Alec Ounsworth - Mo Beauty

Alec Ounsworth continua grabando y dándonos muestra de su talento, tanto dentro como fuera de Clap Your Hands Say Yeah y Flashy Python, esta vez con un disco indiscutiblemente intimo y personal, con la misma desvergüenza que nos da con su primer banda, pero con baladas más recónditas y encauzadas a los trabajos solistas que hiciera en su momento John Lennon. Es difícil no escuchar a Ounsworth y no atarlo con Clap Your Hands.., ya que las composiciones llevan el mismo patrón, la voz es rápidamente identificable (ese estilo entre gritón, desafinado y demasiado geek) a la primera. La música de este "Mo Beauty" lleva un sonido como el mismo titulo explícitamente expone, "más bonito", con influencia grande al jazz, a la música negra y en especial New Orleans, lugar donde grabó parte del disco e incluso la portada del disco es una fotografía tomada a las afueras de la tienda "Mo Beauty" en esta misma ciudad.

Este tal vez no sea el trabajo que cambiara a la industria de la música, e incluso sea un disimulado trabajo más de Clap Your Hands.., lo que sí, es que es un trabajo que se siente honesto, que está lleno de historias humildes, relatadas cual cantante de folk, de forma modesta y tierna cuando debe serlo, está perfectamente equilibrado en su tracklist, utilizando euforia y melancolía entre canciones, indicándonos que tal vez Alec Ounsworth no sea el mejor compositor o interprete contemporáneo, pero si es un sujeto con historias que contar y una sensibilidad que no se puede ignorar.

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Phoenix - Wolfgang Amadeus Phoenix

Después de su "It's Never Been Like That" del 2006, Phoenix se dedico a lidiar con el éxito de este, así como a vivir sus vidas independientes, algunos criando hijos, y otros experimentando con sonidos electrónicos los cuales utilizarían para este su cuarto álbum de estudio, el cual aunque tiene aires del antes mencionado "It's Never Been Like That", se escucha con mucha más experimentación en canciones como "Love like a Sunset", una canción épica dividida en dos que bien pudiera ser de unos Genesis del nuevo milenio, con un kilométrico intro que va in crescendo hasta darnos una explosión sonora, con sube y bajas que destruyen radicalmente y por completo el sonido no solo del disco, sino de la misma banda. El disco sabe más electrónico, aunque respetando su sonido orgánico, mismo sonido intencionalmente trabajado con Philippe Zdar, miembro del dúo francés Cassius quien mezcló gran parte del disco y fue parte primordial en la producción de este. Las guitarras son finas y perfectamente estudiadas tanto por Christian Mazzalai y Laurent Brancowitz, dejando por entendido que en la banda no existe una guitarra líder y otra que acompañe, porque en todas las canciones son exageradamente apreciables y sofisticadamente degustables, dándonos un trabajo que aunque repite la formula en cuanto a elaboración de canciones, este suena mucho más bailable, tirándole al House o al mentado Electro Rock de bandas como Does It Offend You, Yeah?.

En Wolfgang Amadeus Phoenix encontramos sonidos eufóricos y radiantes, alegres y llenos de optimismo, coquetos y con alma propia, que no necesitan ser aderezados por videos mega producidos, es un disco que de principio a fin satisface y te deja con un dulce sabor de boca, con temas que tal vez resulten irónicos como el mismo título del disco, que aunque pretenciosos, ellos conocen perfectamente sus carencias y es ahí donde juegan con ellas y nos divierten con canciones como la introductoria "Lisztomania", el primer sencillo del disco que fue "1901" con una intencionalmente desafinada voz de Thomas Mars que ha venido patentando, la magnética "Lasso" o las enteramente pop "Countdown (Sick For The Big Sun)", "Girlfriend" y "Armistice". Aunque Wolfgang Amadeus Phoenix fue editado en Mayo de este año, es un trabajo que pasara y desfilara el tiempo encima de él y seguirá sonando fresco, porque aunque no descubrieron o redescubrieron un sonido, es un pop que esta tan bien hecho, que suena fino y sofisticado que difícilmente se encuentra hoy en día.

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Blakroc - Blakroc

Este es un pedido especial de una banda que viste el jueves pasado en el "Late Show" de David Letterman y por eso me puse a buscar sobre el proyecto y resulto que conocía parte de él, pero no su totalidad. Pues bien, resulta que todo empieza con The Black Keys, un dúo de blues rock, medio lo-fi que editaron disco en el 2008 y que en mi particular punto de vista, no pasó a mayores (demasiado blues para mi gusto), aunque para la critica parece que fue todo un exitazo, pues estos chicos decidieron abarcar nuevos horizontes e hicieron algo radical, buscaron a colaboradores hip hoperos, entre ellos: Mos Def, Ol' Dirty Bastard de Wu-Tang Clan, Jim Jones de The Diplomats y la cantante de R&B Nicole Wray. Blakroc es un experimento de sonidos orgánicos formado de guitarras, baterías, bajos y ciertos instrumentos de viento con rimas groseras y completamente con mood de "gangsta" o "pimp".

