Martina Topkey Bird - The Blue God

Martina simplemente encanta y enamora, no entra en complicaciones y aunque su sonido es de lo más amable, su pasado no lo es tanto, tomando en cuenta que fue esposa de Tricky, ese virtuoso y trastornado tipo que alguna vez perteneció a Massive Attack, y aunque el vinculo musical de esté se nota en “The Blue God” del 2008, no debe ser tomada a Martina a la ligera, sino darle merito propio, porque este es un trabajo que a Tricky le hubiese salido más oscuro e incluso agresivo. El disco se siente ingles desde la delicia melódica de “Carnies”, hasta “Phoenix”, mantiene un firme reflejo del trip hop y espera paciente entre evolución y dulzura, aunque más “Lounge” que su primer trabajo, respeta la doctrina que Martina predica y que muy amablemente aprendió de su Ex. Si te clavas entre texturas, ambientes y melodías, con “The Blue God”, encontraras el lado amable de la vida.

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Yucatan – Yucatan

Cuando escucho a gente utilizando el término “nórdico” para referirse al Metal ese que suena como música de piratas y/o vikingos, en serio me defraudan, porque al escuchar el término “nórdico”, me imagino excesivo frio, música tristona y en exceso melódica, con relatos oscuros sobre la soledad, el existencialismo y esas miles de cosas que pensamos cuando no podemos salir de casa por el constante frio o lluvia en la calle, pues bien, el término “nórdico” ha tomado forma en esta banda de nombre particular, porque todas las cualidades o requisitos que me imaginaba al escuchar el termino de música “nórdica” tomaron forma con Yucatan, banda que no tiene nada que ver ni con el estado de la República Mexicana, ni mucho menos con la República Mexicana, ya que ellos son originarios de un pequeño lugar de Inglaterra llamado Cwm Llwm. En “Yucatan”, trabajo editado el año pasado, encontramos reflexión, tranquilidad y un sinfín de sentimientos encontrados que se mezclan para regalarnos doce canciones que exploran la ambigüedad y la experimentación personal, reflejando a la perfección el clima y el estado de ánimo de la gente originaria en su país, entre sonidos de piano clásico mezclados con baterías y tenues loops electrónicos, trompetas y violines hacen su parte en el viaje mientras una dulce y casi escondida voz crea un ambiente relajado. Creo que la mayor comparación directa que puedo encontrar con Yucatan en cuanto a música, experimentación y estado anímico es Sigur Rós, sin decir con esto que suenan a lo mismo, pero si utilizan los mismos recursos que estos últimos, para los momentos de reflexión y soledad en casa, este es el LP con el cual se disfruta mejor

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Ólafur Arnalds - Found Songs

Con apenas 24, Ólafur Arnalds ya es todo un multi-instrumentista con una extensa carrera en la música, que empezó como baterista de las bandas de Hardcore/Metal: “Fighting Shit” y “Celestine”, en su natal Islandía, lugar que nos ha brindado un buen numero de bandas y artistas que aunque distintos entre ellos, conservan esa nostalgia y melancolía influenciada en por la geografía de su tierra. “Found Songs” editado en 2009, es un trabajo modesto y conceptual que transporta a ambientes gélidos y nostálgicos, donde la electrónica es una herramienta ambigua y tenue que al final forma un todo con los arreglos de cuerdas compuestas por Arnalds, la música se acerca mucho al Neo-Clásico e indiscutiblemente a la música Clásica, con pianos que sirven de base para construir melodías con violines que emulan la carencia de voz. Este EP fue concebido en solo siete días, componiendo canción por día de la semana y presentándolas a diario en la página http://foundsongs.erasedtapes.com/ de dónde provino el título al álbum, de ahí también se deriva que a cada canción se le da un número de día. El disco es sencillo, los arreglos como dije antes, son modestos, pero provocan un sinfín de sentimientos que van desde la nostalgia, esperanza, tristeza y melancolía; es un trabajo que bien se disfruta mientras se pretende relajar, en una mañana lluviosa o simplemente mientras recordamos momentos pasados.

