Ruidos en el Techo - Galacción EP

En su myspace ellos manejan la frase: "music for the wrong generation" y concuerdo con ese sentir, ellos son (o eran, mejor dicho), una banda regiomontana, apenas empezaban a brillar y tener su repercusión a nivel nacional e internacional (incluso Thurston Moore de Sonic Youth ya opinaba de su música como "cool artwork"). Ellos se llamaban Ruidos en el Techo (REET), eran tres, dos caballeros (guitarra-vox y batería) y una bella dama (bajo), hicieron poco, pero lo hicieron bien, el EP Galacción es un reflejo contundente de sus influencias, de ese sonido punk, noise e indie de principio de los 90's, de bandas como Sonic Youth, Pavement y esas bandas que hacen del ruido un arte.

El disco abre con "Canción Puberta", un himno a la incertidumbre, al hacer sin saber, a la adolescencia, al no pensar en más allá que lo que estamos haciendo aquí y ahora, es un himno al desmadre, al desenfreno, al miedo a la madurez y a un sin fin de cosas que preferimos no pensar mientras estamos en esa etapa del ser humano. En "Be In my Dreams", utilizan los recursos aprendidos de sus maestros Sonic Youth, y forjan una bella balada con tintes noventeros, prometiéndole a esa persona que estar ahí, siempre que éste en sus sueños aun cuando la gente ría y se burle de ello, en lo particular, es mi canción favorita del disco y de la banda, alguna vez la dedique y sigue siendo de esa persona, únicamente de ella.

"Imagen Mental" es una licuadora sonora, es un resonar de guitarras chillantes, es una oda a la melodía y al ruido como unisonó, es de esas canciones que olvidas al escucharlas, que estas en medio de un disco de alguna banda mexicana, y no por ser malinchista, sino meramente realista. La canción que le da título al disco, es tenue, es lenta, es shoegaze, es repentinamente repetitiva, es magistral, es ingeniosa, es ruidosa cuando debe serlo, es un juego de escalas que van creciendo conforme toma fuerza la melodía, es hipnotizanté por ese bajo que marca las mismas notas, es sucia con ese sintetizador enfermo, es digna de formar parte del título al EP. En

"Tapia" juegan nuevamente con voces casi gritonas y en apariencia desafinadas, pero creando el ambiente que la música le brinda, es sin duda otro buen ejemplo de que estos chicos llevaban una buena escuela y bien pudieron llegar lejos.

"Los Tristes" es otra oda a ese sonido Sonic Youth, lo que me resulta interesante de ellos, es que uno cree que sus letras no dicen mucho, pero en realidad reflejan el sentir de una juventud, tal vez no la mía, pero si se sienten coherentes, sin tanto rebusqué, son sencillas, con palabras cotidianas, en realidad me hubiese gustado seguir escuchando más de esta banda, pero por desgracia hace un par de años decidieron seguir sus rumbos, el guitarrista Mou formo BAM BAM, una muy buena banda de la cual estaré subiendo algo después, Charlie formo MOCKINPOTT y Jane se fue a estudiar literatura a Inglaterra, pero bueno, lo importante es lo que dejaron, este EP con sabor a ruido, a sintetizadores, a hastió, a incertidumbre y a mucha alma.

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Death Cab for Cutie - Stable Song (Video)

Solo quiero estabilidad en mi, creo que despúes de todo, necesito pensar en mi y solo en mi.

Todo estará bien mientras yo no esté aquí

We'll rest easy justified.

Coconut Records - Davy

Siguiendo con Jason, aunque con la mismas herramientas empleadas en Nighttiming y aunque tiene canciones muy buenas como "Microphone", me quedo con el primer disco.

