Midtown Dickens - Oh Yell!

Lo que empezó como un dúo formado por Kym en la voz, guitarra, batería, banjo, trombón, trompeta, acordeón y bajo y Catherine en la misma cantidad de instrumentos, sumándole solamente la melódica y el piano, Midtown Dickens ha crecido después de haber editado este, su primer larga duración de nombre Oh Yell!, ahora son una especie de colectivo de cinco personas que sigue con la misma actitud e idea con la cual este dúo inicio. El sonido es lo que la crítica ha venido llamando anti-folk, a esa música con sonido country americano, pero con letras agridulces que reflejan tanto la conducta del americano, así como la mugre de su cultura, lo primordial en sus tracks son guitarras electroacústicas grabadas con cierto efecto de distorsión muy leve, que hacen un sonido low-fi, con arreglos de banjo, acordeón, harmónica, trompeta y melódicas que le dan cierta nostalgia americana, las voces grabadas a veces a la par y otras tantas grabadas en distintos tonos le aportan ese toque folk que en lo particular me agrada, sus voces no son precisamente las mejores del genero, e incluso seré honesto al decir que sus voces resultan un tanto gritonas después de un rato, sin embargo, lo que les falta en voz les sobra en actitud y sentimiento. Sus letras van desde historias de granjas, lo difícil que resulta buscar empleo, el amor a los videojuegos antiguos, el amor adolescente mal correspondido, cotidianeidades de la vida americana e incluso aquellas pequeñeces que para algunos pueden resultar absurdas, para este dúo son el tema perfecto para contar. Aunque es un LP que cuenta con ciertas fallas en su producción o que pareciera tenerlas, creo que es exactamente la intención de este dúo de Durham, North Carolina y solo por eso, este disco debe ser explícitamente escuchado.

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Jon Brion - Synecdoche, New York OST

Nuevamente Charlie Kaufman hace de las suyas en compañía de Jon Brion, esta vez, para un film existencialista, oscuro y tremendamente depresivo, según palabras del mismo Kaufman. Quienes han tenido la oportunidad ver las películas que Kaufman ha escrito (Being John Malkovich, Adaptation y Eternal Sunshine of the Spotless Mind), sabrán bajo que terrenos este personaje aborda al ser humano, con sus miedos, frustraciones, estancamientos profesionales, ambivalencias, alegrías y depresiones, entendiendo al "individuo" como un psicoanalista a su paciente. El maestro Brion deja nuevamente su inigualable marca musical, haciendo una música en ocasiones tétrica, en otras esperanzadora y en otras más, creando un caos sonoro, el mismo utilizado en la música de películas como Punch-Drunk Love y Eternal Sunshine Of The Spotless Mind, no queriendo decir con ello, que la música sea un plagio de sus trabajos anteriores, no, es más, en esta ocasión, Brion experimenta con sonidos electrónicos, con ProTools que anteriormente no había intentado y que le resultan interesantes. La música es mucho más orgánica, algunas melodías tan sencillas que ocupa simplemente o un piano acústico y una guitarra eléctrica completamente limpia, o bien una orquesta con sonidos tan sublimes y ambientales que complementan a la perfección las escenas del film; pero no todo en este Soundtrack es música instrumental, existe un track con la dulce voz de Deanne Storey, una reconocida cantante de Jazz que junto con Brion interpreta "Little Person", con una hermosa voz que se siente uno, como si estuviese en un bar escuchando a estos dos personajes, uno al piano y la otra a su lado cantando, esta canción es sumamente especial para algunas, ya que no solo Kaufman se arriesgo para dirigir esta, su primera película, sino que "Little Person", es también, su primera co-composición junto a Brion lo cual para los fans de estos dos, es un manjar que se disfruta y mucho.

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Karen O & The Kids - Where The Wild Things Are OST

