Sufjan Stevens - The Age of Adz

Como siempre eh dicho (y escrito), hablar de Sufjan siempre me resulta carente de objetividad por mi enorme admiración a el como artista e individuo, por lo que escuchando el ultimo disco de estudio hasta ahorita, trate serlo, es mas, escuche el disco siendo el mas fisgón, ambicionando encontrarle un minúsculo detalle y eh aquí mi intento.

Bueno, empecemos con el nombre, el disco se llama "The Age of Adz", inspirado en el trabajo del artista plástico Royal Robertson, esquizoide que imprimía parte de la cultura popular, ciencia ficción, fantasia, comics y la Biblia (si, lo se, extraña mezcolanza), en sus pinturas e incluso el arte del disco (portada entre ella), es de este, bueno hasta aquí encontramos algo extraño y contradictorio en lo adoctrinado por el artista Stevens, ya que si recordamos, Sufjan dijo tener la pretensión de crear un disco por cada uno de los cincuenta estados que integran la unión norteamericana, con dos ENORMES discos de muestra (Illinois y Michigan), y lo primero que pensé, fue, este tipo me ha tomado el pelo, sus ideales han quedado por los suelos, haciendo mas escéptica mi intención por escuchar este disco, pero como esas buenas películas, termine entendiendo que este trabajo no ameritaba el nombre de uno de los estados norteamericanos, este trabajo es mas grande que eso, incluso que el mismo Sufjan, porque con este LP elimina no solo miedo a la experimentación y al estancamiento creativo, sino que crea (porque solo los genios y artistas crean), un hibrido difícil de clasificar, porque aunque suena y en muchos momentos a trabajos de Sufjan, aquí los elementos básicos del artista quedan enterrados (mas nunca relegados) y en un segundo plano, elementos tales como el banjo, trompetas, guitarras acústicas y esas armonías tan folk que dieron esa enorme transfusión que tanto necesitaba el genero. Aquí, las armonías siguen, pero esta vez los elementos de electrónica que el artista ocupo en aquel compilado "Dark Was the Night" con "You are the Blood" son mas palpables, también los elementos del Barroco, mezclados con progresivo, góspel y música de cámara, con esos arreglos orquéstales que saben tan bien cocinados por el, es decir, una difícil mezcla que hace imposible encasillar este disco, porque en veces suena a Danny Elfman y sus contribuciones con Tim Burton, otras a unos Radiohead en esa etapa Kid A y Amnesiac, otras a unos experimentales Dirty Projectors y otras muchas ocasiones, suena a todo lo antes descrito junto, creando (y seguiré utilizando este verbo con este genio CREAR) atmosferas obscuras, pero dulces, cambios drásticos de ritmos, melodías, armonías y silencios, sonando la primer vez que se escucha una completa demencia, pero a la segunda indigesta, entiendes estos cambios abruptos.

Lo hecho aquí por Sufjan no necesitaba, ni mucho menos merecía seguir la temática de los 50 Estados norteamericanos, esto merecía una etiqueta mas amplia y creo firmemente que este es ya un disco que pasara a la historia de la música, así como hablan del “Sargent Pepper” o del “Ok Computer” o “Dark Side of the Moon”, este es un disco que esta por encima de muchos y que al escuchar minuciosamente este trabajo, la música empieza a tener un nuevo significado, y sin querer dármelas de un tipo fanfarrón de exquisito oído, si creo que este es un trabajo que no cualquiera lograra entender, que necesita en exceso de paciencia por parte del escucha y que no necesitas haber seguido el trabajo de este genio para gustarte "The Age of Adz", incluso creo que para los fans de Stevens, este será un trabajo "extraño", pero hasta ahí y realmente es mas que ello, es absolutamente un disco que no sigue lo anteriormente escrito por este artista.

Para los que se la dan de muy chingones en música y se creen los mas exquisitos y eclécticos en cuanto a gustos musicales, estoy seguro que toparan con pared al escuchar este disco (si llegasen a escucharlo, lo cual dudo), porque esto es mas progresivo que un absurdo concierto de The Mars Volta de 45 minutos "improvisando" en una sola canción, fanfarroneándose de ser "experimentales" y tener la música en la medula.

