The Icarus Line - Penance Soiree

Con ese decadente sonido que los caracteriza, The Icarus Line en el 2004 nos regalaron una joya punk/noise/post-hardcore, con la única idea de destruir consciencias, esperanza y certidumbre, creando canciones aunque un tanto más “domesticadas” que en su primer “Mono”, sin decir con esto, que son agradables para cualquiera, si son más estructuradas y acercándose al sonido básico del Rock, con riffs acertados, versos sencillos, un par de gritos disonantes y lo que a muchos les falta, ACTITUD y desfachatez de la que muestran solo los muy cabrones. “Penance Soiree” es un trabajo que recolecta lo que At The Drive-In dejo inconcluso tras si desintegración, es un trabajo sencillo, que no experimenta en sonidos, capturando en estudio la esencia de la banda en directo, la interpretación de Joe Cardamone, quien nació para ser RockStar, con las virtudes y excesos que acarreé eso, desgarrando su voz y alma entre canciones. A diferencia de “Mono”, trabajo editado en el 2001 y que puede encontrar aquí, “Penance Soiree” es un trabajo que refleja las nuevas influencias de la banda, volviendo como dije anteriormente, a un sonido más rudimentario y básico del Hard-Rock, con influencias de bandas de la década setentera reflejada en las guitarras, armonías y voces, si en “Mono” la falta de fe y la autodestrucción eran los tópicos a seguir, en este los tópicos siguen intactos, sus creencias siguen en pie y la doctrina se sigue predicando, aunque esta vez con música un poco más “centrada”. El disco es explosivo y no existen momentos reflexivos, es un disco hecho por impulso, es como una pelea callejera entre perros rabiosos que están dispuestos a terminar hasta que uno caiga muerto, no esperen sonidos dulces, ni matizados, son canciones crudas y extremadamente recias, con muy poco trabajo de post-producción y un fuerte impulso destructivo. Me considero de los pocos fans de esta banda que sin mucho apoyo mediático, han logrado un sequito de seguidores fieles que aunque en su tercer trabajo cambiaron un poco mas su sonido, es de esas bandas que se les agradece cada disco, porque son fotos instantáneas de las etapas en las vidas de los integrantes. Para los amantes de la distorsión, los gritos y la excesiva actitud “rompe-huevos”, este es uno de los trabajos que merecen ser escuchados en esos días de encabronamiento extremo (claro que si, como no, con mucho gusto). Como dato curioso, el guitarrista Aaron North fundador junto con Cardamone, dejo la banda justo después de grabar este disco para unirse con Trent Reznor en el NIN del “With Teeth” del 2005.

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The Happy Hollows - Spells

Hace un par de años me toco descubrir a este power-trio de California gracias a “The Daily Habit” en Fuel TV, quedando completamente boquiabierto al verlos en vivo, quede cautivado con la presencia de Sarah Negahdari quien con tal vez no una notable maestría en la guitarra, si demuestra de que están hechas las mujeres a la hora de querer rockear en serio, en esa ocasión los escuche con sus primeros temas, recuerdo que fue “Meteors”, incluso quede tan cautivado que de inmediato tuve ganas de hacer una banda con ese estilo. La esencia de The Happy Hollows es completamente punk, con esa desfachatez y soberbia, pero simpatía a fin de cuentas, que muy pocos logran tener, mucho de esto lo logran por la misma Sarah, ya que por el otro lado encontramos a un Charlie Mahoney en el bajo y voz con ese aire introvertido, pero eficaz al momento de ejecutar su instrumento, y la batería justa y equilibrada, en la mano de Chris Hernández, quien preciso en su trabajo, no fanfarronea, ni exagera en sus arreglos, pero vayamos a “Spells”, trabajo editado en 2009, que le siguió al EP “Imaginary” que similar a lo que hizo Radiohead con su “In Rainwos”, prácticamente regalaban a fans y extraños que quisieran descargar dicho EP, pagando lo que creían valía el trabajo. Volvamos a “Spells”, para los que han seguido el trabajo de este trío, podrán percatar la evolución que han tenido, creando ahora canciones complejas y con mayor forma, continuando con la fuerte influencia al “Punk-grunge” que dejo Nirvana, pero ahora experimentan con destiempo y cambios de ritmo, como en “Lieutenant”, que cual marcha militar da inicio, para enseñarnos la construcción minuciosa de melodía y armonía, para radicalmente hacer un cambio de ritmo, haciendo parecer que estamos ante dos canciones distintas, con cierta influencia al “progresivo”, creando un extraño hibrido de “noise/punk/pop/grunge/progresivo”, que debo admitir que también maneja ciertos riffs metaleros, pero que mejor no los manejo como “metal”, para no herir sensibilidad de los amantes del género. Tiene mucho que decía esto de una banda, pero creo que en “Spells” aplica, es un disco redondito, que tal vez tiene una diversidad de mezcolanzas en cuanto a genero, pero que sigue y respeta una sola línea, es uno de los muchos trabajos que pasaron sin pena ni gloria en este 2009, pero que hoy aquí le rindo tributo y espero, se esparza, porque realmente creo que The Happy Hollows son los herederos fieles de indie noventero, e incluso los podría emparentar con el sonido y esencia que en su momento Nirvana lego, con canciones sencillas, estribillos contagiosos y juego de armonías.

