una marcha que no promete terminar del todo bien. En "L.O.S.T." nos demuestran que inadaptados si son, de esos chicos maltratados en el colegio por los "bullies", lo que me parece sorprendente de esta banda es la facilidad con la que pueden hacer tantos cambios de ritmo y sonar contundentes. "Enemies In High Places" retoma ese tema de adolescencia frustrada, de acoso y maltrato, dando como resultado una rabia descomunal, unas enormes ganas de destruir y tanta ironía en la frase: "My enemies hate me so much it becomes a subliminal love affair".

"In Lieu" pareciera sacada de una especie de desfile tétrico y surreal de la sombría imaginación de un joven Tim Burton, es una canción épica, larga y completamente justificada, depresiva y atemporal, con un destiempo que solo una mente retorcida podría elaborar. "Feed a Cat to Your Cobra" es de las canciones "amables" del disco, que suenan a un punk viejo, al estilo de Black Flag, con esa misma rabia y esos mismos estribillos, desquiciante y entrañablemente enferma, nuevamente una de esas canciones con unos cambios de ritmo abruptos que hacen que tu cerebro explote. "Oh Faithless" nuevamente aborda el odio a uno mismo, a esa desesperanza, a esa apatía a la muerte y a los deseos.

"Please Fire Me" es completamente una canción punk, es una pelea de gatos furiosos, es un himno a la destrucción o al autodestructivismo, después de llegar hasta este punto del disco, te das cuenta que pudo ser el perfecto soundtrack de "Fight Club", es violenta, rabiosa, sombría y depresiva. "Keep Your Eyes Peeled" inicia con un bajo contundente, que va acrecentándose y acompañándose con una voz sombría y unas guitarras tenues. Un sonido crujiente inicia "Best Two Out Of Three", con la gritona voz de Joe Cardamone y esos cambios de ritmo tan bien elaborados que solo a esta banda le admiro.

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Deerhoof - Apple O'

Proveniente de Tokio, pero radicada en San Francisco, CA., Satomi Matsuzaki es quien da voz y esquizofrenia a este proyecto experimental de noise, con tintes de punk, acompañada por Greg Saunier y John Dieterich, quienes juntos hicieron de este disco, una experiencia sonora de instrumentos perfectamente ejecutados, lo cual se escucha e incluso te llegas a perder con ese sonido de maquinaria trabajando en fabrica.

La música es disonante, en ocasiones confusa y cuadrada, las guitarras son sucias y distorsionadas, aunque con mucha melodía en cada nota, la voz de Satomi en ocasiones recuerda a Kazu Makino de los Blonde Redhead y a esa fantasiosa caricatura de Cartoon Network llamada Puffy AmiYumi. Este, es su quinto disco de estudio, editado en el 2003 y es en este cuando la banda forma un sonido propio, tanto en su instrumentación, como en la vocalización de Satomi, quien con sus alaridos extraños y melódicos, forma un sonido que si bien rememora a Kazu Makino, la música de Deerhoof resulta más enferma y no tan “amable”, utilizando en esta ocasión el término “amable”, para denominar a la música de Blonde Redhead años luz, más depresiva que la música de esta banda. Este disco es en absoluto irreverente, incluso las canciones “relajadas”, resultan en exceso experimentales, escuchándose como el preámbulo de un caos en proceso y muy bien orquestado.

El disco aun cuando se escucha experimental, no resulta pretencioso o fanfarrón, suena a algo que hicieron porqué les parecía que sonaba “bonito”, más no por querer sonar muy “locos”. Si no conocen a esta banda, esté a mi parecer es una perfecta demo, de lo que esta banda sabe hacer, en su haber, cuentan con diez discos de estudio y cuatro EP’s.

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Parts & Labors - Mapmaker

Banda de Brooklyn, NY, formada en el 2002 por Dan Friel y B.J. Warshaw mezclan sintetizador, con guitarras distorsionadas y baterías avasalladoras y contundentes, hacen del sonido un instrumento más, una expresión melódica más. Son punk sin querer serlo, son disonantes con toda la intención de serlo y hacen ruido que acaricia el oído. Las voces tienen una gran influencia a la del magnífico Glenn Danzig en sus mejores años a cargo de Misfits, es gruesa, potente y entonada.