 
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Broken Social Scene - Forgiveness Rock Record

Hablar de Broken Social Scene siempre me ha resultado interesante, porque es un proyecto tan funcional como disfuncional, con cambios de alineación (por la misma idea de ser un “colectivo”), que le da una frescura a la banda entre disco y disco que rara vez se encuentra en otros proyectos, con la idea firme y clara de dedicarse simplemente a hacer música, sin seguir tendencias actuales o géneros de moda. Kevin Drew sigue dando la cara y su emblemática firma sonora en “Forgiveness Rock Record”, trabajo que aunque programado para el 4 de Mayo de este año (2010), la internet hizo lo suyo y como podrán observar no solo aquí, sino en un sinfín de blogs de música, podrán toparse con este trabajo que incluso lleva ya un par de semanas dando vueltas, pero bueno, volvamos al disco. Forgiveness Rock Record es a mi gusto, el mejor trabajo a la fecha de BSS, donde cada uno de los personajes que integran este proyecto aporta algo, jugueteando entre el sonido característico de la banda, adentrándose a nuevos rincones sonoros, no tan experimentales como sus antiguos trabajos y si más “comunes”, no utilizando este termino para restarle valor al trabajo, sino todo lo contrario, así “World Sick”, “Chase Scene” y “Texico Bitches”, canciones que nos invitan al nuevo sonido de este cuarto LP en estudio de la banda, donde utilizando sus viejos recursos, refrescan emociones y sonidos, demostrando también una evolución melódica y letristica, haciendo un par de joyas que en lo personal se han vuelto himnos como el sencillo promocional “Forced to Love”, que entre riff equilibrados, una elegante estructura y un estribillo tan contagioso que con facilidad puede ser re-mezclado (sino es que ya fue hecho), por unos MSTRKRFT que pueden hacer un himno disco. El disco también tiene su lado “experimental”, sin topar con lo bizarro o exagerado, como en canciones como “Highway Slipper Jam” donde así comparte el “folk”, con el “tribal”, haciendo una mezcla por demás agradable al oído, o la exquisitamente instrumental “Meet Me in the Basement”. En conclusión y a mi parecer, el mejor trabajo de este proyecto que promete mucho y sorprende más con esta oda a los discos viejos de Rock N’ Roll.

Disculpen que ahora ande tardío en eso de subir discos, pero son muchos los motivos que dude les interesen tanto como escuchar YA este maravilloso disco.

Amiina - Kurr

Al escuchar a Amiina, lo primero que se viene a la cabeza es recordar a Sigur Rós, en primera, porque al igual que estos últimos, también son de Islandia y en segunda, porque éste cuarteto de chicas son nada más y nada menos, las encargadas de ayudar en estudio a esta misma banda en los arreglos de cuerdas, son quienes le dan ese ambiente unas veces soso, otras tantas minimalista, y muchas veces con ese ambiente gélido y tristón. Ellas empezaron como banda desde 2004 utilizando instrumentos poco convencionales como violines, viola y chelo, instrumentos que en su mayoría son de manufactura propia, por lo que el sonido de sus instrumentos se vuelven mas íntimos y personales, elemento importante en su música, aunque Kurr fue editado en el 2007, ellas ya contaban con experiencia en estudio tras grabar junto con Sigur Rós, los discos "( )" del 2002 y "Takk..." del 2005 y "Með suð í eyrum við Spilum Endalaust" del 2008. Su sonido es dulce, casi ambiguo, ambiental completamente y delicado, cada una de las doce canciones que forma Kurr, son un eslabón que embona perfectamente con el siguiente, haciendo un colorido ambiente, que bien pareciera el soundtrack perfecto para cualquier film que trate sobre un pasaje en la vida de los "niños perdidos" del cuento de Peter Pan. Los muy clavados las han clasificado como "Nu-Classic", otros incluso se han atrevido a encasillarlas dentro del "Post Rock", a mi humilde opinión, es simplemente música que bien vale la pena escuchar con audífonos a todo volumen en un bosque, y sentir cada una de las notas ejecutadas por este cuarteto que sin duda explota a la perfección su talento. Su emparentada relación con sus compatriotas Sigur Rós ha llegado a tal grado que son sus músicos de cabecera no solo en estudio, sino también en sus giras mundiales, incluso, como dato curioso, hace un par de años atrás, cuando Sigur Rós se presentó en estas tierras, ellas venían acompañando a la banda, yo las conocí gracias al hermoso DVD "Heima" que sin duda es un excelente trabajo, no solo musicalmente hablando, sino también cinematográficamente hablando, reflejando a la perfección y enalteciendo con orgullo su natal Reykjavík, en Islandia. Escuchen a Amiina y descubran la magia que esconde Sigur Rós entre notas.