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Turbo Fruits - Echo Kid y Jemina Pearl - Breack It Up

Tras la desintegración de "Be Your Own Pet" en el 2008, Jonas Stein se vio en la necesidad de continuar dando guitarrazos, gritos y saltos en la vida, por lo que decidió fundar Turbo Fruits, un trió donde al igual que su anterior banda, exploran el "garage", el "punk" y ciertos destapes de "noise" sin exageraciones ni excentricidades. La formula aunque similar a los trabajos hechos con "Be Your Own Pet", resulta un trabajo más domado y menos ruidoso, con canciones de mayor estructura, trabajadas a conciencia y de mayor influencia al Rock N' Roll de antaño, no queriendo decir con ello, que "Echo Kid" sea un disco para nostálgicos o "revivals", es un LP con influencia fuerte, pero que no "suena a...”. En conclusión, en "Echo Kid" el tiempo se va deprisa, no disimula en voltear atrás y cada una de las canciones, aunque bajo la misma línea, suenan distintas y fáciles de escuchar e identificar.

Pero Stein no fue el único que continuo carrera posterior a "Be Your Own Pet", Jemina Pearl también edito al igual que Turbo Fruits, un LP en el 2009 de nombre "Break It Up", donde tropezamos también con la influencia del sonido punk que caracterizó a estos músico en un principio, aunque al igual que lo ocurrido con Stein, Pearl domestico y pulió (a mi parecer, en exceso), su sonido, creando un disco, que aunque bueno, se acerca más a un Punk-Pop (sin menospreciar el trabajo), que termino siendo todo un coctel de colaboraciones de gente importante como Iggy Pop, David Sitek y el mismísimo Thurston Moore, quien no solo colaboro en una canción, sino que también fue quien la firmo en su disquera independiente de nombre "Ecstatic Peace! Universal Motown".

Un par de LP's que se deben tener para darle intensidad al fin de semana, donde tal vez no termines rompiendo cosas y gritando de furia, pero sí son el pretexto perfecto para juntarte con amigos y chocar los tarros de cerveza espumosa. !!SALUD!!

Turbo Fruits - Echo Kid

Jemina Pearl - Breack It Up

Mou - RBMK1000

Mou es una especie de Timbaland pero en chido y a la "mexican style", es un tipo que está involucrado en miles de proyectos, ya sea como músico o productor, es prolífico y su mano se aprecia en las distintas bandas en las que él aporta. Yo lo conocí en "Ruidos en el Techo" hace ya unos años, antes de que se desintegraran, también forma parte de "Mamá Burguer", de "Bam Bam", "XYX" disco que pronto espero subir, y como productor ayudo a sus propias bandas antes mencionadas, apoyando también a "Mockinpott", "Ratas del Vaticano", "Los Llamarada", "Los Implantes", "Cancer Bullet", entre otras. Sus proyectos aunque distintos entre ellos, siguen esa línea de guitarras distorsionadas, saturadas de reverb y fuzz, con cierto sentimiento Punk, pero con corazón Pop, con mucha influencia de Kevin Shield o de My Bloody Valentine, de ese shoegaze en verdad sucio, que no utiliza elementos electrónicos, más que para crear capas que saturan más el ruido. En "RBMK1000" encontramos ambientes tiernos y dulces, con matices densos de guitarras saturadas de reverb y delay, mezcladas con distorsión, debo confesarme fan del trabajo de Mou, por lo que no sonaría muy objetivo al describir este trabajo, pero lo intentare diciendo que, aunque no es un trabajo para nada digerible a la primera escucha, es un disco que se le debe tener paciencia, que sonido tras sonido nos va llevando a un estado de ambivalencia total, donde el ruido se vuelve el personaje clave, que no es ni héroe, ni villano, que es simplemente un personaje que nos lleva a redescubrirnos, con momentos que se enternecen con una sencilla guitarra acústica y que explota en instante, para mostrarnos que el ruido también es música y que solo pocos son capaces a canalizar de tan elocuente manera el ruido. Cada canción esta divida en partes, por eso todas son un poco largas, pero como dije antes, son canciones difíciles que se les debe tener paciencia y descubrir la estructura de ellas. Tal vez sea el disco que menos gente descargue, porque el arte del disco tal vez no les diga nada, y la música no les suene a música, pero es un trabajo que en lo personal, lo tengo en un pequeño nicho, donde tengo a muy pocos artistas y/o músicos mexicanos, cuando escucho a gente que dice que The Mars Volta es "experimentación", y suben en un altar el trabajo de Omar Rodríguez, creo que Mou es años luz más capaz, sin los "juguetitos" (miles de pedales), que utiliza el primero.