One of Us is Right, One of Us is Wrong

Coconut Records - Nighttiming

Jason Schwartzman es la mente y alma detrás de Coconut Records, después de despedirse de la batería en su banda Phantom Planet, decidió dedicarse de lleno a la actuación, pero el gusanito de la música no lo dejó, así que continuo haciendo música de manera independiente y de manera casi barroca, utilizando solo su computadora, grabando la mayoría de instrumentos. Su primer disco "solista" es un trabajo en el cual se dejo acompañar por muchos amigos, entre músicos y actores, así aparecen coros susurrantes de la mismísima Kirsten Dunst en "This Old Machine" y "Summer Day", o la también actriz y cantante Zooey Deschanel, quien hace su parte en "Slowly" y en "Ask Her To Dance"; su hermano, también actor y cantante Robert Schwartzman contribuye en "Easy Girl", Brandon Boyd ayuda con su silbido en "Slowly", el disco es rudimentario, me atrevería a decir que incluso como un pan casero, sabe a hogar, es optimista y esperanzador.

El disco no pretende más de lo que es, un simple gusto propio materializado, y hecho con amigos y gente que se comprometió en el proyecto. Del disco me encantan "West Coast", "This Old Machine", "Summer Day", "Slowly", "Minding My Own Business", es un disco que vale muchísimo la pena escuchar en momentos de desesperanza. Hace poco alguien me dijo que escuchaba música según mi estado de ánimo, hoy me doy cuenta que es cierto, si se sienten con esa falta de esperanza, éste es el disco perfecto para ello, es como esos amigos que tal vez no te den el mejor consejo en un momento difícil, pero al menos te escucharan y te darán un abrazo de apoyo.

Este es el disco que necesito escuchar en mis oídos y en mi cabeza, ojala no nadie que lea esto, se sienta como yo ahora.

I'm going back home to the West Coast

Chris Garneau - Music For Tourists

Chris Garneau es demasiado dulce para ser triste o demasiado triste para ser dulce, es uno de esos cantautores perdidos en el extenso universo existente de Estados Unidos, es suave, con una voz susurrante, con arreglos en su mayoría en piano y cuerdas, está en esa delgada línea entre lo amable y depresivo, utiliza su voz como parte de la música, como un instrumento más para expresar esos sentimientos tan personales, como episodios perdidos de una vida. Sus canciones han aparecido en un sin fin de dramas como The OC o Grey's Anatomy, y con justa razón, porque realmente sus letras y melodías son un perfecto vehículo que nos lleva a esos sentimientos tan humanos e imperfectos como lo son el miedo, el amor y el desamor.

Este es su primer disco salido por allá del 2006, producido por Duncan Sheik y con un aire un tanto oscuro, el disco abre con "Castle-Time", dándonos un piano que marca un inicio cual cajita musical "in crescendo", siendo acompañada por una voz dulce, apenas y entendible por los susurros que el Sr. Garneau nos regala, la letra es de esas que aunque no te hable de algo en particular, te dicen tanto, es como ver un capitulo de Seinfield, que aunque te habla de todo, no te dice nada, es un buen corte para dar inicio a este disco y con el cual te demuestra el sonido que trae este disco. En "Relief", nos narra una especie de encuentro desafortunado que él pretende "borrar", dejando solo esas palabras que le sirven más, es una buena canción donde muestra una voz excelente. "Black & Blue" pareciera parida por la mismísima Amanda Palmer con esas voces desesperadas y con cierta ansiedad, tan solo escuchando los coros me hace sentir algo que no logro descifrar, en esta canción Garneau se acompaña meramente de solo un piano, que lo hace sonar tan bien y que sube, cuando la letra lo exige.

"Saturday" es ahorita con la cual más me identifico (porque fue en sábado la última vez que te vi), otro ejercicio lirico de olvidar esos recuerdos lastimosos y dejar solo aquellos que te ayudan a continuar, como me pega la frase: "I love all things I said I love but i forget why i'm still standing". De "So Far" solo puedo decir que quien le canta a extrañar un buen día de ver televisión, o comer algo rico con esa persona, este disco es sin duda, un diario de la vida de muchos. Una de las canciones con las cuales flojea un poco el disco es precisamente "First Place". Con "Hymn", precisamente se pretende un "himno" al miedo de ser lastimado con palabras, al recibir esas palabras que pueden doler, es una especie de "¡Cuidado con lo que puedes decirme!", es una canción corta, con un órgano sublime y nuevamente esa voz susurrante de Garneau, a veces me suena a un tango lento.

