Antony & The Johnsons - The Crying Light

Antony Hegarty y su magnífica voz vuelve junto a The Johnsons para darnos un disco etéreo, con incertidumbre existencial, desilusiones, recuerdos infantiles mal logrados y un sin fin de problemas que arrastra el ser humano durante su existencia, todo bajo el registro de un dulce piano que armoniza la hermosa voz de Antony, quien se considera plenamente fan de Boy George y su extinta banda Culture Club, admiración que inclusive se puede observar en su misma imagen, sin embargo, musicalmente su voz recuerda más a los sobresalientes momentos de una Nina Simone cuando enamoraba con "He's got the Whole World In His Hands" o "I Loves You, Porgy". El disco hurga una dulce obscuridad en sus letras y música, que da un respiro al oído, que enamora y alivia con sus dulces notas, es sin duda un trabajo finamente trabajado, que aun cuando resulta en cierto modo "enfermizo", es todo un encanto escuchar a Antony desbordando emotividad. Para unos podrá resultar aburrido o muy lento, para mi es pulcro musicalmente y obscuro en cuanto a sus letras. El disco resplandece solo desde un principio con "Her Eyes are Underneath The Ground", canción que refleja memorias de su infancia, los recuerdos de su madre, es una canción bella con la que abre el disco. "Epilepsy Is Dancing" es un perfecto vals, esperanzador y sombrío. Con "One Dove" se cierra una trilogía de canciones con las que abre el disco, es un soul hermoso que suena a unas CocoRosie, con quienes trabajo en la canción Noah's Ark. De nuevo Antony retoma el recuerdo de su madre en "Kiss My Name", lo cual hace personal cada una de las canciones de este LP. La canción que da título al disco "The Crying Light", es absolutamente un homenaje a la música barroca, renacentista, es una bella melodía pop con tanta introspección y armonías, la letra es una especie de sentido de protección y conversación al Ego, es sin duda, el track mejor conseguido del disco. En "Another World" nos habla de manera elegante el hastío que existe y la pronta necesidad de hallar un lugar nuevo, un mundo nuevo el cual anidar, sin olvidar lo hermoso de este primitivo mundo en el que habitamos y infamemente hemos destruido. "Daylight And The Sun" es una canción que perfectamente pudo haber sido compuesta e interpretada por Nina Simone, vaya, es Nina Simone. Con "Aeon" percibimos una especie de canción folk, con toques de soul que me recuerda mucho los mejores años de Elton John en su Tumbleweed Connection, con canciones como "My Father's Gun", es sin duda, una joya. El disco cierra con "Everglade" un track que pareciera surgido de algún musical retorcido de la mente maestra de Tim Burton, que al final deja cierta esperanza en los corazones del individuo, en palabras más y/o palabras menos, este es un disco que vale la pena escuchar en tardes solitarias, con alguna copa de vino o simplemente viendo desde una ventana la lluvia caer.

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THE BQE- A Film By Sufjan Stevens

Un film dirigido por Sufjan Stevens, quien por cierto, también compuso la música la cual pronto estará por acá.

THE BQE - A Film By Sufjan Stevens from Asthmatic Kitty on Vimeo.

Dead Man's Bones - Dead Man's Bones

Aunque Ryan Gosling es más bien conocido como galán de películas y/o un buen actor joven, un buen día quiso unirse a su amigo Zach Shields (también actor, aunque menos conocido que el primero), para hacer una obra de teatro un tanto obscura, con la intención primordial de musicalizarla ellos mismos, por desgracia, los intentos fueron poco productivos, sin embargo, al final se quedaron con un buen catalogo de canciones las cuales decidieron utilizar para un proyecto independiente a su carrera como actores, el resultado fue Dead Man's Bones que no es más que el reflejo de sus retorcidos gustos infantiles, tanto musicales como cinematográficas, siendo estos tan dispares por bandas como The Misfits o Joy Division y con películas primordialmente de Zombies, Vampiros y Hombres Lobo. Su música es obscura e incluso barroca, utilizando instrumentos comunes como pianos, baterías, algunas guitarras acústicas, panderetas y el instrumento primordial que fue The Silverlake Conservatory of Music Children's Choir, así es, un coro infantil que le da ese aire tétrico y enfermizo al LP.

Como seguimos próximos a estas fechas de día de muertos, eh decidido entrar "musicalmente" en ambiente, por ello he decidido mostrarles algunos proyectos que tal vez no hablen del tema como tal, pero que si manejan una línea obscura que puede resultar interesante escuchar en estas fechas, por ello la idea de este disco, espero lo escuchen con demasiada mente abierta, tal vez no sea considerado por mí una joya, pero si es un ejercicio interesante que vale la pena escuchar y que al final del día sale bien librado de ese crossover de actores haciendo música. Para seguidores de The Arcade Fire, tal vez encuentren en este un disco más que interesante, aunque no esperen la energía de estos, sin menospreciarlos.