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Sufjan Stevens - Songs for Christmas

Casi siempre que hablo de Sufjan me emociono más de la cuenta y es que algo que no puedo negar, es que soy un fan de su trabajo, sea como director de cortos, músico, maestro ascendido o como ser humano, y no quiere decir que predique su cristianismo, simplemente que su música me transmite mucha bondad que con solo ciertos artistas siento (contados con los dedos de una mano). Por ello y por las fechas en las que nos encontramos, es bueno recibir cierta "amabilidad" y de que mejor forma que con música dedicada a esta época, de la cual, aunque no soy muy seguidor y no por renegar del nacimiento de Cristo, sino por lo distorsionada que se ha venido celebrando estas fechas, resultando una fecha meramente comercial, pero bueno, dejemos atrás mis "filosofías" de vida y vayamos de lleno a la música.

En Noviembre del 2006, Stevens dejo a un lado esa meta de crear un disco por cada uno de los 50 estados, de la Unión Americana y junto con sus "illinoise makers", grabó una serie de canciones relacionadas a la Navidad, algunos viejos villancicos con un noble apretón de tuercas y canciones creadas por Stevens, contándonos historias navideñas, algunas vividas, otras inventadas y otras tantas tomadas de relatos y personajes bíblicos, el resultado, como la gran mayoría de trabajos del artista, es impecable en su producción y sonido, y aunque no esté tan meticulosamente estudiado, es al final del día un trabajo muy bien cuidado en su ejecución, ingeniería de sonido y producción, con canciones que bien pudieran ser parte de cualquiera de las obras de este nuevo genio musical. Los ambientes son melancólicos, nostálgicos, vivenciales, algunas veces de dicha y otras no tanta, pero dejando un trabajo enorme que ni en sueños oscila entre lo ordinario y/o cursi, es un trabajo de lo más real, que se siente y que se abraza cual amigo o familiar en estas fechas.

"Songs for Christmas" es un trabajo sencillo que no nos muestra más de lo que puede dar, no es un disco pretencioso que se ideo en un principio para no comercializarse, incluso empezó como regalo que podían descargar solo los fans del artista en la Navidad del 2006. Estoy seguro que Sufjan tal vez no será reconocido en las décadas venideras como el genio que es, pero también estoy seguro que seguirá haciendo su pequeño sequito de seguidores que le serán fieles incluso cuando haga trabajos que estén en contra de sus propios principios, pero mientras eso sucede, disfruten de él.

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Imelda May - Love Tattoo

El segundo LP de Imelda May, "Love Tattoo" editado en el 2008, es una mezcla de sonidos de antaño que suenan demasiado domesticado a estas fechas, robándole un poco la emoción que se sentía al escuchar esas viejas bandas de Rockabilly que la mayoría se dejaba llevar con una incesante batería que marcaba un sencillo "pa tu pa, tu tu pa" con la tarola, unas guitarras chillantes y veloces que acompañaban el compas del anterior instrumento y voces de féminas que enamoraban y en su mayoría nos cuentan historias sexozas. Imelda abarca también, los dulces terrenos del swing, blues y del jazz que en ocasiones recuerda a una simplona Diana Krall o una insípida Fiona Apple, aunque May es una mujer con potente voz que ocupa a su antojo. A mi parecer, "Love Tatto" es un disco demasiado bien cuidado, lo cual no necesariamente sea un cumplido, tomando en cuenta que el Rockabilly es un sonido urbano, que al igual que el Blues no requieren de arreglos sofisticados o minuciosamente estudiados, sin embargo, es un LP que vale la pena escuchar y que estoy seguro que es de esos trabajos que al final no solo te gusta a ti, sino también a algún adulto que por accidente lo escuche.