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Mou - RBMK1000

Mou es una especie de Timbaland pero en chido y a la "mexican style", es un tipo que está involucrado en miles de proyectos, ya sea como músico o productor, es prolífico y su mano se aprecia en las distintas bandas en las que él aporta. Yo lo conocí en "Ruidos en el Techo" hace ya unos años, antes de que se desintegraran, también forma parte de "Mamá Burguer", de "Bam Bam", "XYX" disco que pronto espero subir, y como productor ayudo a sus propias bandas antes mencionadas, apoyando también a "Mockinpott", "Ratas del Vaticano", "Los Llamarada", "Los Implantes", "Cancer Bullet", entre otras. Sus proyectos aunque distintos entre ellos, siguen esa línea de guitarras distorsionadas, saturadas de reverb y fuzz, con cierto sentimiento Punk, pero con corazón Pop, con mucha influencia de Kevin Shield o de My Bloody Valentine, de ese shoegaze en verdad sucio, que no utiliza elementos electrónicos, más que para crear capas que saturan más el ruido. En "RBMK1000" encontramos ambientes tiernos y dulces, con matices densos de guitarras saturadas de reverb y delay, mezcladas con distorsión, debo confesarme fan del trabajo de Mou, por lo que no sonaría muy objetivo al describir este trabajo, pero lo intentare diciendo que, aunque no es un trabajo para nada digerible a la primera escucha, es un disco que se le debe tener paciencia, que sonido tras sonido nos va llevando a un estado de ambivalencia total, donde el ruido se vuelve el personaje clave, que no es ni héroe, ni villano, que es simplemente un personaje que nos lleva a redescubrirnos, con momentos que se enternecen con una sencilla guitarra acústica y que explota en instante, para mostrarnos que el ruido también es música y que solo pocos son capaces a canalizar de tan elocuente manera el ruido. Cada canción esta divida en partes, por eso todas son un poco largas, pero como dije antes, son canciones difíciles que se les debe tener paciencia y descubrir la estructura de ellas. Tal vez sea el disco que menos gente descargue, porque el arte del disco tal vez no les diga nada, y la música no les suene a música, pero es un trabajo que en lo personal, lo tengo en un pequeño nicho, donde tengo a muy pocos artistas y/o músicos mexicanos, cuando escucho a gente que dice que The Mars Volta es "experimentación", y suben en un altar el trabajo de Omar Rodríguez, creo que Mou es años luz más capaz, sin los "juguetitos" (miles de pedales), que utiliza el primero.

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Volumina - This Is Our Home, Please Come In!

Es realmente un orgullo presentar este tipo de bandas, que tal vez sean pretenciosas y emanen parafernalia tanto en su imagen, como en su música, pero que al final del día son proyectos con calidad de exportación, que merecen ser, tal vez no adorados, pero si escuchados por nosotros sus "paisanos" mexicanos. Volumina empezó en 2006 en Guadalajara como un "solo-project" de Benjamín Zarate o "Benjamín Z", con el objeto de experimentar sonidos electrónicos con orgánicos, utilizando primordialmente teclados, sintetizadores, loops de computadora e instrumentos básicos como guitarra y bajo, grabando primordialmente él mismo la mayoría de instrumentos, pero dejándose ayudar también por músicos invitados, mismos que le dieron la oportunidad de conocer a "Apache", bajista que colaboró en "This Is Our Home, Please Come In!" y se quedo como miembro del proyecto, siendo ahora dúo. Pero bueno, hable demasiado de historia, vayamos a lo importante, Volumina en "This Is Our Home, Please Come In!" experimenta mucho el Pop, íntimamente con el Twee Pop, abriendo el LP con "My Best Friend", una dulce canción Folk casi escrita por un pequeño a su mejor amigo, donde le pide nunca se canse para hacer miles de cosas como montar bicicleta, jugar en el jardín, comer dulces hasta perder los dientes y dormir tarde viendo TV hasta que aparezcan los monstruos a succionar sus cerebros. "Twist" es la confusión perfecta, el caos encaminado, es un ejercicio de Indietronic que me recuerda mucho a The Notwist, para continuar con "Hide & Seek" otro dulce poema a la infancia, al Indietronic y a las "escondidillas", si, ese absurdo juego que casi todos jugamos (valga la redundancia), en nuestra niñez. Dos son las canciones instrumentales en el disco, que aunque sencillas, son dulces panoramas electrónicos que suben y bajan de intensidad entre loops y sintetizadores, la primera es "The Rock and Roll Space Band", para darle lugar a "Study For a Pop Band" una canción que bien pareciera hecha por unos The Beatles, si estos hubiesen tenido las herramientas de la Electrónica que se tienen a la fecha, creo que es de mis favoritas del LP. En "Love" nuevamente me viene a la mente los Alemanes de The Notwist, sin dejar atrás una fuerte influencia de los franceses de Air. "Old Family Photo Album" y "Turn On the Music" son las piezas que cierran este disco de ocho canciones que abordan con melancolía, recuerdos de infancia, momentos felices, el amor desde un inocente punto de vista, las cosas sencillas de la vida que por diminutas olvidamos, pero que están, todo esto con la ayuda de la electrónica, utilizada no como saturación de sonidos, sino como complemento de un todo que al final suena tenue y delicado. Sin duda es una banda que vale la pena voltear a ver, que para los afortunados que han tenido la oportunidad de ver a este dúo en directo, mi más grande envidia y esperemos que este 2010 me sorprendan con un nuevo trabajo. Anteriormente editaron un EP a principios del 2009 de nombre “Ciencia Ficción”, que aunque es bueno, no resulta tan consistente y profundo como éste EP.