Karen O no olvida sus raíces, menos su sonido punk el cual le sale por los poros aun cuando toma una guitarra acústica o un piano para hacer melodías un tanto más introspectivas y melancólicas, en esta ocasión deja un poco el huracán explosivo que es en Yeah Yeah Yeahs, para darnos un trabajo para una película de lo más esperada (al menos por mi), en primera, porque es un proyecto del cual se viene hablando desde hace ya un par de años, y que no se ha concretado en su totalidad por problemas entre el director de está (Spike Jonze) y su casa productora (Warner Bros.), ya que argumentaban que la edición mostrada en un principio resultaba demasiado "fuerte" para venderse como una película para niños, por ello, obligaron a Jonze a regrabar escenas de la película, hecho que no agrado al joven director por lo que unió fuerza con el escritor e ilustrador del cuento original, Maurice Sendak para hacer visualmente lo que este ultimo quería mostrar en este mágico cuento, pero me eh desviado del tema principal, el cual es la música de esta película. La música de Karen O resulta un viaje extrañamente mágico y con cierta nostalgia folk, con canciones acústicas que resultan esperanzadoras y con ese ánimo entre positivo y melancólico, con canciones como "Hidaway", o el magistral cover del clásico de Daniel Johnston "Worried Shoes", también el sencillo con el cual están dando difusión al disco, la divertida "All is Love", que es lo más próximo a los Yeahs. En ocasiones, algunos tracks me recuerda al trabajo que Kymia Dawson hizo en el soundtrack de Juno, aunque a mi parecer, le salió mejor a Karen O en canciones como: "Igloo", "Cliffs" y "Food is Still Hot", aunque la irreverencia de esta no se pierde en canciones divertidas como: "Capsize", "Rumpus", "Animal" y "Heads Up". Aunque es considerado un trabajo en solitario, es un trabajo en conjunto, con colaboraciones diversas de músicos como Brian Chase y Nick Zinner de su banda, Bradford Cox, el escuálido líder de Deerhunter, Dean Fertita de The Dead Weather y Jack Lawrence de The Raconteurs, tal vez esto, es lo que hace que este soundtrack este lleno de momentos de alegría, sensatez, madurez, melancolía y esperanza al por mayor, quien también aporta con un track instrumental y bello como él acostumbra, es Carter Burwell, músico de cabecera de Jonze, quien con "Lost Fur" nos regala un breve espacio de melancolía. En general, es un soundtrack que cumple expectativas, al menos las mías, que abarca varios sentimientos y que deja con un agradable sabor de boca al final del día.

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Koenjihyakkei - Angherr Shispaa

Aunque no me considero plenamente un fan del progresivo, incluso creo ser todo lo opuesto al género; al escuchar esta banda Japonesa, me sorprendí de manera mayúscula al escuchar los sonidos extraños y eclécticos que utilizan para crear su música, no es que sea música fuera de lo común, son melodías tan amables y redondas como la de cualquier otra canción pop, sin embargo, las voces son acompañadas y matizadas por un saxofón o clarinete, el cual no es más que un simple coro a la exquisita voz de Yamamoto Kyoko quien con su potente voz de soprano, deja atrás el sonido de cualquier otro instrumento, utilizando así su voz como un instrumento más en este ejercito sonoro. Los han considerado una banda de Avant-garde, Zeuhl el cual es una mezcla entre rock progresivo, rock sinfónico, neo-clasicismo, rock en oposición con elementos vocales afro-americanos y llamada-respuesta al estilo militar, es decir, una especie de opera esquizofrénica. Todos y cada uno de los miembros de Koenjihyakkei son virtuosos en su instrumento, Yoshida Tatsuya, líder y batería de la banda se luce como pocos bateristas lo hacen, con un sonido perfecto, una ejecución digna de ser aplaudida de pie y una grabación por encima de la excelencia, Tatsuya sabe cómo quiere que suene su batería, en qué momento debe sobresalir y cuando debe secundar, las canciones (en su mayoría), son tracks largos de duración, pero no por ello canciones aburridas, son canciones agiles que están en constante evolución sonora, transformando ambientes de caos perfectamente encuadrados. De momentos, uno se siente en un musical extraño y bizarro, de esos de Tim Burton, una especie de "Sweeney Todd" asiático y enfermo, en otras, se cree uno en un concierto de la Filarmónica de Jalisco improvisando canciones de Danny Elfman, algo que no se puede negar, es que aunque pareciera, su música es todo, menos cuadrada y aburrida, demostrándome que el "progresivo" no es tan malo después de todo, o será que esta banda es quien tiene luz propia. En Angher Shispaa encontramos el lado amable de la banda, con más tendencia a la improvisación Jazz y no tan inclinado al progresivo, con tintes de metal de bandas tipo Frank Zappa, incluso con cierto aire de Death Metal, es un disco que vale la pena escuchar y que se va como la mismísima agua, de manera sutil y fresca, realmente vale la pena escuchar a esta banda que incluso en algunos temas, crean ellos una especie de lengua o dialecto que utilizan para dar entonación a las melodías, e incluso este lo utilizan para darle titulo a los temas, es más o menos lo que Sigur Rós hizo en sus primeros materiales. Al disco, a pesar de ser del 2005, suena fresco y atemporal, tanto que estoy seguro que será música que nuestros hijos podrán escuchar y se sorprenderán igual o más de lo que nosotros nos sorprendemos al escucharlo.