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The Light Sleepers - We Are Gathering Dust

Tal vez este no sea el mejor disco para terminar el año, tal vez para muchos, este disco no aporte nada nuevo e incluso tal vez resulte monótono, lo que funciona es la simplicidad con que The Light Sleepers hace e interpreta su música, la cual es sumamente sencilla, una batería, un bajo, una guitarra con algo de delay, overdrive, tal vez algo de fuzz, sumándole distorsión y saturación a más no poder, respetando sus raíces poperas, son una especie de hijos pequeños de unos Sonic Youth enfermos de resfriado, que no pretenden mucho, suben y bajan escalas en cada nota, creando "in crescendos" que algunas veces les resulta, y otras tantas no, pero que al final dejan una sutil saturación en el ambiente, como si nos estuviesen hablando del fin del mundo, mientras de fondo se escuchan pequeñas explosiones que ameniza la plática. We are Gathering Dust es un LP editado en el 2008, con nueve canciones que vienen y van, fluyendo solas, jugueteando entre notas en una manera perezosa, como si cada canción se hubiese hecho en estado somnoliente.

Un abrazo para todos aquellos que directa o indirectamente llegan a este blog, les deseo lo mejor, pero primordialmente salud para ustedes y cada uno de sus familiares y amigos, por mi parte, deteste este 2009, solo me dejo mierda tras mierda, pero bueno, este nuevo milenio estoy seguro traerá cosas buenas, al menos a mi me traerá un pequeño(a), el cual espero YA con ansias. Nos leemos ya en el 2010, espero siendo mejores personas y escuchando mucha, mucha música.

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Mutators - Kill Me

Un trió esquizoide y enfermizo que vio la luz en la tierra que está haciendo de todo, donde así como abundan bandas de indie-pop, también las hay de garage, experimental, chamber-pop o synthpop y un sinfín de sonidos. Pero eso a Mutators le venía valiendo un revendo comino, porque ellos se dedicaron a destrozar lugar al cual se presentaban, fuese el bar más "trendy" o la sala de algún desquiciado amigo, su música es exquisita y brevísima, con las más grandes influencias del punk más sucio y el garage mas oscuro, que emputa a cualquier "estirado" que se las dé de experto musical y que sin tanta promoción a cuestas (más bien, con nula promoción), ellos de boca en boca hicieron que las cosas pasaran. Lamentablemente dejaron de existir como banda, por ello, no se sientan tan culpables a la hora de descargar el disco que aunque LP termina sabiendo más a EP, porque aunque éste cuente con trece canciones que nos llevan a la paranoia, incertidumbre, neurosis, depresión, rabia, bipolaridad y de regreso, son trece canciones que se diluyen repentinamente y te dejan "entonado" y ansioso. "Kill Me" es un trabajo que sabe a mugre y esta corrosivamente "mal hecho", pero esa es parte de su genialidad y de lo que en mi (insano) punto de vista, nos deja queriendo más, es un LP que en su concepción se entiende una sola idea, la cual es simple, entretener entreteniéndose, hacer ruido y fastidiar a los demás con ese ruido, no esperen una producción impecable porque eso no lo encontraran aquí, es un disco que bien se pudo haber grabado en una toma mientras el trió ensayaba en el garage, es completamente honesto y no existe post-producción fanfarrona, no es que ellos tres hayan querido sonar así, es que ellos hacen música a su entender y ese entender es "Kill Me". Para quienes consideran que "Las Ultrasónicas" son Garage/Noise, tras escuchar Kill Me de Mutators verán a las primeras, más en la onda de "Pelo Suelto" de Gloria Trevi. Otro de esos "olvidados" del 2009.

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I Was a King - I Was a King

Unos Dinosaur Jr. de la nueva generación, con una voz más dulce que la del mismísimo J Mascis, emparentada más a la de Kevin Shield (My Bloody Valentine) y con letras que abordan los miles de problemas y conflictos que cualquier adolescente promedio tiene. Desde Oslo, Noruega, nos llega I Was a King, una banda con sonidos viejos del shoegaze y distorsionados del noise-pop, que con este, su segundo LP editado a principios de este año que esta por irse (2009), muestran una cierta madurez y aunque su sonido es el mismo, en este trabajo se escuchan mejor producidos y no tan lo-fi, como en su primer trabajo. Sus influencias resultan evidentes de descubrir, son shoegaze hasta el espinazo y dulces en exceso, beben de los dulces licores que dejaron My Bloody Valentine y se emborrachan hasta vomitar guitarras con sonido Dinosaur Jr., para despertar con resaca de Teenage Fanclub.