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Amiina - Kurr

Al escuchar a Amiina, lo primero que se viene a la cabeza es recordar a Sigur Rós, en primera, porque al igual que estos últimos, también son de Islandia y en segunda, porque éste cuarteto de chicas son nada más y nada menos, las encargadas de ayudar en estudio a esta misma banda en los arreglos de cuerdas, son quienes le dan ese ambiente unas veces soso, otras tantas minimalista, y muchas veces con ese ambiente gélido y tristón. Ellas empezaron como banda desde 2004 utilizando instrumentos poco convencionales como violines, viola y chelo, instrumentos que en su mayoría son de manufactura propia, por lo que el sonido de sus instrumentos se vuelven mas íntimos y personales, elemento importante en su música, aunque Kurr fue editado en el 2007, ellas ya contaban con experiencia en estudio tras grabar junto con Sigur Rós, los discos "( )" del 2002 y "Takk..." del 2005 y "Með suð í eyrum við Spilum Endalaust" del 2008. Su sonido es dulce, casi ambiguo, ambiental completamente y delicado, cada una de las doce canciones que forma Kurr, son un eslabón que embona perfectamente con el siguiente, haciendo un colorido ambiente, que bien pareciera el soundtrack perfecto para cualquier film que trate sobre un pasaje en la vida de los "niños perdidos" del cuento de Peter Pan. Los muy clavados las han clasificado como "Nu-Classic", otros incluso se han atrevido a encasillarlas dentro del "Post Rock", a mi humilde opinión, es simplemente música que bien vale la pena escuchar con audífonos a todo volumen en un bosque, y sentir cada una de las notas ejecutadas por este cuarteto que sin duda explota a la perfección su talento. Su emparentada relación con sus compatriotas Sigur Rós ha llegado a tal grado que son sus músicos de cabecera no solo en estudio, sino también en sus giras mundiales, incluso, como dato curioso, hace un par de años atrás, cuando Sigur Rós se presentó en estas tierras, ellas venían acompañando a la banda, yo las conocí gracias al hermoso DVD "Heima" que sin duda es un excelente trabajo, no solo musicalmente hablando, sino también cinematográficamente hablando, reflejando a la perfección y enalteciendo con orgullo su natal Reykjavík, en Islandia. Escuchen a Amiina y descubran la magia que esconde Sigur Rós entre notas.

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Hyakkei - Okurimono

Un sorprendente trió de japoneses, que canción tras canción explican en Okurimono (editado en este año), que la música es lo único y enteramente importante para ellos, son virtuosos en cada uno de los instrumentos que ejecutan y aunque su sonido es muy similar a bandas de su país, sin la experimentación de instrumentos raros, estos exploran armonías, sonidos dulces y ambivalentes, dulces recuerdos y un sinfín de melodías en canciones que no sobrepasan de cinco minutos, creando ambientes de relajación y desesperación bien encaminada, en doce canciones que reflejan el hambre por la melodía, por crear momentos y regalarlos. Su sonido va desde pequeños destellos de Math Rock, Post Rock e incluso un poco de Jazz improvisado, acoplándose perfectamente y dejando presumir todos y cada uno de los instrumentos (guitarra/batería/bajo) que se utilizan, sin duda es un disco que resulta agradable al oído incluso de alguien que no esté familiarizado con el género.

Por cierto, a todos una FELIZ NOCHEBUENA, FELIZ NAVIDAD y que siga la música.