El disco inicia con un cuarteto de canciones aceleradas, que son magníficamente marcadas por una batería que pareciera cada vez subir más de intensidad, como en "Fractured Skies", "Brighter Days", "Vision of Repair" y "The Gold We're Digging". La experimentación sonora se escucha en "New Crimes", donde mezclan los sonidos de guitarra, con un sintetizador que cada vez parece comunicarse con inteligencia extraterrestre, hasta explotar y empezar una guitarra que suena cual sollozante gaita escocesa, un buen ejemplo de post-punk. Continuando con esa experimentación encontramos "Long Way Down", donde nuevamente lo que es indiscutible no percibir, son los sonidos tan bien logrados con el sintetizador y esa batería tan potente y bien estructurada, justo en medio de la canción encontramos ese noise tan bello que me relaja tanto.

En "Ghosts will Burn" encontramos una especie de taladro ensordecedor y enfermo que desata tanta esquizofrenia que llega a ser estresante el terminar de escucharlo, para finalmente encontrarnos con una batería que marca un disonante tempo. Con la misma idea que la canción anterior, en "Unexplosions" encontramos una de las canciones más "amables" del disco, con una melodía sencilla que bien podría considerarse la canción “pop” del disco. “Camera Shy” nuevamente retoman ese sonido punk que han manejado; acelerada, paranoica, melódica y con los requisitos de cualquier canción de esta banda, los cuales son: batería acelerada y sintetizadores enfermos. “King of the Hill” es una especie de experimentación sonora, que pasa desde la electrónica, el punk, el noise, el pop y lo hace de manera delicada y tenue, que es elegantemente construido.

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The Exils - Vol. 1

Oriundos del Distrito Federal (México), y firmados por una disquera de la cual se ha mencionado bastante en estos últimos días en este blog (nene records), ellos son The Exils, una banda que puede que suenen a un sin fin de bandas ya "viejas", como Sonic Youth, Blonde Redhead, e incluso a unos Yeah Yeah Yeahs, pero ellos hacen su lucha (y no lo digo con ánimo de menospreciarlos), al contrario, les aplaudo y de pie. Su música es punk, con pinceladas dulces de noise e incluso de garage, sus letras son rebeldes y oscilan entre lo agresivo y lo obsesivo, su mayor comparativo con las bandas que se mencionaron antes, es sin duda, la fémina voz de Syntheziser (quien luce bastante bien, refiriéndome con ello a su actitud). Las guitarras son llenas de distorsión, de un fuzz elegante, sencillas, sin arreglos que quieran pretender un malviaje, son guitarras básicas, pero que suenan bien, que gritan como viento en casa abandonada.

La banda fue formada por un par de hermanos (Dave y Chalo), quienes en 2007 decidieron experimentar con sus juguetitos y pedales, habiendo en la banda un sinfín de cambios en la alineación, pero mismos cambios que han hecho el sonido que hoy apreciamos de ellos. Su música no es algo con lo cual experimentes llegar al Nirvana musical, su música es sencilla, es simplemente un buen rock, utilizan el ruido cuando deben ocuparlo, la voz es alzada, cuando se requiere y sus influencias son latentes en su sonido.

La producción está muy bien cuidada, ya que a pesar de tener tintes de noise, garage, lo-fi e incluso matices de shoegaze, sus guitarras y baterías no suenan a radio viejo, lo cual, últimamente en bandas de ese género, empieza a fastidiarme, ellos cuidan mucho su sonido, primordialmente de las guitarras y las voces, aunque suenan sucias y ásperas, no están en exceso saturadas, dándoles cierta sofisticación en su sonido. Realmente son una banda que vale la pena escuchar, y seguir su evolución, la cual, no dudo tendrán.