Lo maravilloso de I Was a King son sus canciones cortas, que se van como el vino al beberlo, que aunque la canción más larga del LP es "It's All You" (con introducción en piano), cada canción tiene su característica razón de ser, son individuales, son pequeños componentes con funciones propias que al juntarse forman un todo, pero que al estar separadas, pueden trabajar solas. Para quienes extrañan el sonido My Bloody Valentine, sin mezclar la electrónica con el shoegaze como estos mismos lo hicieran con su "Loveless", I Was a King es una banda que hace ruido, pero lo domestica de una manera dulce y sofisticada. El disco está lleno de extrañas y diversas colaboraciones, que van desde Emil Nikolaisen (de sus compatriotas noruegos Serena Maneesh), Sufjan Stevens, Daniel Smith (de Danielson) y Gary Olson (de Ladybug Transistor), grabado en la "Marlborough Farms" en Brooklyn, Nueva York, y mezclado por Nick Terry quien anteriormente trabajo con The Libertines y Klaxons.

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Volcano! - Paperwork

"La fé mas bella para mi es la ciencia 

Polvo de estrellas esta dentro de mi

Astronomia y anatomia

Mis celulas enamoradas de ti"

Experimentando con una guitarra rítmica y batería que se acerca mucho al free jazz, pero con sintetizadores que estremecen con su sonido distorsionado con tenues destellos de post-punk, llegan desde Chicago, Illinois, Volcano! con su segundo LP de nombre "Paperwork", editado en 2008 por la disquera "The Leaf Label", con el cual nuevamente juegan con sonidos, melodías e influencias, entregándonos un disco por demás trabajado, pero a la vez con un sonido por demás improvisado que sabe agridulce, pero no por ello deje un pésimo resultado. "Paperwork" es un disco explosivo, con demasiada dinámica, acelerado y minuciosamente cuidado en cuanto a su producción, con esencia jazzera, pero alma por demás ruidosa y punk, que resulta difícil emparentar con algún otro trabajo de banda similar. Resulta destacable mencionar el trabajo de Sam Scranton en la batería, instrumento con demasiada fuerza en su ejecución, pero que no resta importancia ni a la guitarra y voz de Aaron With, quien en momentos suena a un esquizofrénico Dave Longstreth [de Dirty Projectors], ni a Mark Cartwright quien se encarga del bajo y sonidos electrónicos como el sintetizador y laptop, formando un sonido completamente experimental pero amigable, sin llegar a ser fastidioso o redundante. Una característica dentro de la "experimentación" de esta banda de Chicago, es que utiliza en ciertas canciones coros en idioma español, como en "Performance Evaluation Shuffle", canción con la cual abre el LP, o la completamente escrita en idioma español "Astronomer's Ballad". Si están en una etapa en la cual quieran escuchar cosas locas, sin llegar a la fanfarrones y demasiada parafernalia sónica, Volcano! es sin duda, la banda con la cual pueden apartarse de sonidos convencionales y dejarse llevar por sus sonidos orgánicamente robotizados.

* Kno, si no te parece "Astronomer's Ballad" la letra más nerd o ñoña, ya no eres mi amigo! =P

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Sonic Yoth - The Eternal

Aunque existieron miles de detractores en relación a éste, el trabajo numero diecinueve de los padres de lo que hoy en día conocemos como "Alternativo", lo importante es escuchar "The Eternal", minuciosamente y con cuidado, disfrutar cada una de las canciones, de los ruidos que son la especialidad de la casa, de sus letras y dejarse llevar con esta banda. Muchos dirán que suena a lo mismo que se ha venido haciendo la década pasada con Sonic Youth, sin embargo olvidan, que ese sonido que empezaron haciendo a finales de los noventa, principio de los noventa, era completamente revolucionario y radical, que era un sonido que no se escucha en ninguna otra parte, con ninguna otra banda, sonido que hoy en día miles de bandas imitan y aunque se acepta que existen muy buenas bandas que se influenciaron de ellos, es importante darles su lugar musicalmente hablando. The Eternal viene a demostrar que Sonic Youth es una banda que a pesar de contar con casi tres décadas haciendo música, es una banda que aun tiene cosas que decir y demostrarse a ellos mismos, su sonido se vuelve más fresco y menos experimental, incluso se sentaron a componer canciones sencillas, con riffs mas acelerados, recordándome el sonido que hicieron a principios de los 90's en "Dirty", con canciones como: "Thunderclap for Bobby Pyn", "Sacred Trickster", "No Way", "Anti-Orgasm" o canciones como "Antenna" que dejan ver cierta experimentación, sin llegar al extremo que nos dieron en los poemas liricos y sonicos del "NYC Ghost & Flowers", en el año 2000. En resumidas cuentas, para aquellos que son fans de la banda, sin duda encontraran que es un disco completo, que llena expectativas y deja un agradable sabor de boca; para quienes inician con el sonido de Sonic Youth, creo que es un perfecto disco para entrar a su extensa discografía, que sin duda merece ser reconocido.