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Bibio - Ovals And Emeralds EP

Stephen Wilkinson ha venido desde hace un tiempo ya, bajo el pseudónimo de Bibio, a ambientalizar los momentos de mucha gente, en Ovals and Emeralds EP uno puede sumergirse en un viaje al infinito de la mente, a lo profundo de los sentimientos humanos y a un universo en donde el sonido es la herramienta primordial para subsistir. Aunque Wilkinson ya viene haciendo varias cosas desde el 2004, es en estos últimos trabajos donde se le escucha mas orgánico, no tan lo-fi, aunque aun utiliza esos característicos arpegios de guitarras en baja fidelidad que solo a él le resultan, sonidos que resultan ambientales, mágicos en momentos, obscuros en otros, pero que evocan siempre un sentimiento, una sensación en el cuerpo. Es un EP completamente experimental, con canciones instrumentales que suenan como música de carrusel o una cajita musical vieja. Para los amantes de sonidos etéreos al estilo Kevin Shield o Pingarosa (disco que pueden encontrar en este mismo blog), este sin duda es un disco que deben escuchar, vanguardista a más no poder.

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Jon Brion - Synecdoche, New York OST

Nuevamente Charlie Kaufman hace de las suyas en compañía de Jon Brion, esta vez, para un film existencialista, oscuro y tremendamente depresivo, según palabras del mismo Kaufman. Quienes han tenido la oportunidad ver las películas que Kaufman ha escrito (Being John Malkovich, Adaptation y Eternal Sunshine of the Spotless Mind), sabrán bajo que terrenos este personaje aborda al ser humano, con sus miedos, frustraciones, estancamientos profesionales, ambivalencias, alegrías y depresiones, entendiendo al "individuo" como un psicoanalista a su paciente. El maestro Brion deja nuevamente su inigualable marca musical, haciendo una música en ocasiones tétrica, en otras esperanzadora y en otras más, creando un caos sonoro, el mismo utilizado en la música de películas como Punch-Drunk Love y Eternal Sunshine Of The Spotless Mind, no queriendo decir con ello, que la música sea un plagio de sus trabajos anteriores, no, es más, en esta ocasión, Brion experimenta con sonidos electrónicos, con ProTools que anteriormente no había intentado y que le resultan interesantes. La música es mucho más orgánica, algunas melodías tan sencillas que ocupa simplemente o un piano acústico y una guitarra eléctrica completamente limpia, o bien una orquesta con sonidos tan sublimes y ambientales que complementan a la perfección las escenas del film; pero no todo en este Soundtrack es música instrumental, existe un track con la dulce voz de Deanne Storey, una reconocida cantante de Jazz que junto con Brion interpreta "Little Person", con una hermosa voz que se siente uno, como si estuviese en un bar escuchando a estos dos personajes, uno al piano y la otra a su lado cantando, esta canción es sumamente especial para algunas, ya que no solo Kaufman se arriesgo para dirigir esta, su primera película, sino que "Little Person", es también, su primera co-composición junto a Brion lo cual para los fans de estos dos, es un manjar que se disfruta y mucho.

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Karen O & The Kids - Where The Wild Things Are OST

Karen O no olvida sus raíces, menos su sonido punk el cual le sale por los poros aun cuando toma una guitarra acústica o un piano para hacer melodías un tanto más introspectivas y melancólicas, en esta ocasión deja un poco el huracán explosivo que es en Yeah Yeah Yeahs, para darnos un trabajo para una película de lo más esperada (al menos por mi), en primera, porque es un proyecto del cual se viene hablando desde hace ya un par de años, y que no se ha concretado en su totalidad por problemas entre el director de está (Spike Jonze) y su casa productora (Warner Bros.), ya que argumentaban que la edición mostrada en un principio resultaba demasiado "fuerte" para venderse como una película para niños, por ello, obligaron a Jonze a regrabar escenas de la película, hecho que no agrado al joven director por lo que unió fuerza con el escritor e ilustrador del cuento original, Maurice Sendak para hacer visualmente lo que este ultimo quería mostrar en este mágico cuento, pero me eh desviado del tema principal, el cual es la música de esta película. La música de Karen O resulta un viaje extrañamente mágico y con cierta nostalgia folk, con canciones acústicas que resultan esperanzadoras y con ese ánimo entre positivo y melancólico, con canciones como "Hidaway", o el magistral cover del clásico de Daniel Johnston "Worried Shoes", también el sencillo con el cual están dando difusión al disco, la divertida "All is Love", que es lo más próximo a los Yeahs. En ocasiones, algunos tracks me recuerda al trabajo que Kymia Dawson hizo en el soundtrack de Juno, aunque a mi parecer, le salió mejor a Karen O en canciones como: "Igloo", "Cliffs" y "Food is Still Hot", aunque la irreverencia de esta no se pierde en canciones divertidas como: "Capsize", "Rumpus", "Animal" y "Heads Up". Aunque es considerado un trabajo en solitario, es un trabajo en conjunto, con colaboraciones diversas de músicos como Brian Chase y Nick Zinner de su banda, Bradford Cox, el escuálido líder de Deerhunter, Dean Fertita de The Dead Weather y Jack Lawrence de The Raconteurs, tal vez esto, es lo que hace que este soundtrack este lleno de momentos de alegría, sensatez, madurez, melancolía y esperanza al por mayor, quien también aporta con un track instrumental y bello como él acostumbra, es Carter Burwell, músico de cabecera de Jonze, quien con "Lost Fur" nos regala un breve espacio de melancolía. En general, es un soundtrack que cumple expectativas, al menos las mías, que abarca varios sentimientos y que deja con un agradable sabor de boca al final del día.