"Baby's Romance" es una canción que pareciera escrita por Elliott Smith, tiene esa esencia, esa alma, por algo es uno de sus tan mencionadas influencias, incluso, más adelante saldrá de nuevo Elliott Smith. "Not Nice" es una especie de reclamo de forma amable, de esas ocasiones que en lugar de buscar una pelea, simplemente das la vuelta y te vas, en youtube hay una versión en acordeón que toca este señor que no tiene madre, muchos dicen que suena a canción de iglesia, pero no, ahí demuestra que es un genio compositor, esta sin duda es otra de las grandes maravillas que se le encuentran a este disco. Con "Blue Suede Shoes", me pasa algo muy chistoso, es una canción emblemática que expresa perfectamente mi momento, lo que siento y pienso, musicalmente es sencilla, básica tal vez, pero acertada, la voz susurrante nuevamente como herramienta de sonido es impecable. "We Don't Try", es una especie de historia con moraleja, una especie de consejo sin llegar a ser moralista, una especie de mensaje sencillo que nos dice: "nunca dejes de hacer algo por el miedo a hacerlo, porque puede que mañana te arrepientas o sea demasiado tarde", de hecho me recuerda mucho a esa película "Nunca te Vayas Sin Decir Te Quiero".

"Sad News" es pesimista, oscura y les recomiendo que si no están listos, sáltenla. El disco "oficialmente" hablando cierra con "Halloween", continuando con ese pesimismo, pero más en forma de disculpa, Garneau nos muestra una bella carta escrita al destino. El disco nos regala un track extra, y es nada más y nada menos que un cover de "Between the Bars", canción del magnífico Elliott Smith, la ajusta perfecto tanto a su voz, y a su piano, es innegable la influencia latente que Smith dejo a Garneau y se nota. Un buen disco para estos días con nubes grises en el cielo.

Sad Me

Elton John - Your Song (Video)

I know it's not much but it's the best I can do
My gift is my song and this one's for you

Despúes de esta semana, yo me doy por vencido.

Ryan Adams - Rock N Roll

Hablar de Ryan Adams es hablar de un rebelde sin causa, de un chico lindo jugando ser feo, de una estrella sin querer serlo, es un tipo que tiene sus influencias musicales bien cimentadas y no le da miedo predicarlas, porque no le preocupa si hoy hace un disco demasiado "Rocker" y mañana tal vez le salga algo demasiado "Folky" o "Country"; es a mi gusto, un genio que apenas explota el 40% de su capacidad artística y, lo que más me duele, es quien se caso con la bella Mandy Moore. Son muchas las cosas que podría decir de este tipo, pero hoy me centraré en ese disco salido por allá del 2003, llamado con demasía de razón simplemente Rock N Roll, y lo digo porque huele a eso, transpira eso, suena a eso, sabe a eso y solo a eso. Como alguna vez dijeron los Rolling Stones: "It's Only Rock & Roll but I Like it", esa misma premisa ocupa Adams en este disco.

El disco abre con la contundente y calculadora "This Is It", con unas guitarras quebradas, una voz rasposa y un sentimiento de hastío hacia esta persona de la cual se pretende desvincular, es de mis favoritas del Sr. Adams. En "Shallow" volvemos con esa voz rasposa que en partes me recuerda a Craig Nicholls, y esos riffs de guitarra al estilo ZZ Top, que si bien sencillos, también lo son precisos y eficaces. Nuevamente la imagen de Craig Nicholls aparece a mi mente al escuchar "1974" y no solo la de él por la voz, también la de su banda (The Vines), la canción pareciera parida y cuajada por estos australianos, con ese aire de post-grunge tan sabroso.

"Wish You Were Here" es una especie de "balada" que va subiendo de intensidad contándonos lo jodidamente infeliz que es el cantautor, por la ausencia de esa persona y lo autodestructivo que podemos llegar a ser (consumo de drogas). En "So Alive" nos cuenta una historia completamente distinta, es una canción positiva, de principio a fin emana bienestar, sobriedad y esa estabilidad que da tener y estar con esa persona, recuerdo que esta canción fue tomada por alguna empresa de carros para un comercial hace unos años, lo cual me pareció demasiado bizarro, pero cool, aparte, como dato curioso, el riff de la guitarra fue prácticamente plagiado por Austin Tv en una de sus canciones (Les Choses Sont Bizarres), sino me creen, pónganle una escuchada. "Luminol" es de igual forma que "Wish You Were Here", una canción oscura en cuanto a la letra, es un buen ejercicio de canciones básicas, sencillas, pero con ese algo que les da un realce importante.