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Surfer Blood - Astrocoast

Creados exageradamente poco (principios del 2008), en West Palm Beach, Florida, estos chicos editan este su disco debut, el cual ya ha estado levantando ámpulas entre la crítica especializada y extraños que los han escuchado, comparándolos con bandas como The Shins e incluso con Beach Boys, y aunque algo hay de eso, a mi parecer son una especie de Vampire Weekend, No Age, Animal Collective en un principio y en efecto The Shins, aunque cada quien es libre de juzgar al momento de escucharlos. Astrocoast es un LP repleto de melodías, con canciones que se aproximan al Power-Pop, Noise-Pop, Lo-fi e incluso ciertos matices de Garage, en canciones como "Fast Jabroni". Aunque son jóvenes, tanto en edad como en banda, su sonido es característico y sin ánimos de subirlos mucho, creo que es una banda interesante que se le está dando demasiada expectación y que debemos esperar más trabajos, porque esta misma expectación se le dio a bandas que hoy nadie recuerda, ni extraña, como The Strokes con su "This Is It". Astrocoast es un reflejo perfectamente ensamblado del sonido veraniego de Florida, que nos da un paseo por la playa y nos muestra que las guitarras distorsionadas no forzosamente están peleadas con sonidos veraniegos. No se confundan y se dejen impresionar por la crítica, escúchenlos con nula expectación y no compren eso de que son la banda que viene a redefinir la música, Astrocoast es meramente un buen disco, con una producción fielmente cuidada y un sonido tal vez no nuevo, pero si fresco, en momentos de "experimentación" sonora.

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The Joy Formidable - A Balloon Called Moaning

"All these things about me you never can tell
You make me sleep so badly, invisible friend"

Ya con un rato participando en festivales importantes como el Reading & Leeds Festivals o el Latitude Festival y con la ayuda de solo un sencillo "Austere", sin contar con LP de soporte, estos galeses decidieron editar su primer LP de nombre "A Balloon Called Moaning" a principios de este año [2009] y con un sonido de guitarras, fresco, orgánico y con mucho feedback implícito, todo esto bajo la dulce memoria de unos My Bloody Valentine, nos entregan un disco que tal vez no resulte ser toda una joya, pero si un producto bien cuidado, armonioso, con voces dulces y saturación elegante de guitarras, que para los amantes de la banda antes mencionada, será un manjar sonoro de principio a fin.

Con solo ocho tracks, "A Ballon Called Moaning" es atrayente desde su inicio, con "The Greatest Light Is The Greatest Shade", convierten una canción pop en una pieza shoegaze que respira y transpira distorsión en las guitarras de forma elegante, con esa voz que recuerda a Bilinda Butcher o a una Kim Deal entonada. "Cradle" es el perfecto ejemplo del shoegaze que extraño, que incluso bandas como The Raveonettes me han venido quedando a deber, que al escucharla no sabes si estas ante una canción pop con distorsión o en una shoegaze demasiado fresa. En "While The Flies", suenan emblemáticos, con unos coros épicos que parecieran sacados de un momento importante en la vida de alguien, aunque parecieran canciones cuadradas, tienen vida propia, se alimentan de ellos mismos y aprenden también de ellos mismos, el manejo de voces fémina/masculino es interesante y divertido. "Whirring" maneja la misma energía empleada en "Cradle", con una agilidad sonora que entretiene y que nunca aburre, esa que te mueve por una u otra razón. "9669" es la pieza balada del disco que tal vez no brille con la misma intensidad que las demás canciones, pero es a mi gusto, una pieza importante en el eslabón que resulta ser "A Ballon Called Moaning".

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Eagle and Talon - Thracian

Un dúo de chicas con ese sonido desertado en los 90's, de guitarras distorsionadas e interrumpidas, con voces amables pero con cierta desesperanza en sus letras; utilizando meramente para la creación de su música en un principio, la imaginación, una guitarra eléctrica, una batería y un pequeño teclado casio, estas chicas emprenden a hacer ruido de forma atrayente, agradable y elegantemente bien estructurado. Ellas saben perfectamente sus insuficiencias musicales y aunque de repente suenan innegables, no dejan de forjar una música bien trabajada, sin pretensión alguna ni parafernalia extra, su sonido es elemental e incluso podría decirse que "rudimentario", utilizando esta expresión como un neto cumplido, ya que son una banda que vale la pena dar oídos con atención, que tal vez no traten un cargado cambio de ritmos, pero juegan perfectamente con sus voces, las cuales embonan afinadamente con esas guitarras exquisitamente atiborradas de distorsión.