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Ratatat - Discography

Mike Stroud y Evan Mast un buen día decidieron juntarse para hacer musica propia, despues de varios remixes hechos a bandas y artistas importantes como Bjork, Interpol, Franz Ferdinand, Clinic o The Killers. Asi, Ratatat vio la luz en el 2001 con meramente guitarras, bajo y un sintetizador que servia de base ritmica en el sonido de este duo neoyorquino con influencia directa de Daft Punk, y aunque en un principio, eran considerados como copia de esta ultima banda, han demostrado una evolución desde sus primeros remixes y LP, hasta su ultimo LP3.

Su musica abarca sonidos como la electronica, el house e incluso los muy clavados en las texturas, los han considerado una banda con tintes de post-rock, termino que a veces entiendo, aunque no podria considerarlos tan de lleno como tal, ya que sus influencias estan mas encaminadas a la electronica, e incluso sus discos remixes van más por el hip hop electronico. En si, ellos son una banda organica que a pesar de utilizar sintetizadores y computadoras, no dejan atras los sonidos comunes, con instrumentos como guitarras electricas, bajos e incluso en su ultimo LP3, se arriesgaron mas utilizando guitarras acusticas y percusiones, acercandose más al sonido post-rock electronico que en algunos lugares vienen definiendo su musica, lo cierto es, que su musica es agil, divertida y que efectivamente ha venido mostrando una evolución sonora.

Extrañamente me pasa algo bien curioso con esta banda, de sus tres LP's soy fan de sus ultimas canciones, es decir, del disco Ratatat del 2004, soy fan de "Cherry", el track once del disco, que es una especie de canción house, con tintes downtempo bien ricos. Del disco Classics del 2006, soy gran fan de "Tacobel Canon", una especie de oda a la pieza clasica [ojo del porque del titulo del disco], que hiciera famoso Pachelbel y por ultimo, del LP3, el track trece, "Black Heroes" es una hermosa canción de batalla epica que cierra a la perfección el disco.

Download Ratatat

Download Classics

Download Remixes Mixtape Vol. 1

Download 9 Beats

Download Remixes Mixtape Vol. 2

Download LP3

SOUNDTRACKS AND SOME STUFFS...

Algunos de los soundtracks de películas que me han dejado algo en mi vida, espero, si aun no ven las películas, empiecen escuchando los soundtracks.

Empezamos con un soundtrack amable al oído y diverso musicalmente hablando, refiriendome al de Little Miss Sunshine, esa divertida y entrañable comedia dirigida por los esposos Jonathan Dayton y Valerie Farris, quienes como muchos de los directores contemporaneos, iniciaron siendo reconocidos por trabajar con artistas y bandas alternativas en sus videos musicales, mencionando a algunas de esas bandas a: the smashing pumpkins, travis, red hot chilli peppers, entre otros. La música de la película estuvo a cargo de Mychael Danna y DeVotchKa [banda multicultural en sonido], quienes utilizaron sus caracteristicos instrumentos como acordeón, guitarras acusticas, entre otros, es también en este soundtrack donde puedes encontrar un par de canciones del maravilloso Sufjan Stevens que embonan perfectamente en la pelicula, e incluso la "Superfreak" de Rick James.

The Squid & The Whale es una película que maneja un proceso de divorcio de una manera demasiado extraña, con personajes tan complejos y bizarros convirtiendo las situaciones comunes en retorcidos pasajes del ser humano, el soundtrack es completamente bajo la línea del "folk" americano, con una selección de canciones bellas, apareciendo una versión muy buena del clásico de Pink Floyd "Hey You". La película fue producida por Wes Anderson y se nota en la manufactura de la película, así también en el soundtrack de la misma.