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Fuck Her, or The Terrorists Win - Fuck Her, or The Terrorists Win EP

Mezclando un pop dulce, con melodías acústicas, loops electrónicos y sencillos cual teclado Casio y voces ambivalentes, que en ocasiones son amables y otras tantas exigentes, llega de Monterrey, México, una dúo formado por Roberto Polo, quien ha venido haciendo cosas en proyectos tan dispares como 60 Tigres, Mr. Racoon, Club Comfort y En Ventura; y por Roger Cámara, mejor conocido como Bul, quien participa prolíficamente en proyectos como Álbum, Los Re # y Zozaya Mariachi DJ. Ellos dos, al mero estilo Gibbard/Tamborello en The Postal Service, decidieron unir fuerza y hacer un EP divertido, con mucha influencia de la electrónica y del indie pop, aunque a mi gusto se inclina más al sonido característico de Bul en su proyecto Los Re #, la voz de Polo le da otro aire al proyecto. Es un disco que bien pudo haber sido hecho por Jimmy Tamborello, con las mismas herramientas utilizadas en cualquiera de sus tantos proyectos (Figurine, The Postal Service, Dntel, etc.), y no digo esto menospreciando el trabajo de estos dos chicos, que a mi parecer, suenan frescos, suenan con propuesta y con muchas influencias que van más allá de la banda que utilizo yo de base para que se den una idea de su sonido. Este es un EP que vale la pena escuchar no por ser un producto mexicano, sino por ser un proyecto perfectamente cuidado y bien hecho, con una producción que bien podría considerar como perfecta y porque estos son dos jóvenes propuestas que vienen haciendo bien las cosas, tanto en este, como en sus muchos otros proyectos alternos y que tal vez no se les ha dado la difusión necesaria, pero estoy seguro que es de esas bandas que empezaran a dar de que hablar.

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Does It Offend You, Yeah? - You Have No Idea What You're Getting Yourself Into

Con un sonido característico de ese electro de manufactura inglesa que en partes recuerda los mejores años de unos Chemical Brothers con actitud, unas guitarras al mero estilo dance-punk e incluso un poco de New Rave, estos chicos mezclan a la perfección sonidos electrónicos, pro-tools, samples, etc., con guitarras saturadas de distorsión, pero que al final son elegantemente niveladas. Desde Reading, Berkshire, UK, llega Does It Offend You, Yeah?, cuyo nombre fue tomado de una frase dicha en una serie inglesa llamada "The Office", es una banda que descubrí hace un par de años y me pareció más que tener actitud, una propuesta fresca; esa misma que sentí con el primer disco de Bloc Party, puede que su frescura tenga que ver en parte, a sus canciones con ese gancho pegajoso que te mueven por alguna u otra razón, esas canciones tan comunes que no emplean palabras "sofisticadas" o mensaje alguno, son letras directas que reflejan lo que puede vivir cualquiera, el amor, desamor, e incluso ese gusto por las película de "Serie B", como "Dawn of the Dead" o "Weird Science", de las cuales aportan canciones con ese mismo título. Aunque podrían ser catalogados como una banda de Electro, el disco tiene también ciertas canciones acidas y disonantes, con instrumentos reventados que se acercan más a un New Rave o a un Dance-Punk, con influencias que pueden ir desde los antes mencionados "hermanos químicos", como a The Faint, The Rapture, Death From Above 1979, incluso de esta ultima banda, Sebastien Grainger apoyo a la banda con las voces en "Let's Make Out".

You Have No Idea What You're Getting Yourself Into es un disco ágil, que puede ser escuchado de una sola vez y disfrutarse como tal, no es complicado, es extremadamente digerible y puedo considerarlos como una promesa para este 2010, cuando editen su segundo LP que tiene como nombre tentativo "Don't Say We Didn't Warn You". Canciones que deben ser escuchadas a todo volumen y que realmente valen la pena son: With a Heavy Heart (I Regret to Inform You), We Are Rockstars, Doomed Now, la extremadamente loca Attack of the 60 ft Lesbian Octopus, Being Bad Feels Pretty Good y sin duda, mi preferida hasta este momento de la banda, la sublime Epic Last Song. Si aun no conoces a esta divertida banda del Reino Unido, es la oportunidad perfecta de escucharlos, prometo no te defraudaran.

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Hot Panda - Volcano... Bloody Volcano

Nuevamente una banda canadiense más se suma a las muchas que han venido apareciendo en este blog, demostrando que vale la pena voltear a ese país del norte y escuchar las muchas tendencias musicales que se han fermentado a partir del inicio de este nuevo milenio, dejando atrás (y por mucho), a los americanos. Ellos son Hot Panda, formado por Chris Connelly (guitarra/voces), Heath Parsons (guitarra/acordeón/teclado), Maghan Campbell (batería), y Keith Olsen (bajo), creando este experimento pop, con tintes, unas veces oscuros, otras un poco más luminosos e infantil y otras tantas con un sonido retro, en parte por el teclado de Parson y la voz de Connelly, aun cuando son una banda "joven", su sonido es más bien una especie de "tiendita de antigüedades" acercándose más a bandas como Beach Boys e incluso a unos The Beatles, en su etapa del "Magical Mystery Tour" o del "Yellow Submarine". Ellos exploran sonidos cuadrados, con guitarras cortadas, voces gritonas e infantiles cual berrinche de niño malo, coros colectivos hechos por todos los integrantes que al final resultan memorables, una batería que si bien, no suena radical, está muy bien cuidada y ejecutada por la parte femenina de la banda. Al final del día, descubres que aun cuando es la primera escucha del disco, ya te es familiar, porque son melodías atinadas que rememoran con fuerza y orgullo, un sonido que no a muchos les resulta.