At the Drive-In - Relationship of Command

Era una época en la que la música sufría una horrible metamorfosis tras dejar atrás al punk-grunge que nos dieron bandas como Nirvana, Mudhoney, Soundgarden y un sinfín de bandas de principios de los noventas, y el abominable Nu Metal que tomo fuerza (comercial) a mediados y finales de esa misma década con bandas como Korn, Limp Bizkit, In Cubus, Chevelle, entre otras. Las descargas electrónicas empezaban a hacer de las suyas gracias a paginas como Napster y dejaban relegada la intención (si la había), de comprar un LP de manera física, la música se encontraba en un pequeño "limbo" del cual debía salir a flote (por desgracia, era el auge también de las "boy bands" que no ayudaban mucho) urgentemente, sin embargo cinco chicos de El Paso, Texas, decidieron experimentar, musical y escénicamente hablando, demostrándole a muchos, que no se necesitaba de fuegos pirotécnicos o enormes globos con forma de demonios que ambientalizarán a la audiencia, At The Drive-In se centro en primer lugar a hacer música y en cada EP y LP educar mas su sonido, hasta llegar al clímax (y por desgracia, conclusión) de su carrera con este, su tercer y último trabajo en estudio de nombre "Relationship of Command" editado en el 2000 por Grand Royal Records, una de las primeras disqueras "independientes" que empezaban a editar artistas que arriesgaban en su sonido.

Relationship of Command es un trabajo que a ya casi diez años de haber sido concebido, suena a nuevo, evolucionado y completamente crudo; producido por el hombre de moda en su época (Ross Robinson) y cuidado a más no poder en cuanto a ejecución de instrumentos, ingeniería de sonido, voces e invitados [Iggy Pop hace coros en "Rolodex Propaganda" y "Enfilade"], capturando a la perfección la esencia de la banda en directo, con toda esa rabia, desfachatez y a la vez, melancolía transformada en agresión que logro a la fecha patentar Cedric, los adornos disonantes que solo a Omar Rodríguez se le escuchan bien con la perfecta ayuda que le daba Jim Ward, creando al menos tres o cuatro importantes himnos que bien podrian ser de batalla y que abrieron puertas para las miles de bandas que hoy en día escuchamos. Para la generación que como en la cual me incluyo, vio derrumbarse al grunge, este LP fue un respiro de aire fresco que oxigenó la conciencia de miles, porque aun sin pretenderlo, este disco ya pasó y pasará a la historia, no solo del Rock, sino de la música en general, porque sé que vendrán generaciones que al escuchar "Relationship of Command" sentirán la misma ira que sentimos en el 2000, cuando nos dijeron que el mundo colapsaría y las computadoras sencillamente dejaría de funcionar [el famoso Y2K]. El disco que revoluciono el sonido de la música independiente para convertirla en algo indescriptible e imposible de etiquetar, porque nos sonaba punk, pero era demasiado hard core, y era demasiado experimental para ser emo, simplemente uno de los mejores discos producidos en esta década (si es que empezamos a tomar esta nueva década desde el 2000) o de la década pasada (si empezamos a contar desde el 2001 al 2010) y que difícilmente ha podido ser igualado por los mismos artistas en sus nuevos proyectos.

Por ello, cuando se hable de música independiente, fielmente se debe hacer mención de al menos Pixies, Sonic Youth y At The Drive-In.

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Think About Life - Family

Uno más de esos discos relegados y no considerados en estas ya acostumbradas listas de "lo mejor del año" es sin duda, "Family" de Think About Life, aunque el disco es intensamente sencillo y suena divertido de principio a fin, no logro una fuerte seducción por parte de la gente, lo cual no le resta ni calidad, menos talento, porque si de algo deben enaltecerse estos canadienses, es el fabuloso talento que tienen para crear melodías que van desde un funk, soul cesante, música disco y demás ritmos que hacen que de una u otra manera acabes moviendo cierta parte del cuerpo (incluso a mí que soy un tieso). Sus influencias van muy atadas también a la electrónica y se nota en su trabajo final, utilizando (aunque muy etéreamente), elementos como loops y samples que le dan otro toque especial a la banda. Family es un LP publicado apenas en Mayo de este año que concluye, que nos da un considerable agasajo de sonidos orgánicos y electrónicos que dan un excelente sabor de boca, tras escuchar los diez tracks que conforman este disco y gran parte de este logro se da por Graham Van Pelt [Teclado], quien tras trabajar anteriormente como Ingeniero de Sonido y Productor de un gran número de bandas independientes de Montreal, aprovecho toda esa práctica para darnos el resultado final en "Family".

La portada del disco es el perfecto reflejo del sonido incluido en este, es una mezcolanza de razas, sonidos y colores que amenizan, entretienen y motivan a la fiesta y al desestrés. Si eres entusiasta a bandas del estilo de The Go! Team, The Rapture, Passion Pit o Black Kids, seguro con Think About Life te encontraras que "pensar en la vida" es una labor enmarañada, pero con música, todo se compensa. Actualmente se hicieron algunos cambios en la alineación, dejando la banda Matt Shane [Batería], para darle lugar a Greg Napier de Special Noise y Caila Thompson-Hannant [Bajo y Vox], quien ya había pasado por este blog con su otra banda Shapes & Sizes.