"Burning Photograhs" es una balada más que compensa tanta energía que tiene este disco, canción dedicada a su antigua novia, la actriz Parker Posey. "She's Lost Total Control" es de esas canciones que agradezco mucho, con ese sonido contundente de guitarrazos, una voz más dulce de la que empezamos a acostúmbranos en las primeras canciones del disco. La furia regresa con "Note To Self: Don't Die" exigiéndose a si mismo nunca ser otra persona por nadie, es una canción agresiva y de huevos (de hámster), el rock fluye en la sangre de este Señor y no tiene ninguna arteria tapada. La canción que da título al disco es LA balada que necesitaba el disco para equilibrar ese descontrol, siempre he pensado que quienes escriben canciones ocupan ese medio de expresión para exorcizarse de ciertos demonios que no se pueden contar a alguien más, es decir, las canciones se vuelven esos amigos a quienes confías todo, gran canción "Rock N Roll".

"Anybody Want To Take Me Home" refleja ese lado folk que trae tan arraigado este señor, y que debo confesar, me agrada tanto, porque suena tan honesto y con un cierto sentimiento difícil de encontrar. Una de mis canciones favoritas de este señor y de este disco (junto con This Is It), es "Do Miss America", la cual representa una especie de sátira o burla a ese conocido mundo banal, de los certámenes de belleza, donde lo que pareciera una mujer perfecta, no deja de ser una simple mujer, con adicciones, miedos, incertidumbres y problemas similares a los de cualquier persona, es excelente, irónica y con unas guitarras que siempre me han gustado al cansancio, un buen ejemplo de Rock N Roll. Con "Boys" un intro al mero estilo post-punk de muchas bandas inglesas se avecina, es divertida y nuevamente utiliza como herramienta para escribir, el sarcasmo y la ironía.

"The Drugs Not Working" es el reflejo de esa vida tan ajetreada que llevan no solo músicos, sino actores y en general "artistas" en aquel país del norte, lleno de vicios, temores y clichés. Con eso cierra este disco que aunque no es una joyita, si es un disco redondo, que suena bien, que esta compensado con guitarrazos, baladas, letras, voces, es un gran disco que merece mucha atención. Larga vida al Sr. Adams junto a su esposa, la Sra. Moore-Adams.

Download and Rock Off

MSTRKRFT - Fist of God

Aunque su nombre se dice MASTERKRAFT, se escribe MSTRKRFT (omitiendo vocales), son originarios de Toronto (Canadá), son un dúo formado por dos ex-integrantes de bandas (Death From Above 1979 y Girlsareshort) muy buenas que en lo personal, extraño. Estos dos señores se traen desde un rato, algo que se siente bien, se escucha bien y te mueve bien. Se mueven dentro de la electrónica, pero no por eso dejan de ser músicos y productores, que saben cómo suena un instrumento de forma orgánica, porque lo tocan y no simplemente se basan en samples, scratch, sintetizadores y computadoras.

Con este, su segundo álbum no se arriesgan mucho y van a la segura, ocupan mucho de los elementos empleados en su primer disco (The Looks), lo cual no es del todo malo, el disco suena fuerte, agresivo, bailable y a la vez experimental. El disco abre con la cuadrada (musicalmente hablando) "It Ain't Love" participando en las voces la belleza del R&B Lil' Mo, con esa voz dulce que me recuerda esos años de música disco (y no porque lo haya vivido, sino por la música que eh escuchado, eh), el riff de la canción pareciera sacado de ese penetrante bajo que marcaba las notas en Death From Above, lo cual me agrada. "1000 Cigarettes", es una especie de continuación a la anterior canción, es agresiva, es punk, es bailable y rompe-huevos, recuerda mucho a esos franchutes que esconden sus rostros con mascaras diciendo que son maquinas. "Bounce" es otra de las muchas canciones con colaboraciones de gente relacionada en el Hip Hop y R&B, esta ocasión le toca a N.O.R.E, de la banda "Capone-N-Noreaga" e Isis (cantante de R&B).