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Ratatat - Discography

Mike Stroud y Evan Mast un buen día decidieron juntarse para hacer musica propia, despues de varios remixes hechos a bandas y artistas importantes como Bjork, Interpol, Franz Ferdinand, Clinic o The Killers. Asi, Ratatat vio la luz en el 2001 con meramente guitarras, bajo y un sintetizador que servia de base ritmica en el sonido de este duo neoyorquino con influencia directa de Daft Punk, y aunque en un principio, eran considerados como copia de esta ultima banda, han demostrado una evolución desde sus primeros remixes y LP, hasta su ultimo LP3.

Su musica abarca sonidos como la electronica, el house e incluso los muy clavados en las texturas, los han considerado una banda con tintes de post-rock, termino que a veces entiendo, aunque no podria considerarlos tan de lleno como tal, ya que sus influencias estan mas encaminadas a la electronica, e incluso sus discos remixes van más por el hip hop electronico. En si, ellos son una banda organica que a pesar de utilizar sintetizadores y computadoras, no dejan atras los sonidos comunes, con instrumentos como guitarras electricas, bajos e incluso en su ultimo LP3, se arriesgaron mas utilizando guitarras acusticas y percusiones, acercandose más al sonido post-rock electronico que en algunos lugares vienen definiendo su musica, lo cierto es, que su musica es agil, divertida y que efectivamente ha venido mostrando una evolución sonora.

Extrañamente me pasa algo bien curioso con esta banda, de sus tres LP's soy fan de sus ultimas canciones, es decir, del disco Ratatat del 2004, soy fan de "Cherry", el track once del disco, que es una especie de canción house, con tintes downtempo bien ricos. Del disco Classics del 2006, soy gran fan de "Tacobel Canon", una especie de oda a la pieza clasica [ojo del porque del titulo del disco], que hiciera famoso Pachelbel y por ultimo, del LP3, el track trece, "Black Heroes" es una hermosa canción de batalla epica que cierra a la perfección el disco.

Download Ratatat

Download Classics

Download Remixes Mixtape Vol. 1

Download 9 Beats

Download Remixes Mixtape Vol. 2

Download LP3

Figurine - The Heartfelt

Calma, esperanza y amor, son los adjetivos perfectos para éste (de tantos), proyecto que Jimmy Tamborello [James Figurine] nos regaló junto con Meredith Figurine y David Figurine, por allá del 2001 y re-editado en el 2005. The Heartfelt está lleno de optimismo, de sonidos amables y alegres que transmiten esos mismos sentimientos desde la primera nota de "International Space Station II", si algo puedo decir sobre Tamborello, es que es un genio utilizando computadoras y pro-tools, que suenan completamente orgánicos tras mezclarlos con guitarras eléctricas y voces completamente matizadas y tenues. "IMpossible" es otra canción "bonita", de esas que tal vez suenen exageradamente melosas, pero también son una especie de brisa de aire fresco en la cara, con las voces de Meredith y James complementadas perfectamente. El disco tiene sus ratos de electrónica, otros tantos de Downtempo y esa mezcla de guitarras eléctricas y acústicas le dan ese aire de Indietronica, que es la especialidad de la casa Tamborello. Es a mi parecer un disco perfecto para estos días nublados, en los que el sol decide esconderse un rato y las nubes asoman sus narices.

En resumen, es un disco hermoso que merece ser escuchado y disfrutado por la mayor cantidad de personas, es directo y sin tanta excentricidad sonora.

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The Joy Formidable - A Balloon Called Moaning

"All these things about me you never can tell
You make me sleep so badly, invisible friend"

Ya con un rato participando en festivales importantes como el Reading & Leeds Festivals o el Latitude Festival y con la ayuda de solo un sencillo "Austere", sin contar con LP de soporte, estos galeses decidieron editar su primer LP de nombre "A Balloon Called Moaning" a principios de este año [2009] y con un sonido de guitarras, fresco, orgánico y con mucho feedback implícito, todo esto bajo la dulce memoria de unos My Bloody Valentine, nos entregan un disco que tal vez no resulte ser toda una joya, pero si un producto bien cuidado, armonioso, con voces dulces y saturación elegante de guitarras, que para los amantes de la banda antes mencionada, será un manjar sonoro de principio a fin.