Fueron The Polyphonic Spree, quienes aportaron musicalmente en el soundtrack de Thumbsucker, una película de corte independiente que refleja en tono de comedia de humor negro o sarcástica, la adolescencia en Estados Unidos, los problemas que lleva ser adolescente y no morir en el intento, aunque gran parte del soundtrack se trata de "scores", aparecen tambien un par de covers que hiciera el genio Elliott Smith antes de morir, de hecho, una de mis favoritas de éste es Thirteen.

En 2003, una Sofia Coppola novata, reclutaba a la mente maestra detrás de My Bloody Valentine [Kevin Shield] y Brian Reitzell, para el Soundtrack de su segundo largometraje, el cual fue bien recibido por los criticos, ganando incluso varios premios de la Academia en ese mismo año. La musica era ambigua, reflejando cada uno de los sentimientos de los personajes, desde la soledad de estar en un enorme cuarto de hotel, hasta el insomnio que esto genera. Este Soundtrack igual que el anterior (Thumbsucker), maneja tanto "scores" y canciones de bandas como Phoenix [banda francesa cuyo líder es el actual esposo y padre de la hija de la directora Sofia], The Jesus & Mary Chain y los antes mencionados My Bloody Valentine.

En el 2004, Alexander Payne hizo de Sideways, una de las películas más hermosas del año (junto con Gondry y Eternal Sunshine), manejando con suma inteligencia la delgada linea que existe entre el humor y la tristeza, con actuaciones sublimes de un gran Paul Giamatti que en cada pelicula demuestra que es EL ACTOR y un soundtrack a cargo de Rolfe Kent, musico ingles que manejo de manera ambiental el soundtrack, el cual oscila bajo las influencias de jazz, swing y ciertos matices de otro grande de los "scores", refiriéndome a Carter Burwell. El soundtrack es ágil, divertido, perfecto para oficina y te hace recordar los mejores momentos de la película. Si aun no han podido ver esta película, acompáñenla un buen fin de semana con una excelente botella de vino.

En 1988, un director completamente novato [Giuseppe Tornatore], creo una historia épica, de dimensiones abismales y sentimiento puro y sencillo; nos invito y llevo de la mano a conocer parte de su vida y nos reservo un boleto de entrada para este, su "Cinema Paradiso", nos demostró que el amor duele y nunca muere, nos enseñó el valor de la amistad, sin distinción de edades o sexos y lo más importante en este momento, nos dio una música que solamente ángeles pudieron haber escrito, el genio detrás de estos ángeles, era Ennio Morricone, quien ya con mucha experiencia años atras, demostró ser el indicado para musicalizar esta pelicula, incluso, fue a partir de aquí, que estos dos (musico-director) han venido a hacer una excelente en películas posteriores, por mucho, una de mis películas favoritas y que siempre refleja sentimientos en mi.

Un caleidoscopio fílmico, fue "Paris, Je T'aime" del 2006, con cortometrajes que reflejaban esta ciudad, y con un ecléctico numero de directores que hicieron una labor excelente, mostrando no solo lo hermoso que puede ser esta ciudad, sino también, la conducta del ser humano ante situaciones algunas veces irónicas, cómicas, depresivas, dramáticas y románticas, el soundtrack maneja la temática de canciones de artistas como Feist o The Casinos y "scores" que rememoran los cortos de manera elegante.

Michel Gondry es de mis directores contemporáneos favoritos por su imaginación y técnicas de filmación y aunque no ha podido repetir lo que hizo en 2004, con Eternal Sunshine of the Spotless Mind, en cada película sorprende con sus técnicas que podría decirles "artesanales". La música estuvo a cargo del maestro Jon Brion, quien ya había trabajado antes en música para películas y que a mi parecer, tampoco ha podido repetir el sentimiento que reflejo en este soundtrack, aunque si se maneja en la mayoria de los tracks, muchos "scores" hechos por Brion, también emplea canciones tanto de The Polyphonic Spree, Beck [quien se dejo producir solo para esta canción por Brion] y The Electric Light Orchestra con el clásico "Mr. Blue Sky". A mí parecer, este soundtrack refleja muchas cosas que incluso sin imagenes se sienten y la película, a mi humilde opinión es, un nuevo clásico que será recordado igual que "Casablanca" o "Lo que el viento se llevo".

