lunes, 8 de noviembre de 2010

Sufjan Stevens - The Age of Adz


Como siempre eh dicho (y escrito), hablar de Sufjan siempre me resulta carente de objetividad por mi enorme admiración a el como artista e individuo, por lo que escuchando el ultimo disco de estudio hasta ahorita, trate serlo, es mas, escuche el disco siendo el mas fisgón, ambicionando encontrarle un minúsculo detalle y eh aquí mi intento.
Bueno, empecemos con el nombre, el disco se llama "The Age of Adz", inspirado en el trabajo del artista plástico Royal Robertson, esquizoide que imprimía parte de la cultura popular, ciencia ficción, fantasia, comics y la Biblia (si, lo se, extraña mezcolanza), en sus pinturas e incluso el arte del disco (portada entre ella), es de este, bueno hasta aquí encontramos algo extraño y contradictorio en lo adoctrinado por el artista Stevens, ya que si recordamos, Sufjan dijo tener la pretensión de crear un disco por cada uno de los cincuenta estados que integran la unión norteamericana, con dos ENORMES discos de muestra (Illinois y Michigan), y lo primero que pensé, fue, este tipo me ha tomado el pelo, sus ideales han quedado por los suelos, haciendo mas escéptica mi intención por escuchar este disco, pero como esas buenas películas, termine entendiendo que este trabajo no ameritaba el nombre de uno de los estados norteamericanos, este trabajo es mas grande que eso, incluso que el mismo Sufjan, porque con este LP elimina no solo miedo a la experimentación y al estancamiento creativo, sino que crea (porque solo los genios y artistas crean), un hibrido difícil de clasificar, porque aunque suena y en muchos momentos a trabajos de Sufjan, aquí los elementos básicos del artista quedan enterrados (mas nunca relegados) y en un segundo plano, elementos tales como el banjo, trompetas, guitarras acústicas y esas armonías tan folk que dieron esa enorme transfusión que tanto necesitaba el genero. Aquí, las armonías siguen, pero esta vez los elementos de electrónica que el artista ocupo en aquel compilado "Dark Was the Night" con "You are the Blood" son mas palpables, también los elementos del Barroco, mezclados con progresivo, góspel y música de cámara, con esos arreglos orquéstales que saben tan bien cocinados por el, es decir, una difícil mezcla que hace imposible encasillar este disco, porque en veces suena a Danny Elfman y sus contribuciones con Tim Burton, otras a unos Radiohead en esa etapa Kid A y Amnesiac, otras a unos experimentales Dirty Projectors y otras muchas ocasiones, suena a todo lo antes descrito junto, creando (y seguiré utilizando este verbo con este genio CREAR) atmosferas obscuras, pero dulces, cambios drásticos de ritmos, melodías, armonías y silencios, sonando la primer vez que se escucha una completa demencia, pero a la segunda indigesta, entiendes estos cambios abruptos.
Lo hecho aquí por Sufjan no necesitaba, ni mucho menos merecía seguir la temática de los 50 Estados norteamericanos, esto merecía una etiqueta mas amplia y creo firmemente que este es ya un disco que pasara a la historia de la música, así como hablan del “Sargent Pepper” o del “Ok Computer” o “Dark Side of the Moon”, este es un disco que esta por encima de muchos y que al escuchar minuciosamente este trabajo, la música empieza a tener un nuevo significado, y sin querer dármelas de un tipo fanfarrón de exquisito oído, si creo que este es un trabajo que no cualquiera lograra entender, que necesita en exceso de paciencia por parte del escucha y que no necesitas haber seguido el trabajo de este genio para gustarte "The Age of Adz", incluso creo que para los fans de Stevens, este será un trabajo "extraño", pero hasta ahí y realmente es mas que ello, es absolutamente un disco que no sigue lo anteriormente escrito por este artista.
Para los que se la dan de muy chingones en música y se creen los mas exquisitos y eclécticos en cuanto a gustos musicales, estoy seguro que toparan con pared al escuchar este disco (si llegasen a escucharlo, lo cual dudo), porque esto es mas progresivo que un absurdo concierto de The Mars Volta de 45 minutos "improvisando" en una sola canción, fanfarroneándose de ser "experimentales" y tener la música en la medula.