En "Vuvuvu" siguen con ese sonido que los caracteriza, aunque si se siente cierta influencia de Daft Punk, estos señores logran separarse de ese estigma sonando distintos, supongo que la clave está en esa base rítmica tan a la Death From Above que Jesse F. Keeler le aporta a la banda. El señor John Legend da su aportación de manera excepcional con "Heartbreaker" con mi canción favorita del disco (en este momento). La canción que da título al álbum (Fist of God), es divertida, movida y te anima a moverte, sea cual sea la parte del cuerpo que muevas, sigue bajo esa base rítmica que Keeler sabe llevar tan bien. Con "So Deep" vuelven las colaboraciones, ahora a cargo de The Carps, ese otro gran dúo canadiense que también se recomienda por separado, pronto estaré hablando de ellos (sigo pensando, los gringos están sobreestimados, lo bueno ahora está en Canadá).

Las colaboraciones continúan, ahora con E-40 en "Click Click" y dejándome ver que este disco es bueno, por utilizar a gente relacionada en el Hip Hop, pero gente no tan maliciosa "comercialmente" hablando, es decir, no el clásico rapper que vemos en MTV cada dos videos seguidos, eso es lo que hace brillar a este disco, o al menos es, a mi gusto, el gran aporte que le dan a su música estos señores. "Word Up" cuenta con Ghostface Killah, otra de esas aportaciones rappers no tan comercialmente comunes, la canción es demasiado bailable para ser de las canciones con que cierra este disco perfecto para la peda.

El disco debe ser escuchado de principio a final, porque en si no existe cortes entre canción y canción, es como si estos dos señores se hayan puesto a mezclar en un buen "cotorreo" y mientras alguien los haya estado grabando sin ellos darse cuenta. El disco sabe a fiesta y prende. Por eso, y solo por eso, este disco es perfecto en viernes y hoy me autodestruyo.

Dance Asswhole!

My Bloody Valentine - Isn't Anything

Muchas son las bandas que han llegado a influenciarme, tanto en lo musical, como en lo personal, creando esas atmosferas que han hecho la persona que soy, algún día hablaré de ellas, pero hoy quiero hablar de una en especial, que si bien, la conocí tardía, la conocí con este, para mí el mejor disco de la banda, aunque muchos consideren el "Loveless" como su obra maestra, no concuerdo en absoluto, pero bueno, me pasa lo mismo con The Beatles, muchos consideran como obra maestra el "Sgt. Pepper" y para mi solo se me hace el preámbulo a lo que realmente querían hacer en "The White Album". Este disco llegó a mí en un momento cuando no sabía que hacía, que quería, ni hacia donde iba, y no es que sus letras hayan tenido ese mensaje que hayan cambiado la perspectiva de mi vida, más bien fue su sonido el que me transformo y transporto a un nuevo concepto de lo que musicalmente se venía haciendo. En mi vida había escuchado canciones pop melosas, con letras cursis, guitarras saturadas y sucias pero a la vez melódicas. Últimamente el término "shoegaze" esta como que en voga, lo cual me gusta y a la vez no; me gusta porque sé que al decir "shoegaze" es obligatorio encontrar a esta banda y al encontrarla, es también obligatorio llegar a este magnífico disco, no me gusta, porque ahorita cualquier banda que le ponga cierto fuzzy a sus guitarras o toques de electrónica a su música lenta, lo consideran como "shoegaze" y siento que se está (en ciertas bandas), utilizando de manera discriminada.