Pictures of You...

En un momento nos perdimos, estuvimos en la distancia aun estando cerca, nos enfrentamos el uno con el otro y nos dimos cuenta que solo habíamos perdido los dos, nunca existió un ganador; ahora, hace poco más de un mes que estamos juntos nuevamente, sin embargo, hoy es especial, porque oficialmente fue hace un mes que decidimos retomar esto que dejamos inconcluso, por orgullo, por miedos y por errores. Pero en fin, hoy solo puedo sentir estabilidad y mucha alegría porque estamos juntos, y aunque soy nefasto para esto del romanticismo, es algo que prometí cambiar.

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¡Gracias cachetes!

Soup&Skin - Lovetune For Vacuum

Un piano melancólicamente ejecutado, una voz desgarradoramente triste y unas letras rogando por misericordia piadosa y elegantemente interpretadas con algunos loops de computadora escondidos entre tracks, es lo que Anja Plaschg, de apenas 19 años de edad nos regala de manera sutil. Nacida en la pequeña Villa de Gnas, en el estado de Styria en Austria, invertía desde pequeña 12 horas del día practicando piano y violín clásico, lo cual le dio hoy en día una habilidad en estos instrumentos los cuales maneja con precisión y maestría, a los 16 años, decidió estudiar en la Academia de Bellas Artes de Viena, lapso en el que inicio grabando pequeñas demo que utilizo en su portal de MySpace, herramienta que le valió reconocimiento mundial y de T. Raumschmiere, reconocido de Techno-Punk quien invito a Anja a participar en un compilado de música electrónica de la disquera Shitkatapult, lo cual le dio mayor reconocimiento y empuje internacional.

Su música aunque es en piano y voz, no es música fácil de digerir tanto por el estilo interpretativo, como por las letras que aunque sean en veces un tanto comunes, resultan toda una experiencia enfermizamente depresiva al escucharla en la atormentada voz de Anja, con quienes pudiera emparentarla para más o menos describir su música es con unas CocoRosie en su primera etapa de su La Maison de Mon Rêve, aunque con un aire tétrico y obscuro completamente. Sus letras podría catalogarlas dentro de ese género surgido a finales del siglo XVIII entre Alemania y Reino Unido llamado "Romanticismo" con influencia enorme de Edgar Allan Poe, con tópicos comunes como el amor, pero viéndose desde un angulo sobrehumano, basado en sentimientos y emociones un tanto retorcidas, canciones dulces como "Sleep", "Thanatos", "Extinguish Me", "Fall Foliage" o "Spiracle". Aunque sus letras son interesantes, tambien resulta interesante escuchar sus canciones instrumentales como: "Turbine Womb", la tétrica "Marche Funäbre" o la completamente electrónica "DDMMYYYY". Soup&Skin es un proyecto que debe seguirse bien de cerca, porque estoy seguro que esta chica dará de que hablar, al menos por su apariencia, que a mi parecer da muchísimo mas miedo que el mismísimo Reverendo Manson, aunque tambien recuerda a Lydia, ese personaje entrañable personificado por Winona Ryder en el film de Tim Burton "Beetlejuice".

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Midtown Dickens - Oh Yell!

Lo que empezó como un dúo formado por Kym en la voz, guitarra, batería, banjo, trombón, trompeta, acordeón y bajo y Catherine en la misma cantidad de instrumentos, sumándole solamente la melódica y el piano, Midtown Dickens ha crecido después de haber editado este, su primer larga duración de nombre Oh Yell!, ahora son una especie de colectivo de cinco personas que sigue con la misma actitud e idea con la cual este dúo inicio. El sonido es lo que la crítica ha venido llamando anti-folk, a esa música con sonido country americano, pero con letras agridulces que reflejan tanto la conducta del americano, así como la mugre de su cultura, lo primordial en sus tracks son guitarras electroacústicas grabadas con cierto efecto de distorsión muy leve, que hacen un sonido low-fi, con arreglos de banjo, acordeón, harmónica, trompeta y melódicas que le dan cierta nostalgia americana, las voces grabadas a veces a la par y otras tantas grabadas en distintos tonos le aportan ese toque folk que en lo particular me agrada, sus voces no son precisamente las mejores del genero, e incluso seré honesto al decir que sus voces resultan un tanto gritonas después de un rato, sin embargo, lo que les falta en voz les sobra en actitud y sentimiento. Sus letras van desde historias de granjas, lo difícil que resulta buscar empleo, el amor a los videojuegos antiguos, el amor adolescente mal correspondido, cotidianeidades de la vida americana e incluso aquellas pequeñeces que para algunos pueden resultar absurdas, para este dúo son el tema perfecto para contar. Aunque es un LP que cuenta con ciertas fallas en su producción o que pareciera tenerlas, creo que es exactamente la intención de este dúo de Durham, North Carolina y solo por eso, este disco debe ser explícitamente escuchado.