 
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miércoles, 14 de julio de 2010

Martina Topkey Bird - The Blue God


Martina simplemente encanta y enamora, no entra en complicaciones y aunque su sonido es de lo más amable, su pasado no lo es tanto, tomando en cuenta que fue esposa de Tricky, ese virtuoso y trastornado tipo que alguna vez perteneció a Massive Attack, y aunque el vinculo musical de esté se nota en “The Blue God” del 2008, no debe ser tomada a Martina a la ligera, sino darle merito propio, porque este es un trabajo que a Tricky le hubiese salido más oscuro e incluso agresivo. El disco se siente ingles desde la delicia melódica de “Carnies”, hasta “Phoenix”, mantiene un firme reflejo del trip hop y espera paciente entre evolución y dulzura, aunque más “Lounge” que su primer trabajo, respeta la doctrina que Martina predica y que muy amablemente aprendió de su Ex. Si te clavas entre texturas, ambientes y melodías, con “The Blue God”, encontraras el lado amable de la vida.

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martes, 25 de mayo de 2010

Pingarosa - FR'E'P

 
Hace unas semanas me llego una invitación de visitar el Blog, misma invitación que extiendo a quienes lean este blog; pues bien, invitación era del creador y mente de Pingarosa (Gil Espinosa), donde me actualizaba sobre su nuevo EP de nombre “FR'E'P”, un trabajo que deja atrás y comiendo el polvo al sonido que venia manejando Pingarosa desde ese primer trabajo, de primera escucha resulta un trabajo arriesgado y experimental desde su primera nota, demostrando una evolución empírica y poética. empírica, porque pareciera que Gil haya aprendido sobre la marcha, experimentando conforme iba encontrando sonidos en computadoras, pro-tools y demás herramientas que a la fecha ensalzan los sonidos básicos de cualquier músico mediocre, soy de la idea que existen quienes utilizan las computadoras para hacer un mejor sonido del que se tiene en una banda o proyecto, o incluso crear completamente la música, y otros quienes las utilizan para darle esa ultima cereza al merengue, sin distorsionar o manipular el sonido de la banda o proyecto, pues bien, sea cual sea la razón por la cual se utilicen las computadoras para realzar la música de un proyecto, lo respeto, siempre que el resultado final sea honesto. Poético es, por la elegancia que existe entre sonidos saturados, de guitarras, entre eléctricas y acústicas, sintetizadores y voces armónica y melódicamente matizados. El resultado de este EP de apenas seis canciones es efímero, si el primer trabajo de Pingarosa nadaba entre lo ambiental, este, a mi parecer, es su contraparte, es el ruido y la esquizofrenia que quedo fuera antes, es el Némesis de lo políticamente correcto en cuanto a sonido se refiere, arriesgado entre destellos de electrónica, tribal y trip hop, como en “Last Call”, pero deformemente bien intencionado en “Fringe”, donde entre un teclado espectral y guitarra con delay, inicia un viaje a lo amorfo, a lo enfermo y desestabilizador. El trabajo es completamente distinto entre canciones, así encontramos influencia de Xiu Xiu, Animal Collective y/o cualquier ramificación de esta banda (Panda Bear por ejemplo), e incluso del escuálido líder de Deerhunter y/o Atlas Sound. Solo me resta decirle a quien decida descargar este trabajo, que definitivamente considero que la música que aquí escuchen, definitivamente es la música del futuro, esa que escucharan nuestros hijos en tal vez, alguna especie de capsulas sonicas, donde por medio de algún equipo sensible al tacto, podrán percibir la música y experimentarla no en “alta fidelidad”, sino en algo mas cabron todavía, lo que si no pueden dudar, es que este es un trabajo que merece toda la atención de, no solo los mexicanos (de donde es originario el proyecto), sino por todo aquel que decida experimentar con sus cinco sentidos una música nada sencilla, que con mucha pretensión a cuestas, destruye los aun existentes estereotipos de música “indie” mexicano, clasificar este proyecto es al menos para mi imposible, por lo que esta vez, optare por simplemente encasillarlo como música independiente, no mas.  