Kim Talon [vocal/guitarra], inicio escribiendo música en condiciones árticas en su ciudad natal, lo que la hizo buscar lugares mas cálidos, dejando a sus dieciocho Winnipeg, Manitoba, para vivir un tiempo en New York, donde también inicio carrera como bailarina de tap, viajando mas tarde a Los Angeles, CA., donde conoce a Alice Talon [bateria/teclado], quien abandono a precoz edad sus estudios de piano clásico, compartiendo historia con Kim, al dejar Cleveland para residir en Taiwán por un tiempo, donde empezó a tocar la batería y fue en 2006 que junto con Kim formaron Eagle and Talon, logrando un EP llamado Eagle and Talon Cares EP para posteriormente, en Junio del 2009 editaran este, su primer LP de nombre Thracian, en el cual manejaron un sin fin de instrumentos raros que se aprecian agradables al oído.

Su música incluye distintos géneros que van desde un amable Pop, rebose de guitarras que se arriman al Noise, ciertos elementos "sucio-electrónicos" del Shoegaze y algunos matices de Low-fi en las voces. Canciones: "Hot Caught", "All Of My Guardians", "The All Best", "Georgia", "Ice Life" y "Tight Score"

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The Raveonettes - In And Out Of Control

"Your addiction and you are in love.

Night star crossed, I wait my turn

And every time you overdose I rush to intensive care

Another sad eye stare before you disappear

If this is the last dance, this is the last dance

Then save it for me baby"

Apenas hace un par de días, salió este, el hasta ahora último disco de esta banda danesa, que con ya su buen numero de LP's, algunos buenos y otros bajos de intensidad, pretenden volver a su característico sonido, dejando un poco el lado amable y "pop" que venían haciendo en sus dos trabajos anteriores. Me parece que les está pasando lo mismo que sucedía con placebo, empiezan a sonar repetitivos, y aunque no experimentan demasiado en su sonido, si se escucha cierta evolución en la música, tenue, pero evolución al fin y al cabo.

El disco, es amable, disfrutable y aunque si manejan cierta saturación de guitarras, no llegan a ser tan chillantes o estruendosos como en sus principios, se podría decir que han domesticado sus efectos Boss. El primer sencillo del disco es "Last Dance", un ejemplo de ese sonido dulce que nos traen y que se les agradece en estos momentos raros y difíciles en la vida de todos, incluso de repente pareciera que abarcaran un sonido "twee-pop" de manera traviesa y juguetona, las voces (hombre/mujer) son matizadas de manera sublime lo que hace que las melodías luzcan a la perfección.
Es un buen disco que me recuerda más al sonido logrado en el "Chain Gang of Love", que al "Lust, Lust, Lust", vale la pena escucharlo con detenimiento y disfrutarlo.

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Silversun Pickups - Discography

Con dos discos de estudio, y un EP de siete canciones, Silversun Pickups deja de ser la banda "indie" que pretendía formar carrera, para convertirse en una banda solida, con un sonido único, que si bien, tiene un sin fin de influencias, se aparta por completo y crean su propio sonido, con la voz inconfundible de Brian Aubert, quien de vez en vez suena desgarrador y otras tantas, suena demasiado dulce y femenino o la batería de Christopher Guanlao que ya es única, o los excesivos sonidos de overdrive y fuzz que ocupa Aubert en su guitarra, junto con el teclado de Joe Lester. Son sin lugar a duda una banda que ha venido madurando en cada uno de los discos que vienen haciendo desde el 2003, que editaron el EP "Pikul", con seis canciones y un bonus track, que recordaban al mejor "alternativo" de principios de la década pasada, de bandas como the smashing pumkins, con voces que rememoran al mejor "grunge", que van de dulces a desgarradoras, como "Kissing Families" o "Comeback Kid", dándole oportunidad de participar también en las voces a Nikki Monninger en "Creation Lake".

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En el "Carnavas" del 2006, la banda vuelve con su sonido característico de guitarras distorsionadas y voces cambiantes, pero en esta ocasión son creadores de ambientes que destilan shoegaze, mismo ambiente que resulta tanto por los efectos de guitarra, como por el teclado de Lester. Este disco es el que los catapulta por "Lazy Eye", canción que sonó por todas partes, le siguió "Well Thought Out Twinkles", que tiene uno de los mejores riffs de guitarra que eh escuchado y digno para formar parte del "Guitar Heroe". Otra joyita de este disco es la canción con la que cierran "Common Reactor", que es una especie de tributo a My Bloody Valentine de lo más hermoso, un feedback que enamora a los amantes de este sonido.