Como muchas otras películas, Everything Is Illuminated primero empezó como un libro escrito por Jonathan Safran Foer, personaje principal en la historia, que narra lo que le dejo la segunda guerra mundial a él y a su familia, después, se compraron los derechos del libro para llevarse a la pantalla grande y resulto ser una joyita de la cinematografía moderna, contándonos una historia tal vez trillada, que es los efectos dejados por la segunda guerra mundial, pero que no es tan grafica, como muchas otras películas relacionadas con el tema, mostrándonos más a personajes amables y humanos e incluso irreverentes, la música es completamente balcánica, perteneciente de Europa Occidental, si eres fan de música al estilo de Beirut o Gogol Bordello [quienes tienen un pequeño cameo en la película, siendo tambien su vocalista uno de los personajes principales de ésta y en el soundtrack], este soundtrack lo encontraras divertido.

Algunos deben recordar a Clint Mansell, por ser el músico de cabecera de Darren Aronofsky, director de películas como "Requiem for a Dream" y "Pi", sin embargo, fue en el 2006, cuando la dupla rindió frutos de manera extraordinaria en la película "The Fountain", pelicula que cuenta la historia de una pareja de amantes eternos, que se vienen conociendo desde la época de la conquista española, la vida actual y en un futuro proximo. La música, a mi gusto, refleja mucho más sentimientos que la que hizo para la segunda película de Aronofsky [Requiem], esta es mas visceral y emblemática, es tanto la película, como el soundtrack, herramientas que deben ser vistas y escuchadas con atención.

Espero les haya gustado los soundtracks y si aun no checan las peliculas, son joyitas que brillan por luz propia.

Aca los links para descargar cada uno de los soundtracks

little miss sunshine
the squid & the whale
thumbsucker
lost in translation
sideways
cinema paradiso
paris, je t'aime
eternal sunshine of the spotless mind
everything is illuminated
the fountain

Do Make Say Think - The Other Truths

Después de él magnifico "You, you're a History In Rust", estos, mis canadienses consentidos regresan con un EP de cuatro canciones, cada una con una de las palabras del nombre de la banda. "Do" es la perfecta muestra de cómo se va construyendo una canción, incluso me atrevería a decir que es por esa simple canción que vale la pena bajar este disco, inicia con el arpegio de una guitarra que es seguida por los rasgueos de una segunda guitarra al mero estilo low-fi, apareciendo una batería a destiempo que va marcando las notas de manera entrecortada, visceralmente una deconstrucción musical, para después escuchar la base rítmica de un bajo que suena potente, sin parecer pretencioso, ésta canción con la cual se da apertura al disco, es sin duda una hermosura que vale la pena percibir con todos los sentidos atentos y aunque al final de la canción, a mi parecer se debrayaron un poco, queda justificado todo después de volver a escucharla.

"Make" es el lado más "jazz" de la banda, con esa batería que va marcando al teclado, es sin duda una muestra del buen post-rock que esta banda hace y que no suena aburrido, sino todo lo contrario. Con "Say" recuerda por momentos a unos Explosions In The Sky, aunque a mi parecer, estos han dejado por encima ya, a muchas bandas de post-rock, porque realmente experimentan con sonidos, melodías y sentimientos.

"Think" es excelente para despedir el disco, es una canción folk extremadamente melancólica que llora sola, solloza con sentimiento abierto y es amable al oido.

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Various - Folk Off - New Folk And Psychedelia From The British Isles And North America

Folk Off es un disco recopilatorio, que se divide en dos discos, en el primero, se escuchan bandas y cantantes ingleses, como Tunng quienes aportan con su cover de "Pioneers" de Bloc Party o los exquisitos North Sea Radio Orchestra, quienes de manera magistral dan una pieza de lo que es una excelente canción folk completamente instrumental, una obra de arte que solo por esa canción, merece ser escuchado este disco.

En el lado americano, encontramos bandas y artistas como Micah P Hinson, Dr. Dog, Au Revoir Simone, Sufjan Stevens, Animal Collective, entre otros, este segundo disco es un poco menos ortodoxo que el primero, se arriesga más, mostrando un sonido folk, pero con arreglos experimentales, dejandose escuchar elementos o herramientas no basicas del folk, lo cual le da otro aire.

Los discos son buenos, tienen muy buenas canciones dignas de cualquier soundtrack de serie americana tipo The OC o Gray's Anatomy, y tambien se encuentran joyitas que te muestran a artistas que vale la pena seguir escuchando.