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Mamá Burguer - Pastillas y Licor

Aun aquí y con nuevos aires, nuevas perspectivas, nuevas esperanzas y nuevo pensar después del Sábado, si, con ciertos miedos, pero con más, mucha más esperanza.

Este blog empezó como una mera herramienta de escape de mis demonios, y sigue y seguirá siéndolo, solo que ahora, también quiero ocuparlo como una herramienta para aquellos que quieran, de mostrar no solo las cosas que se hacen en otras partes y que admiro (musicalmente hablando), creo que es momento de hablar también de las cosas que se están haciendo en México, porque existen muchas cosas interesantes que bien merecen la atención de, tal vez no una mayoría, pero si de un buen grupo de gente. Pero bueno, dejando atrás problemas existenciales y dramas de la vida irreal, les presento a una banda regia, con un sonido tal vez no nuevo, tal vez no radical, pero si bien construido, con atmosferas que evocan aquel sonido de los 90's, ese que no era ni el grunge de Pearl Jam, Nirvana o Soundgarden, ni el Alternativo de bandas como Smashing Pumpkins o Veruca Salt, entrando más bien dentro del sonido más punk y menos noise de unos Sonic Youth (y cuando digo menos noise, no quiero decir que no hagan ruido, porque lo hacen, y muy bien). En la banda encontramos dos bellas damas, Señorita Anhelo y Luxie, quienes comparten las voces y tocan guitarra y bajo, respectivamente y dos buenos tipos, Vanila y Mou quienes hacen lo suyo en la batería y segunda guitarra, de hecho, como dato curioso, Mou es o era, mejor dicho, parte de otra banda regia que admiro aun después de disuelta y que recientemente posté su EP (Ruidos en el Techo), y también lo encontramos en Bam Bam.

Pero bueno, entrando de lleno al disco, este abre con unas guitarras aceleradas acompañadas de una batería con el mismo compas, la canción es "Nublado", una canción punk con tintes de incertidumbre, con ese sentimiento de desconcierto, de inestabilidad, de decisiones equivocadas, es una canción divertida, sencilla y básica. Con "Tarta Pop", vuelve con esas guitarras que sueñan con Sonic Youth, con esas letras que dicen, pero no dicen, con esa actitud de desfachatez y estupidez, de ese espíritu de burlarse de uno mismo y no por ello resultar lastimado. "Diamantina" es una canción con un sonido sencillo, incluso podría decirle hasta "rupestre", no empieza con el riff que el mundo esperaba, sus acordes son sencillos y su letra es agresiva, es esquizofrénica, es una especie de burla, o al menos así lo entiendo yo, a todas aquellas niñas que creen que el mundo debe estar a sus pies, que creen que el mundo es sencillo por eso mismo, sus coros son dulces, siempre me han gustado las bandas donde mujeres cantan o hacen corillos "dulces", aun cuando la música no lo sea, es un contraste que siempre me ha resultado efectivo.

"Trafalgar" es completamente una oda al sonido 90's, desde la primera nota, hasta los coros que acompañan la música, es nuevamente, una canción divertida, suena a improvisación pero a la vez también a experimentación. "Diecisiete" es con la que cierran el disco, y oficialmente es una hermosa "balada" punk, es relajada cuando lo tiene que ser, es estridente cuando lo tiene que ser. Mama Burguer no es una banda cualquiera, los considero únicos, aun teniendo un sonido tan escuchado, son únicos por el simple hecho de divertirse al hacer música, de jugar con sus instrumentos, con sus sonidos, con sus voces, se que esta banda evolucionara y sonaran cada vez mejor, el disco es parte de esa pequeña gran empresa llamada Nene Records, una disquera independiente que tiene firmada muy buenas bandas, algunas no tanto, y aunque este disco tiene dos años de grabado, suena a fresco, a divertido y a desmadrozo.

Mama Burguer no pretende hacerte pensar con su música y sus letras, se aprecia que solo sacan los conflictos que traen dentro, las burlas que quieren hacer y los problemas que cualquier adolescente o persona que paso por esa etapa quiere decir, por ello, y solo por ello, Mama Burguer deben ser escuchados.

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