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En el 2009 editan el "Swoon", con el primer sencillo "Panic Switch" dan otro de los mejores riffs de guitarra que recuerdan al mejor "alternativo" de principios de los 90's. El disco cuenta con buenas canciones como: "There's No Secrets This Year", "Substitution" o "The Royal We".

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Larga vida a Silversun Pickups; es de esas bandas que les auguro un buen futuro, al menos más largo que muchas banditas del estilo de Kings of Leon, que explotan al momento, pero con el paso del tiempo, nadie las recuerda.

Japandroids - Post-Nothing

El dúo formado por Brian King [científico] y David Prowse [antropólogo], es sin duda un dúo fuera de lo común, con sonidos básicos e instrumentos de igual manera (guitarra y batería), que utilizan para simplemente crear un excelente "noise-pop", con el entusiasmo punk y de vez en vez, algo de low-fi y un garage "domesticado". Originarios del país (Canadá) que les está demostrando a los americanos como hacer buena música e influenciados evidentemente (tanto en el número de integrantes de la banda, como en la música), por Death From Above 1979.

Con un par de EP's del 2007 y 2008, lanzan este año su primer larga duración llamado "Post-Nothing", con ocho tracks saturados de distorsión, feed-backs, fuzzers y overdrivers, pero con tanta melodía que hacen amable el disco, con un juego de voces entre King y Prowse, quienes comparten el cargo de vocales y lo hacen perfecta y efectivamente sucio, ya que embonan al estilo garage de la música.

Considerados como "lo mejor de la nueva música" por paginas especializadas, pero bueno, podría decirles lo que dice la Pitchfork, pero honestamente, me cagan sus reseñas tan pretenciosas, queriéndonos meter a bandas raras y vendiéndonosla como "LA" banda a seguir, sin embargo, con Japandroids, creo estar de acuerdo con ellos, puedo decir que valen la pena. Si les ha parecido interesante el sonido "rupestre" de No Age, creo que encontraran en Post-Nothing un buen consuelo para la espera de algo nuevo de estos, después del su EP [Losing Feeling EP], el cual a mi me quedo a deber.

Canciones ampliamente recomendables del disco: "Young Hearts Spark Fire", que suena tan ágil y juvenil, "The Boys Are Leaving Town", una excelente presentación al sonido del disco, "Crazy/Forever", "Sovereignty" y "I Quit Girls" que enamora con esa guitarra empapada en un fuzz sonando a taladro perforando metal. El disco es sencillo, básico, dura aproximadamente treinta y cinco minutos y es preciso, con canciones como suelen ser en el punk, con verso y coro, y a veces con un puente por ahí, pero sin sonar pretencioso.

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The Icarus Line - Mono

Desesperanza, fé perdida, desilusión, rabia, ira, dolor, esos son los adjetivos que describen el sonido de este, el primer disco de una banda que admiro desde hace mucho, mientras bandas como Sum 41 y Blink 182 jugaban a tocar punk a principios de esta década, The Icarus Line les importaba un carajo verse en MTV triunfando y aunque querían "domesticar" su sonido áspero, decidieron dejarlo con esa actitud perdida y producir este disco que suena a todo lo malo que puede sentir el ser humano. Este disco no es apto para personas felices o que en este momento estén en una etapa de "estabilidad", es un disco que debe escucharse bajo su propio riesgo, porque está rabia puede resultar contagiosa y enfermiza.

El disco abre con "Love is Happiness", donde le agradecen a Dios por haberse ido y abandonado, es una canción destructivista, de esas que te motivan a patear pendejos, es esquizofrénica, es desastrosa, es contundente, es veloz y es estridente. "You Make Me Nervous" es una oda a la obsesión enfermiza, a la incertidumbre adolescente, a la confusión y a esa ira que nos ha venido de vez en vez, la música nuevamente se torna esquizofrénica, pero inicia con un bajo que marca una marcha que no promete terminar del todo bien. En "L.O.S.T." nos demuestran que inadaptados si son, de esos chicos maltratados en el colegio por los "bullies", lo que me parece sorprendente de esta banda es la facilidad con la que pueden hacer tantos cambios de ritmo y sonar contundentes. "Enemies In High Places" retoma ese tema de adolescencia frustrada, de acoso y maltrato, dando como resultado una rabia descomunal, unas enormes ganas de destruir y tanta ironía en la frase: "My enemies hate me so much it becomes a subliminal love affair".

"In Lieu" pareciera sacada de una especie de desfile tétrico y surreal de la sombría imaginación de un joven Tim Burton, es una canción épica, larga y completamente justificada, depresiva y atemporal, con un destiempo que solo una mente retorcida podría elaborar. "Feed a Cat to Your Cobra" es de las canciones "amables" del disco, que suenan a un punk viejo, al estilo de Black Flag, con esa misma rabia y esos mismos estribillos, desquiciante y entrañablemente enferma, nuevamente una de esas canciones con unos cambios de ritmo abruptos que hacen que tu cerebro explote. "Oh Faithless" nuevamente aborda el odio a uno mismo, a esa desesperanza, a esa apatía a la muerte y a los deseos.