Con solo ocho tracks, "A Ballon Called Moaning" es atrayente desde su inicio, con "The Greatest Light Is The Greatest Shade", convierten una canción pop en una pieza shoegaze que respira y transpira distorsión en las guitarras de forma elegante, con esa voz que recuerda a Bilinda Butcher o a una Kim Deal entonada. "Cradle" es el perfecto ejemplo del shoegaze que extraño, que incluso bandas como The Raveonettes me han venido quedando a deber, que al escucharla no sabes si estas ante una canción pop con distorsión o en una shoegaze demasiado fresa. En "While The Flies", suenan emblemáticos, con unos coros épicos que parecieran sacados de un momento importante en la vida de alguien, aunque parecieran canciones cuadradas, tienen vida propia, se alimentan de ellos mismos y aprenden también de ellos mismos, el manejo de voces fémina/masculino es interesante y divertido. "Whirring" maneja la misma energía empleada en "Cradle", con una agilidad sonora que entretiene y que nunca aburre, esa que te mueve por una u otra razón. "9669" es la pieza balada del disco que tal vez no brille con la misma intensidad que las demás canciones, pero es a mi gusto, una pieza importante en el eslabón que resulta ser "A Ballon Called Moaning".

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Eagle and Talon - Thracian

Un dúo de chicas con ese sonido desertado en los 90's, de guitarras distorsionadas e interrumpidas, con voces amables pero con cierta desesperanza en sus letras; utilizando meramente para la creación de su música en un principio, la imaginación, una guitarra eléctrica, una batería y un pequeño teclado casio, estas chicas emprenden a hacer ruido de forma atrayente, agradable y elegantemente bien estructurado. Ellas saben perfectamente sus insuficiencias musicales y aunque de repente suenan innegables, no dejan de forjar una música bien trabajada, sin pretensión alguna ni parafernalia extra, su sonido es elemental e incluso podría decirse que "rudimentario", utilizando esta expresión como un neto cumplido, ya que son una banda que vale la pena dar oídos con atención, que tal vez no traten un cargado cambio de ritmos, pero juegan perfectamente con sus voces, las cuales embonan afinadamente con esas guitarras exquisitamente atiborradas de distorsión.

Kim Talon [vocal/guitarra], inicio escribiendo música en condiciones árticas en su ciudad natal, lo que la hizo buscar lugares mas cálidos, dejando a sus dieciocho Winnipeg, Manitoba, para vivir un tiempo en New York, donde también inicio carrera como bailarina de tap, viajando mas tarde a Los Angeles, CA., donde conoce a Alice Talon [bateria/teclado], quien abandono a precoz edad sus estudios de piano clásico, compartiendo historia con Kim, al dejar Cleveland para residir en Taiwán por un tiempo, donde empezó a tocar la batería y fue en 2006 que junto con Kim formaron Eagle and Talon, logrando un EP llamado Eagle and Talon Cares EP para posteriormente, en Junio del 2009 editaran este, su primer LP de nombre Thracian, en el cual manejaron un sin fin de instrumentos raros que se aprecian agradables al oído.

Su música incluye distintos géneros que van desde un amable Pop, rebose de guitarras que se arriman al Noise, ciertos elementos "sucio-electrónicos" del Shoegaze y algunos matices de Low-fi en las voces. Canciones: "Hot Caught", "All Of My Guardians", "The All Best", "Georgia", "Ice Life" y "Tight Score"

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Super Extra Bonus Party - Night Horses

Una banda de Kildare, Irlanda que demuestra que la música electrónica no debe ser meramente música hecha por computadoras o samples redondos, es una banda que hace sonidos electrónicos con instrumentos básicos como guitarras, bajo, trompetas, baterías, que si bien, se ayudan de sintetizadores, cajas de ritmos y samples, estas son herramientas de ayuda, mas no instrumentos básicos.

"Night Horses" no podría ser considerado "redondo", porque no termina como inicia, es un disco con una infinidad de sonidos y texturas que a mi parecer, la responsabilidad recae en las colaboraciones que se tuvieron para esté, y esto se dice con el mejor de los elogios para la banda, ya que cada track pareciera hecho por una banda distinta, sin embargo, tienen ese sello distintivo. El disco tiene cierta influencia a The Go! Team, incluso, el track con que abre [Super Team Go!] "Night Horses" es una especie de oda o tributo a esta banda. Las canciones destacables a mi parecer: "Radar", con la colaboración de Cadence Weapon, quien le da un aire de Trip Hop que me recuerda de vez en cuando a Tricky. "Night Horses" es junto con "Super Team Go!" unas joyas instrumentales que valen la pena prestarles atención y ver la lenta construcción de cada una de las canciones. El dúo compatriota de la banda Heathers le da ese aire amable e incluso pop a la banda en "Comets" el cual se pierde al siguiente track [Eamonn] con MayKay quien juega a ser Bjork en una banda de Punk. Una rareza del álbum también resulta "Sonora", un track de lo más experimental tanto en música, como en voz que me hace recordar a Jimmy Tamborello en cualquiera de sus tantas vertientes [Figurine, James Figurine, The Postal Service, Dntel], una especie de indietronic acústico.