Pero bueno, hablemos de este maravilloso disco, editado por allá del año 1988 (y suena tan actual). El disco abre con una batería taladrante de "Soft As Snow (But Warm Inside)" y una guitarra casi sollozante que pareciera contestar a las palabras que Kevin Shield canta de manera tan "romántica". El turno toca a Bilinda Butcher para cantar de manera tan dulce una "Lose My Breath" que suena tan actual como cualquier canción de banda recién salida de un garage, los coritos son dulces y los versos son ansiosos, pidiéndole a esa persona que vuelva y recibiendo un mero rechazo, es una de las tantas canciones con ese sonido Brit (aunque ellos sean Irlandeses), que encontramos en el disco. "Cupid Come" podría definirla (si es que existe el termino), como una canción realmente "Geek", con ese sonido entre nerd y ñoño, como si fuese cantada y escrita por un niño reprimido a su amor platónico, con ese corito que puts: "Come back down Im waiting here.. and lick me with your fire", hermosa de verdad esta canción.

Con unas guitarras al mero estilo post-punk, pero con ese feedback tan sucio que me encanta porque se incrusta en mi cabeza, escuchamos los primeros acordes de "(When You Wake) You're Still In A Dream". En "No More Sorry" encontramos los primeros pincelazos que después harían en Loveless, con ese sonido ambiental e incluso con aliento electrónico, es como escuchar a Sonic Youth en una forma más aprensiva y deprimente. Continuando con ese sonido entre electrónica y feedbacks de guitarras en capas, encontramos "All I Need", experimentación pura, tomando en cuenta que este disco es de 1988, eso es clave.

El sonido punk sale después de tanta experimentación y es Bilinda quien junto a Shield hacen mancuerna, cual canción de pimpinela, para darnos un bello poema de obsesión o amor puro, no se sabe, lo que sí, es que quien no quisiera que le dijeran "Feed Me with Your Kiss". Continuando con baterías aceleradas, capaz de feedbacks y voces también en capas, encontramos una "Sueisfine". En "Several Girls Galore" nuevamente encontramos la mancuerna Shield/Butcher y lo hacen de forma "geek" (hahahaha), sonando hasta como si fuesen ellos la pareja.

Con "You Never Should", encontramos esas guitarras tan sucias pero melódicas y agradables que solo ellos podían hacer y ese coro que nomas me pega, me pega. "Nothing Much to Lose" es de las muchas canciones que tienen ese característico sonido Brit, que hasta suena actual, con los coritos de Bilinda que le dan ese realce a la canción. El disco cierra con otro himno "Geek" que define a la perfección a lo que debe sonar el "shoegaze", la canción: "I Can See It (but I Can't Feel It)".

Ojala el reencuentro que tuvieron el año pasado sirva para que esta banda venga a México, prometo estar dentro de los primeros en estar ahí, aunque muchos de los que estuvieron en el Coachella digan que fueron puro ruido en su presentación, deben tener en cuenta que, hasta para hacer ruido se debe tener alma.

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Alcoholic Faith Mission - 421 Wythe Avenue

Son tiernos, melódicos a más no poder, ambientales, melancólicos y son de Copenhagen (Dinamarca), si tuviese que explicar como es su sonido, creo que sería dentro de ese universo Pop con tintes de electrónica y alma folk, son cinco (entre ellos una bella chica en las vocales) y aunque es un disco amable, no quiere decir que pueda ser escuchado en cualquier momento, es, más bien de esas bandas que escuchas cuando quieres pensar, en esas mañanas lluviosas o simplemente cuando estas entre la melancolía y el esplendor de algo. Este álbum, con titulo "421 Wythe Avenue" más que apreciar las letras, las cuales tienen su grado de complejidad, son como lo que me pasa con Sigur Rós, me mueve más las melodías y el modo en que pueden utilizar la voz como un instrumento más para expresar sentimientos (aparte de que a Sigur Rós no le entiendo ni merga =P).

Este no es un disco que se pueda escuchar en un día soleado, es a mi gusto, un disco de invierno que debe escucharse con ánimos de encontrar un sentimiento, después de dejarse llevar por la melancolía de cada nota, sea cual sea ese sentimiento. El disco está muy bien cuidado en el aspecto de la producción, suenan los instrumentos como deben sonar, los samples donde deben sonar, las voces se acompañan a la perfección (voz mujer y hombre), es un disco ambiental que no llega a lo depresivo, como dije antes, es un disco tierno que ojala sea escuchado por muchos.

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