"Please Fire Me" es completamente una canción punk, es una pelea de gatos furiosos, es un himno a la destrucción o al autodestructivismo, después de llegar hasta este punto del disco, te das cuenta que pudo ser el perfecto soundtrack de "Fight Club", es violenta, rabiosa, sombría y depresiva. "Keep Your Eyes Peeled" inicia con un bajo contundente, que va acrecentándose y acompañándose con una voz sombría y unas guitarras tenues. Un sonido crujiente inicia "Best Two Out Of Three", con la gritona voz de Joe Cardamone y esos cambios de ritmo tan bien elaborados que solo a esta banda le admiro.

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Deerhoof - Apple O'

Proveniente de Tokio, pero radicada en San Francisco, CA., Satomi Matsuzaki es quien da voz y esquizofrenia a este proyecto experimental de noise, con tintes de punk, acompañada por Greg Saunier y John Dieterich, quienes juntos hicieron de este disco, una experiencia sonora de instrumentos perfectamente ejecutados, lo cual se escucha e incluso te llegas a perder con ese sonido de maquinaria trabajando en fabrica.

La música es disonante, en ocasiones confusa y cuadrada, las guitarras son sucias y distorsionadas, aunque con mucha melodía en cada nota, la voz de Satomi en ocasiones recuerda a Kazu Makino de los Blonde Redhead y a esa fantasiosa caricatura de Cartoon Network llamada Puffy AmiYumi. Este, es su quinto disco de estudio, editado en el 2003 y es en este cuando la banda forma un sonido propio, tanto en su instrumentación, como en la vocalización de Satomi, quien con sus alaridos extraños y melódicos, forma un sonido que si bien rememora a Kazu Makino, la música de Deerhoof resulta más enferma y no tan “amable”, utilizando en esta ocasión el término “amable”, para denominar a la música de Blonde Redhead años luz, más depresiva que la música de esta banda. Este disco es en absoluto irreverente, incluso las canciones “relajadas”, resultan en exceso experimentales, escuchándose como el preámbulo de un caos en proceso y muy bien orquestado.

El disco aun cuando se escucha experimental, no resulta pretencioso o fanfarrón, suena a algo que hicieron porqué les parecía que sonaba “bonito”, más no por querer sonar muy “locos”. Si no conocen a esta banda, esté a mi parecer es una perfecta demo, de lo que esta banda sabe hacer, en su haber, cuentan con diez discos de estudio y cuatro EP’s.

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Parts & Labors - Mapmaker

Banda de Brooklyn, NY, formada en el 2002 por Dan Friel y B.J. Warshaw mezclan sintetizador, con guitarras distorsionadas y baterías avasalladoras y contundentes, hacen del sonido un instrumento más, una expresión melódica más. Son punk sin querer serlo, son disonantes con toda la intención de serlo y hacen ruido que acaricia el oído. Las voces tienen una gran influencia a la del magnífico Glenn Danzig en sus mejores años a cargo de Misfits, es gruesa, potente y entonada.

El disco inicia con un cuarteto de canciones aceleradas, que son magníficamente marcadas por una batería que pareciera cada vez subir más de intensidad, como en "Fractured Skies", "Brighter Days", "Vision of Repair" y "The Gold We're Digging". La experimentación sonora se escucha en "New Crimes", donde mezclan los sonidos de guitarra, con un sintetizador que cada vez parece comunicarse con inteligencia extraterrestre, hasta explotar y empezar una guitarra que suena cual sollozante gaita escocesa, un buen ejemplo de post-punk. Continuando con esa experimentación encontramos "Long Way Down", donde nuevamente lo que es indiscutible no percibir, son los sonidos tan bien logrados con el sintetizador y esa batería tan potente y bien estructurada, justo en medio de la canción encontramos ese noise tan bello que me relaja tanto.

En "Ghosts will Burn" encontramos una especie de taladro ensordecedor y enfermo que desata tanta esquizofrenia que llega a ser estresante el terminar de escucharlo, para finalmente encontrarnos con una batería que marca un disonante tempo. Con la misma idea que la canción anterior, en "Unexplosions" encontramos una de las canciones más "amables" del disco, con una melodía sencilla que bien podría considerarse la canción “pop” del disco. “Camera Shy” nuevamente retoman ese sonido punk que han manejado; acelerada, paranoica, melódica y con los requisitos de cualquier canción de esta banda, los cuales son: batería acelerada y sintetizadores enfermos. “King of the Hill” es una especie de experimentación sonora, que pasa desde la electrónica, el punk, el noise, el pop y lo hace de manera delicada y tenue, que es elegantemente construido.

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