Es sin duda alguna, un LP polarizado que demuestra los distintos gustos musicales de cada uno de sus integrantes que, al final del día, cual gelatina de mosaicos, cuaja y sabe a distintos sabores.

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Cold Cave - Love Comes Close

Fusionando lo mejor de Depeche Mode [Youth and Lust], con la inocencia de Casiotone for The Painfully Alone [Life Magazine], llegan Wesley Eisold con las colaboraciones de Dominick Fernow, Max G. Morton, J. Benoit y Caralee McElroy (ex miembro de Xiu Xiu) para darnos un disco que derrama un "Synthpop" nihilista que se aprecia al primer instante que se escucha el disco.

Las letras en instantes son oscuras, otras veces inocentes, algunas otras sarcásticas o con denotación sexual explicita, pero hacen de este disco algo redondo, un tópico que se aprecia, una ideología coherente de la cual tal vez no se comulgue del todo, pero si se toma y se respeta. La música es un exquisito viaje de sonidos electrónicos y orgánicos, que juguetean con el Synthpop, para después meterse con el Tecnopop de 80's o principios de 90's, Loops de guitarras simples pero efectivos, voces matizadas y saturadas con tendencia a cierto Low-fi y Drone, incluso sin darse cuenta o querer hacerlo, suenan New Wave.

"Love Comes Close" es un LP fácil de escuchar y guardar en tu cabeza a la primera escucha, no es pretencioso, ni exagera en sonidos, maneja los sonidos que deben ser escuchados en su momento, este es sin duda, un buen disco para darles la oportunidad de conocer a Cold Cave.

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The Raveonettes - In And Out Of Control

"Your addiction and you are in love.

Night star crossed, I wait my turn

And every time you overdose I rush to intensive care

Another sad eye stare before you disappear

If this is the last dance, this is the last dance

Then save it for me baby"

Apenas hace un par de días, salió este, el hasta ahora último disco de esta banda danesa, que con ya su buen numero de LP's, algunos buenos y otros bajos de intensidad, pretenden volver a su característico sonido, dejando un poco el lado amable y "pop" que venían haciendo en sus dos trabajos anteriores. Me parece que les está pasando lo mismo que sucedía con placebo, empiezan a sonar repetitivos, y aunque no experimentan demasiado en su sonido, si se escucha cierta evolución en la música, tenue, pero evolución al fin y al cabo.

El disco, es amable, disfrutable y aunque si manejan cierta saturación de guitarras, no llegan a ser tan chillantes o estruendosos como en sus principios, se podría decir que han domesticado sus efectos Boss. El primer sencillo del disco es "Last Dance", un ejemplo de ese sonido dulce que nos traen y que se les agradece en estos momentos raros y difíciles en la vida de todos, incluso de repente pareciera que abarcaran un sonido "twee-pop" de manera traviesa y juguetona, las voces (hombre/mujer) son matizadas de manera sublime lo que hace que las melodías luzcan a la perfección.
Es un buen disco que me recuerda más al sonido logrado en el "Chain Gang of Love", que al "Lust, Lust, Lust", vale la pena escucharlo con detenimiento y disfrutarlo.

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The Carps - Waves & Shambles

Un dúo canadiense formado por Neil White [bajo] y Jahmal Tonge [batería], con cierta similitud a ese otro dúo canadienses [DFA], que utilizaban estos mismos instrumentos para hacer ruido y mover caderas.

El disco fue editado en 2008 y oscila entre lo electrónico, hip hop, punk, pop, experimental y un tanto de new rave, es variado aunque sigo diciéndolo, si se escuchan mucho con influencia de Death From Above.

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SOUNDTRACKS AND SOME STUFFS...

Algunos de los soundtracks de películas que me han dejado algo en mi vida, espero, si aun no ven las películas, empiecen escuchando los soundtracks.

Empezamos con un soundtrack amable al oído y diverso musicalmente hablando, refiriendome al de Little Miss Sunshine, esa divertida y entrañable comedia dirigida por los esposos Jonathan Dayton y Valerie Farris, quienes como muchos de los directores contemporaneos, iniciaron siendo reconocidos por trabajar con artistas y bandas alternativas en sus videos musicales, mencionando a algunas de esas bandas a: the smashing pumpkins, travis, red hot chilli peppers, entre otros. La música de la película estuvo a cargo de Mychael Danna y DeVotchKa [banda multicultural en sonido], quienes utilizaron sus caracteristicos instrumentos como acordeón, guitarras acusticas, entre otros, es también en este soundtrack donde puedes encontrar un par de canciones del maravilloso Sufjan Stevens que embonan perfectamente en la pelicula, e incluso la "Superfreak" de Rick James.