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Jon Brion - Synecdoche, New York OST

Nuevamente Charlie Kaufman hace de las suyas en compañía de Jon Brion, esta vez, para un film existencialista, oscuro y tremendamente depresivo, según palabras del mismo Kaufman. Quienes han tenido la oportunidad ver las películas que Kaufman ha escrito (Being John Malkovich, Adaptation y Eternal Sunshine of the Spotless Mind), sabrán bajo que terrenos este personaje aborda al ser humano, con sus miedos, frustraciones, estancamientos profesionales, ambivalencias, alegrías y depresiones, entendiendo al "individuo" como un psicoanalista a su paciente. El maestro Brion deja nuevamente su inigualable marca musical, haciendo una música en ocasiones tétrica, en otras esperanzadora y en otras más, creando un caos sonoro, el mismo utilizado en la música de películas como Punch-Drunk Love y Eternal Sunshine Of The Spotless Mind, no queriendo decir con ello, que la música sea un plagio de sus trabajos anteriores, no, es más, en esta ocasión, Brion experimenta con sonidos electrónicos, con ProTools que anteriormente no había intentado y que le resultan interesantes. La música es mucho más orgánica, algunas melodías tan sencillas que ocupa simplemente o un piano acústico y una guitarra eléctrica completamente limpia, o bien una orquesta con sonidos tan sublimes y ambientales que complementan a la perfección las escenas del film; pero no todo en este Soundtrack es música instrumental, existe un track con la dulce voz de Deanne Storey, una reconocida cantante de Jazz que junto con Brion interpreta "Little Person", con una hermosa voz que se siente uno, como si estuviese en un bar escuchando a estos dos personajes, uno al piano y la otra a su lado cantando, esta canción es sumamente especial para algunas, ya que no solo Kaufman se arriesgo para dirigir esta, su primera película, sino que "Little Person", es también, su primera co-composición junto a Brion lo cual para los fans de estos dos, es un manjar que se disfruta y mucho.

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Karen O & The Kids - Where The Wild Things Are OST

Karen O no olvida sus raíces, menos su sonido punk el cual le sale por los poros aun cuando toma una guitarra acústica o un piano para hacer melodías un tanto más introspectivas y melancólicas, en esta ocasión deja un poco el huracán explosivo que es en Yeah Yeah Yeahs, para darnos un trabajo para una película de lo más esperada (al menos por mi), en primera, porque es un proyecto del cual se viene hablando desde hace ya un par de años, y que no se ha concretado en su totalidad por problemas entre el director de está (Spike Jonze) y su casa productora (Warner Bros.), ya que argumentaban que la edición mostrada en un principio resultaba demasiado "fuerte" para venderse como una película para niños, por ello, obligaron a Jonze a regrabar escenas de la película, hecho que no agrado al joven director por lo que unió fuerza con el escritor e ilustrador del cuento original, Maurice Sendak para hacer visualmente lo que este ultimo quería mostrar en este mágico cuento, pero me eh desviado del tema principal, el cual es la música de esta película. La música de Karen O resulta un viaje extrañamente mágico y con cierta nostalgia folk, con canciones acústicas que resultan esperanzadoras y con ese ánimo entre positivo y melancólico, con canciones como "Hidaway", o el magistral cover del clásico de Daniel Johnston "Worried Shoes", también el sencillo con el cual están dando difusión al disco, la divertida "All is Love", que es lo más próximo a los Yeahs. En ocasiones, algunos tracks me recuerda al trabajo que Kymia Dawson hizo en el soundtrack de Juno, aunque a mi parecer, le salió mejor a Karen O en canciones como: "Igloo", "Cliffs" y "Food is Still Hot", aunque la irreverencia de esta no se pierde en canciones divertidas como: "Capsize", "Rumpus", "Animal" y "Heads Up". Aunque es considerado un trabajo en solitario, es un trabajo en conjunto, con colaboraciones diversas de músicos como Brian Chase y Nick Zinner de su banda, Bradford Cox, el escuálido líder de Deerhunter, Dean Fertita de The Dead Weather y Jack Lawrence de The Raconteurs, tal vez esto, es lo que hace que este soundtrack este lleno de momentos de alegría, sensatez, madurez, melancolía y esperanza al por mayor, quien también aporta con un track instrumental y bello como él acostumbra, es Carter Burwell, músico de cabecera de Jonze, quien con "Lost Fur" nos regala un breve espacio de melancolía. En general, es un soundtrack que cumple expectativas, al menos las mías, que abarca varios sentimientos y que deja con un agradable sabor de boca al final del día.