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Antony & The Johnsons - The Crying Light

Antony Hegarty y su magnífica voz vuelve junto a The Johnsons para darnos un disco etéreo, con incertidumbre existencial, desilusiones, recuerdos infantiles mal logrados y un sin fin de problemas que arrastra el ser humano durante su existencia, todo bajo el registro de un dulce piano que armoniza la hermosa voz de Antony, quien se considera plenamente fan de Boy George y su extinta banda Culture Club, admiración que inclusive se puede observar en su misma imagen, sin embargo, musicalmente su voz recuerda más a los sobresalientes momentos de una Nina Simone cuando enamoraba con "He's got the Whole World In His Hands" o "I Loves You, Porgy". El disco hurga una dulce obscuridad en sus letras y música, que da un respiro al oído, que enamora y alivia con sus dulces notas, es sin duda un trabajo finamente trabajado, que aun cuando resulta en cierto modo "enfermizo", es todo un encanto escuchar a Antony desbordando emotividad. Para unos podrá resultar aburrido o muy lento, para mi es pulcro musicalmente y obscuro en cuanto a sus letras. El disco resplandece solo desde un principio con "Her Eyes are Underneath The Ground", canción que refleja memorias de su infancia, los recuerdos de su madre, es una canción bella con la que abre el disco. "Epilepsy Is Dancing" es un perfecto vals, esperanzador y sombrío. Con "One Dove" se cierra una trilogía de canciones con las que abre el disco, es un soul hermoso que suena a unas CocoRosie, con quienes trabajo en la canción Noah's Ark. De nuevo Antony retoma el recuerdo de su madre en "Kiss My Name", lo cual hace personal cada una de las canciones de este LP. La canción que da título al disco "The Crying Light", es absolutamente un homenaje a la música barroca, renacentista, es una bella melodía pop con tanta introspección y armonías, la letra es una especie de sentido de protección y conversación al Ego, es sin duda, el track mejor conseguido del disco. En "Another World" nos habla de manera elegante el hastío que existe y la pronta necesidad de hallar un lugar nuevo, un mundo nuevo el cual anidar, sin olvidar lo hermoso de este primitivo mundo en el que habitamos y infamemente hemos destruido. "Daylight And The Sun" es una canción que perfectamente pudo haber sido compuesta e interpretada por Nina Simone, vaya, es Nina Simone. Con "Aeon" percibimos una especie de canción folk, con toques de soul que me recuerda mucho los mejores años de Elton John en su Tumbleweed Connection, con canciones como "My Father's Gun", es sin duda, una joya. El disco cierra con "Everglade" un track que pareciera surgido de algún musical retorcido de la mente maestra de Tim Burton, que al final deja cierta esperanza en los corazones del individuo, en palabras más y/o palabras menos, este es un disco que vale la pena escuchar en tardes solitarias, con alguna copa de vino o simplemente viendo desde una ventana la lluvia caer.

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Dead Man's Bones - Dead Man's Bones

Aunque Ryan Gosling es más bien conocido como galán de películas y/o un buen actor joven, un buen día quiso unirse a su amigo Zach Shields (también actor, aunque menos conocido que el primero), para hacer una obra de teatro un tanto obscura, con la intención primordial de musicalizarla ellos mismos, por desgracia, los intentos fueron poco productivos, sin embargo, al final se quedaron con un buen catalogo de canciones las cuales decidieron utilizar para un proyecto independiente a su carrera como actores, el resultado fue Dead Man's Bones que no es más que el reflejo de sus retorcidos gustos infantiles, tanto musicales como cinematográficas, siendo estos tan dispares por bandas como The Misfits o Joy Division y con películas primordialmente de Zombies, Vampiros y Hombres Lobo. Su música es obscura e incluso barroca, utilizando instrumentos comunes como pianos, baterías, algunas guitarras acústicas, panderetas y el instrumento primordial que fue The Silverlake Conservatory of Music Children's Choir, así es, un coro infantil que le da ese aire tétrico y enfermizo al LP.

Como seguimos próximos a estas fechas de día de muertos, eh decidido entrar "musicalmente" en ambiente, por ello he decidido mostrarles algunos proyectos que tal vez no hablen del tema como tal, pero que si manejan una línea obscura que puede resultar interesante escuchar en estas fechas, por ello la idea de este disco, espero lo escuchen con demasiada mente abierta, tal vez no sea considerado por mí una joya, pero si es un ejercicio interesante que vale la pena escuchar y que al final del día sale bien librado de ese crossover de actores haciendo música. Para seguidores de The Arcade Fire, tal vez encuentren en este un disco más que interesante, aunque no esperen la energía de estos, sin menospreciarlos.