The Squid & The Whale es una película que maneja un proceso de divorcio de una manera demasiado extraña, con personajes tan complejos y bizarros convirtiendo las situaciones comunes en retorcidos pasajes del ser humano, el soundtrack es completamente bajo la línea del "folk" americano, con una selección de canciones bellas, apareciendo una versión muy buena del clásico de Pink Floyd "Hey You". La película fue producida por Wes Anderson y se nota en la manufactura de la película, así también en el soundtrack de la misma.

Fueron The Polyphonic Spree, quienes aportaron musicalmente en el soundtrack de Thumbsucker, una película de corte independiente que refleja en tono de comedia de humor negro o sarcástica, la adolescencia en Estados Unidos, los problemas que lleva ser adolescente y no morir en el intento, aunque gran parte del soundtrack se trata de "scores", aparecen tambien un par de covers que hiciera el genio Elliott Smith antes de morir, de hecho, una de mis favoritas de éste es Thirteen.

En 2003, una Sofia Coppola novata, reclutaba a la mente maestra detrás de My Bloody Valentine [Kevin Shield] y Brian Reitzell, para el Soundtrack de su segundo largometraje, el cual fue bien recibido por los criticos, ganando incluso varios premios de la Academia en ese mismo año. La musica era ambigua, reflejando cada uno de los sentimientos de los personajes, desde la soledad de estar en un enorme cuarto de hotel, hasta el insomnio que esto genera. Este Soundtrack igual que el anterior (Thumbsucker), maneja tanto "scores" y canciones de bandas como Phoenix [banda francesa cuyo líder es el actual esposo y padre de la hija de la directora Sofia], The Jesus & Mary Chain y los antes mencionados My Bloody Valentine.

En el 2004, Alexander Payne hizo de Sideways, una de las películas más hermosas del año (junto con Gondry y Eternal Sunshine), manejando con suma inteligencia la delgada linea que existe entre el humor y la tristeza, con actuaciones sublimes de un gran Paul Giamatti que en cada pelicula demuestra que es EL ACTOR y un soundtrack a cargo de Rolfe Kent, musico ingles que manejo de manera ambiental el soundtrack, el cual oscila bajo las influencias de jazz, swing y ciertos matices de otro grande de los "scores", refiriéndome a Carter Burwell. El soundtrack es ágil, divertido, perfecto para oficina y te hace recordar los mejores momentos de la película. Si aun no han podido ver esta película, acompáñenla un buen fin de semana con una excelente botella de vino.

En 1988, un director completamente novato [Giuseppe Tornatore], creo una historia épica, de dimensiones abismales y sentimiento puro y sencillo; nos invito y llevo de la mano a conocer parte de su vida y nos reservo un boleto de entrada para este, su "Cinema Paradiso", nos demostró que el amor duele y nunca muere, nos enseñó el valor de la amistad, sin distinción de edades o sexos y lo más importante en este momento, nos dio una música que solamente ángeles pudieron haber escrito, el genio detrás de estos ángeles, era Ennio Morricone, quien ya con mucha experiencia años atras, demostró ser el indicado para musicalizar esta pelicula, incluso, fue a partir de aquí, que estos dos (musico-director) han venido a hacer una excelente en películas posteriores, por mucho, una de mis películas favoritas y que siempre refleja sentimientos en mi.

Un caleidoscopio fílmico, fue "Paris, Je T'aime" del 2006, con cortometrajes que reflejaban esta ciudad, y con un ecléctico numero de directores que hicieron una labor excelente, mostrando no solo lo hermoso que puede ser esta ciudad, sino también, la conducta del ser humano ante situaciones algunas veces irónicas, cómicas, depresivas, dramáticas y románticas, el soundtrack maneja la temática de canciones de artistas como Feist o The Casinos y "scores" que rememoran los cortos de manera elegante.

Michel Gondry es de mis directores contemporáneos favoritos por su imaginación y técnicas de filmación y aunque no ha podido repetir lo que hizo en 2004, con Eternal Sunshine of the Spotless Mind, en cada película sorprende con sus técnicas que podría decirles "artesanales". La música estuvo a cargo del maestro Jon Brion, quien ya había trabajado antes en música para películas y que a mi parecer, tampoco ha podido repetir el sentimiento que reflejo en este soundtrack, aunque si se maneja en la mayoria de los tracks, muchos "scores" hechos por Brion, también emplea canciones tanto de The Polyphonic Spree, Beck [quien se dejo producir solo para esta canción por Brion] y The Electric Light Orchestra con el clásico "Mr. Blue Sky". A mí parecer, este soundtrack refleja muchas cosas que incluso sin imagenes se sienten y la película, a mi humilde opinión es, un nuevo clásico que será recordado igual que "Casablanca" o "Lo que el viento se llevo".