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The Cinematic Orchestra - Les Ailes Pourpres [Le Mystére Des Flamants]

¿Un soundtrack hecho por The Cinematic Orchestra para un documental de Disney? Pareciera algo bizarro, pero no, es real y es hermoso, cada nota, cada melodía, cada pincelada que dan al ambiente. Disney contacto a esta banda con la intención de que elaboraran la música para el documental francés "Les Ailes Pourpres" [Las Alas Púrpuras], sobre el ciclo de vida de unos flamencos filmados en Tanzania, bajo la misma temática que vimos en "March of the Penguins".

La música suena a The Cinematic Orchestra, pero también suena a música de película, aunque ellos suelen hacer música bajo esa idea, está crea un ambiente, tienen melodías que se van elevando hasta llegar a un clímax detonante; de repente me recuerdan a unos Sigúr Ros instrumentales, me suena a música de frio, invernal, con mucho de The Cinematic, con ese sonido jazz que se puede escuchar en "The Dance", con esos soniditos de cajas musicales que nos regalaron en "Ma Fleur", en canciones como "Opening Title", "Arrival of the Birds" o "Soda". El documental aun no lo eh visto, sin embargo, no necesitas tener imágenes para transportarte con los sonidos que nos da la banda, canciones tan hermosas como "Exodus", "Transformation", "Life of the Birds" o "First Light" que van elevándose y elevándose, dejándonos entrar a un mundo de esperanza real, que no suena a ningún otro soundtrack hecho para cualquier otra película de Disney, y digo ESPERANZA REAL porque no es la clásica "esperanza" que nos vende Disney en sus películas moralistas.

Cada canción expresa un sentimiento, te pone chinita la piel, te mueve alguna fibra de adentro y de deja cierta nostalgia. El disco es hermoso desde que inicia y es paciente, me gustaría ver el trabajo final, es decir, el documental con su música. El disco cierra con la única canción con voz ("Crimson Skies"), a cargo de la cantautora Inglesa Lou Rhodes, quien anteriormente había participado con The Cinematic.

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Pingarosa - Nuncamás

Desde Sonora, nos llega este hermoso disco, con mucha ambivalencia, extrañeza, vacios existenciales y muy buena producción. Es una música completamente ambiental, una especie de trip hop de lo más triste, con mucha influencia de Massive Attack, The Cinematic Orchestra, indudablemente Portishead, pero con una voz cien por ciento seductora, con algunos delays que hacen hipnotizante los fragmentos de letras que forman sus canciones.

Es un disco extraño, si, pero también demasiado avanzado, incluso sonaré mamón, pero es un disco que no parece hecho en México, pero me enorgullece saber que si lo es. No esperen cambios de ritmo repentinos, ni experimentaciones locas, es un disco completamente ambiental que arriesga con sonidos electrónicos y orgánicos, con una voz que embona perfecto con la ambientalización sonora.

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Alcoholic Faith Mission - 421 Wythe Avenue

Son tiernos, melódicos a más no poder, ambientales, melancólicos y son de Copenhagen (Dinamarca), si tuviese que explicar como es su sonido, creo que sería dentro de ese universo Pop con tintes de electrónica y alma folk, son cinco (entre ellos una bella chica en las vocales) y aunque es un disco amable, no quiere decir que pueda ser escuchado en cualquier momento, es, más bien de esas bandas que escuchas cuando quieres pensar, en esas mañanas lluviosas o simplemente cuando estas entre la melancolía y el esplendor de algo. Este álbum, con titulo "421 Wythe Avenue" más que apreciar las letras, las cuales tienen su grado de complejidad, son como lo que me pasa con Sigur Rós, me mueve más las melodías y el modo en que pueden utilizar la voz como un instrumento más para expresar sentimientos (aparte de que a Sigur Rós no le entiendo ni merga =P).

Este no es un disco que se pueda escuchar en un día soleado, es a mi gusto, un disco de invierno que debe escucharse con ánimos de encontrar un sentimiento, después de dejarse llevar por la melancolía de cada nota, sea cual sea ese sentimiento. El disco está muy bien cuidado en el aspecto de la producción, suenan los instrumentos como deben sonar, los samples donde deben sonar, las voces se acompañan a la perfección (voz mujer y hombre), es un disco ambiental que no llega a lo depresivo, como dije antes, es un disco tierno que ojala sea escuchado por muchos.

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