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Koenjihyakkei - Angherr Shispaa

Aunque no me considero plenamente un fan del progresivo, incluso creo ser todo lo opuesto al género; al escuchar esta banda Japonesa, me sorprendí de manera mayúscula al escuchar los sonidos extraños y eclécticos que utilizan para crear su música, no es que sea música fuera de lo común, son melodías tan amables y redondas como la de cualquier otra canción pop, sin embargo, las voces son acompañadas y matizadas por un saxofón o clarinete, el cual no es más que un simple coro a la exquisita voz de Yamamoto Kyoko quien con su potente voz de soprano, deja atrás el sonido de cualquier otro instrumento, utilizando así su voz como un instrumento más en este ejercito sonoro. Los han considerado una banda de Avant-garde, Zeuhl el cual es una mezcla entre rock progresivo, rock sinfónico, neo-clasicismo, rock en oposición con elementos vocales afro-americanos y llamada-respuesta al estilo militar, es decir, una especie de opera esquizofrénica. Todos y cada uno de los miembros de Koenjihyakkei son virtuosos en su instrumento, Yoshida Tatsuya, líder y batería de la banda se luce como pocos bateristas lo hacen, con un sonido perfecto, una ejecución digna de ser aplaudida de pie y una grabación por encima de la excelencia, Tatsuya sabe cómo quiere que suene su batería, en qué momento debe sobresalir y cuando debe secundar, las canciones (en su mayoría), son tracks largos de duración, pero no por ello canciones aburridas, son canciones agiles que están en constante evolución sonora, transformando ambientes de caos perfectamente encuadrados. De momentos, uno se siente en un musical extraño y bizarro, de esos de Tim Burton, una especie de "Sweeney Todd" asiático y enfermo, en otras, se cree uno en un concierto de la Filarmónica de Jalisco improvisando canciones de Danny Elfman, algo que no se puede negar, es que aunque pareciera, su música es todo, menos cuadrada y aburrida, demostrándome que el "progresivo" no es tan malo después de todo, o será que esta banda es quien tiene luz propia. En Angher Shispaa encontramos el lado amable de la banda, con más tendencia a la improvisación Jazz y no tan inclinado al progresivo, con tintes de metal de bandas tipo Frank Zappa, incluso con cierto aire de Death Metal, es un disco que vale la pena escuchar y que se va como la mismísima agua, de manera sutil y fresca, realmente vale la pena escuchar a esta banda que incluso en algunos temas, crean ellos una especie de lengua o dialecto que utilizan para dar entonación a las melodías, e incluso este lo utilizan para darle titulo a los temas, es más o menos lo que Sigur Rós hizo en sus primeros materiales. Al disco, a pesar de ser del 2005, suena fresco y atemporal, tanto que estoy seguro que será música que nuestros hijos podrán escuchar y se sorprenderán igual o más de lo que nosotros nos sorprendemos al escucharlo.

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Fuck Her, or The Terrorists Win - Fuck Her, or The Terrorists Win EP

Mezclando un pop dulce, con melodías acústicas, loops electrónicos y sencillos cual teclado Casio y voces ambivalentes, que en ocasiones son amables y otras tantas exigentes, llega de Monterrey, México, una dúo formado por Roberto Polo, quien ha venido haciendo cosas en proyectos tan dispares como 60 Tigres, Mr. Racoon, Club Comfort y En Ventura; y por Roger Cámara, mejor conocido como Bul, quien participa prolíficamente en proyectos como Álbum, Los Re # y Zozaya Mariachi DJ. Ellos dos, al mero estilo Gibbard/Tamborello en The Postal Service, decidieron unir fuerza y hacer un EP divertido, con mucha influencia de la electrónica y del indie pop, aunque a mi gusto se inclina más al sonido característico de Bul en su proyecto Los Re #, la voz de Polo le da otro aire al proyecto. Es un disco que bien pudo haber sido hecho por Jimmy Tamborello, con las mismas herramientas utilizadas en cualquiera de sus tantos proyectos (Figurine, The Postal Service, Dntel, etc.), y no digo esto menospreciando el trabajo de estos dos chicos, que a mi parecer, suenan frescos, suenan con propuesta y con muchas influencias que van más allá de la banda que utilizo yo de base para que se den una idea de su sonido. Este es un EP que vale la pena escuchar no por ser un producto mexicano, sino por ser un proyecto perfectamente cuidado y bien hecho, con una producción que bien podría considerar como perfecta y porque estos son dos jóvenes propuestas que vienen haciendo bien las cosas, tanto en este, como en sus muchos otros proyectos alternos y que tal vez no se les ha dado la difusión necesaria, pero estoy seguro que es de esas bandas que empezaran a dar de que hablar.

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