Como muchas otras películas, Everything Is Illuminated primero empezó como un libro escrito por Jonathan Safran Foer, personaje principal en la historia, que narra lo que le dejo la segunda guerra mundial a él y a su familia, después, se compraron los derechos del libro para llevarse a la pantalla grande y resulto ser una joyita de la cinematografía moderna, contándonos una historia tal vez trillada, que es los efectos dejados por la segunda guerra mundial, pero que no es tan grafica, como muchas otras películas relacionadas con el tema, mostrándonos más a personajes amables y humanos e incluso irreverentes, la música es completamente balcánica, perteneciente de Europa Occidental, si eres fan de música al estilo de Beirut o Gogol Bordello [quienes tienen un pequeño cameo en la película, siendo tambien su vocalista uno de los personajes principales de ésta y en el soundtrack], este soundtrack lo encontraras divertido.

Algunos deben recordar a Clint Mansell, por ser el músico de cabecera de Darren Aronofsky, director de películas como "Requiem for a Dream" y "Pi", sin embargo, fue en el 2006, cuando la dupla rindió frutos de manera extraordinaria en la película "The Fountain", pelicula que cuenta la historia de una pareja de amantes eternos, que se vienen conociendo desde la época de la conquista española, la vida actual y en un futuro proximo. La música, a mi gusto, refleja mucho más sentimientos que la que hizo para la segunda película de Aronofsky [Requiem], esta es mas visceral y emblemática, es tanto la película, como el soundtrack, herramientas que deben ser vistas y escuchadas con atención.

Espero les haya gustado los soundtracks y si aun no checan las peliculas, son joyitas que brillan por luz propia.

Aca los links para descargar cada uno de los soundtracks

little miss sunshine
the squid & the whale
thumbsucker
lost in translation
sideways
cinema paradiso
paris, je t'aime
eternal sunshine of the spotless mind
everything is illuminated
the fountain

Do Make Say Think - The Other Truths

Después de él magnifico "You, you're a History In Rust", estos, mis canadienses consentidos regresan con un EP de cuatro canciones, cada una con una de las palabras del nombre de la banda. "Do" es la perfecta muestra de cómo se va construyendo una canción, incluso me atrevería a decir que es por esa simple canción que vale la pena bajar este disco, inicia con el arpegio de una guitarra que es seguida por los rasgueos de una segunda guitarra al mero estilo low-fi, apareciendo una batería a destiempo que va marcando las notas de manera entrecortada, visceralmente una deconstrucción musical, para después escuchar la base rítmica de un bajo que suena potente, sin parecer pretencioso, ésta canción con la cual se da apertura al disco, es sin duda una hermosura que vale la pena percibir con todos los sentidos atentos y aunque al final de la canción, a mi parecer se debrayaron un poco, queda justificado todo después de volver a escucharla.

"Make" es el lado más "jazz" de la banda, con esa batería que va marcando al teclado, es sin duda una muestra del buen post-rock que esta banda hace y que no suena aburrido, sino todo lo contrario. Con "Say" recuerda por momentos a unos Explosions In The Sky, aunque a mi parecer, estos han dejado por encima ya, a muchas bandas de post-rock, porque realmente experimentan con sonidos, melodías y sentimientos.

"Think" es excelente para despedir el disco, es una canción folk extremadamente melancólica que llora sola, solloza con sentimiento abierto y es amable al oido.

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Death Cab For Cutie - The Open Door EP

He just stands with his toes on the edge

and he waits for it to disappear again

Hace mucho tiempo que Death Cab no nos regalaba un EP (si mal no recuerdo, fue uno en directo), este, aunque no es de lo mejor que nos ha dado la banda, nos muestra un lado mas acústico o folk, con canciones en las que predomina de forma contundente las guitarras acústicas e incluso por ahí un ukulele (en la versión acústica de "Talking Bird").

El EP tiene canciones sublimes, en cuanto a letras me refiero, con aportaciones que neta, demuestran nuevamente que Gibbard es un excelente "storyteller", por canciones como: "Diamond and A Tether", que es una perfecta oda a esos cambios que se dan en las personas, en las que nos llevan a lugares distintos, para bien o mal, en las que te das cuenta que el amor es una lección que nunca se aprende del todo. Otra joyita que brilla con luz propia es "Little Bribes", larga vida a Death Cab for Cutie y ojala el matrimonio de Gibbard con Deschanel no desfavorezca en cuanto a música y sepan canalizar talentos.

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