-Graham Van Pelt, Martin Cesar y Matt Shane-

-Caila Thompson-Hannant, Greg Napier, Graham Van Pelt y Martin Cesar-

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The Wave Pictures- If You Leave It Alone

Aunque en muchos sitios "especializados" se empieza a hablar ya de "lo mejor" de este año que se va (¡por fin!), son muchísimos los lugares que siquiera mencionan el "If You Leave It Alone", editado apenas en Junio de este año y que aunque es un cambio en el sonido de The Wave Pictures, es un disco que vale la pena escuchar y disfrutar, porque sus historias son cotidianas, sombrías, melancólicas y como en la vida misma, con ciertos destellos de luz. Aunque el sonido de este LP se inclina mas al lado folk, no es un disco aburrido, tal vez melancólico y eso, por la desentonada voz de David Tattersall que aun escribiendo letras dulces, al salir de su boca parecen desafortunados hechos de la vida. La banda se ayuda en su sonido por instrumentos orgánicos y característicos del folk como trompetas, clarinetes, saxofón, banjo y harmónica que le dan un aire entre escocés e irlandés que se disfruta y agradece.

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Russian Red - I Love You Glasses

Lourdes Hernández es una madrileña de apenas 23, que ha conquistado miles de corazones en no solo su natal España, sino en gran parte del mundo, gracias en parte, a ese monstruo enorme que es el MySpace, y en parte también, a las dulces y sencillas melodías creadas por esta artista, regalándonos un sonido que se nutre del folk americano a más no poder, con indiscutibles influencias de Joni Mitchell tanto en la dulce interpretación, como en la composición de canciones, aunque para muchos pueda resultar demasiado "chillona", tirándole a cursi la voz de Lourdes, es sin duda, un excelente experimento sonoro que no arriesga mucho y se va mas por el lado de sonidos básicos y elementales, que se preocupa más, por la historia que tiene que contarnos y no tanto por los excesivos arreglos que pueda tener cada canción. "I Love Your Glasses" del 2008, es un LP dulce y melancólico de principio a fin, contándonos historias que no solo le ocurren a chicas de la edad de Lourdes, sino a cualquier individuo que experimente el amor, desamor, melancolía o la extraña sensación de simplemente vivir. El nombre del proyecto [Russian Red], le vino a Lourdes después de escoger ese color de tono para los labios, el cual irónicamente es su preferido y el cual es común dentro de sus accesorios femeninos.

El disco es perfecto para estos días de invierno, en los que no apetece más que estar en casa, acompañado de esa persona especial o simplemente viendo las nubes desde tu ventana, es un disco que a muchos aburrirá y que en otros dejara algo, tal vez no la canción más importante de sus vidas, pero si un trabajo honesto que siempre se vale reconocer y que promete un futuro cierto y prometedor.

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I Was a King - I Was a King

Unos Dinosaur Jr. de la nueva generación, con una voz más dulce que la del mismísimo J Mascis, emparentada más a la de Kevin Shield (My Bloody Valentine) y con letras que abordan los miles de problemas y conflictos que cualquier adolescente promedio tiene. Desde Oslo, Noruega, nos llega I Was a King, una banda con sonidos viejos del shoegaze y distorsionados del noise-pop, que con este, su segundo LP editado a principios de este año que esta por irse (2009), muestran una cierta madurez y aunque su sonido es el mismo, en este trabajo se escuchan mejor producidos y no tan lo-fi, como en su primer trabajo. Sus influencias resultan evidentes de descubrir, son shoegaze hasta el espinazo y dulces en exceso, beben de los dulces licores que dejaron My Bloody Valentine y se emborrachan hasta vomitar guitarras con sonido Dinosaur Jr., para despertar con resaca de Teenage Fanclub.

Lo maravilloso de I Was a King son sus canciones cortas, que se van como el vino al beberlo, que aunque la canción más larga del LP es "It's All You" (con introducción en piano), cada canción tiene su característica razón de ser, son individuales, son pequeños componentes con funciones propias que al juntarse forman un todo, pero que al estar separadas, pueden trabajar solas. Para quienes extrañan el sonido My Bloody Valentine, sin mezclar la electrónica con el shoegaze como estos mismos lo hicieran con su "Loveless", I Was a King es una banda que hace ruido, pero lo domestica de una manera dulce y sofisticada. El disco está lleno de extrañas y diversas colaboraciones, que van desde Emil Nikolaisen (de sus compatriotas noruegos Serena Maneesh), Sufjan Stevens, Daniel Smith (de Danielson) y Gary Olson (de Ladybug Transistor), grabado en la "Marlborough Farms" en Brooklyn, Nueva York, y mezclado por Nick Terry quien anteriormente trabajo con The Libertines y Klaxons.

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