miércoles, 12 de mayo de 2010

Blanco Facil


Realmente me he vuelto un poco paranoico, por cuestiones de tiempo, eh dejado de subir discos, pero mi intención no es echar al olvido este blog, por lo que espero que la gente que entra a este espacio pueda invitar a mas gente a que descarguen la música, porque desgraciadamente, empiezo a "sentir pasos en la azotea" y eso lo digo, porque me han estado borrando en una primera instancia discos del mediafire, y ahora las entradas que eh estado publicando, por lo que no dudo que sea blanco facil para quitarme del mapa, por eso, si pueden, manden este blog a sus amigos y que descarguen la mayor cantidad de discos, si todo sale bien, proximamente estaré reiniciando la publicación periódica de discos, por lo que les pido paciencia (para quienes visitan este blog), espero no desaparecer como muchos blogs que admiro y seguí, y que a la fecha, simplemente ya no existen.

miércoles, 28 de abril de 2010

Broken Social Scene - Forgiveness Rock Record


Hablar de Broken Social Scene siempre me ha resultado interesante, porque es un proyecto tan funcional como disfuncional, con cambios de alineación (por la misma idea de ser un “colectivo”), que le da una frescura a la banda entre disco y disco que rara vez se encuentra en otros proyectos, con la idea firme y clara de dedicarse simplemente a hacer música, sin seguir tendencias actuales o géneros de moda. Kevin Drew sigue dando la cara y su emblemática firma sonora en “Forgiveness Rock Record”, trabajo que aunque programado para el 4 de Mayo de este año (2010), la internet hizo lo suyo y como podrán observar no solo aquí, sino en un sinfín de blogs de música, podrán toparse con este trabajo que incluso lleva ya un par de semanas dando vueltas, pero bueno, volvamos al disco. Forgiveness Rock Record es a mi gusto, el mejor trabajo a la fecha de BSS, donde cada uno de los personajes que integran este proyecto aporta algo, jugueteando entre el sonido característico de la banda, adentrándose a nuevos rincones sonoros, no tan experimentales como sus antiguos trabajos y si más “comunes”, no utilizando este termino para restarle valor al trabajo, sino todo lo contrario, así “World Sick”, “Chase Scene” y “Texico Bitches”, canciones que nos invitan al nuevo sonido de este cuarto LP en estudio de la banda, donde utilizando sus viejos recursos, refrescan emociones y sonidos, demostrando también una evolución melódica y letristica, haciendo un par de joyas que en lo personal se han vuelto himnos como el sencillo promocional “Forced to Love”, que entre riff equilibrados, una elegante estructura y un estribillo tan contagioso que con facilidad puede ser re-mezclado (sino es que ya fue hecho), por unos MSTRKRFT que pueden hacer un himno disco. El disco también tiene su lado “experimental”, sin topar con lo bizarro o exagerado, como en canciones como “Highway Slipper Jam” donde así comparte el “folk”, con el “tribal”, haciendo una mezcla por demás agradable al oído, o la exquisitamente instrumental “Meet Me in the Basement”. En conclusión y a mi parecer, el mejor trabajo de este proyecto que promete mucho y sorprende más con esta oda a los discos viejos de Rock N’ Roll.

Disculpen que ahora ande tardío en eso de subir discos, pero son muchos los motivos que dude les interesen tanto como escuchar YA este maravilloso disco.

jueves, 18 de marzo de 2010

Liger - Crash Symbols


Muchas veces me ha sucedido que escucho alguna banda o canción que simplemente “no me gusta” en el momento, y tiempo después, llegó a tomarle el sabor y entender lo que en un principio no capte, y digo, es de humanos aceptar que lo que en un principio me parecía nefasto, con el paso del tiempo se vuelve agradable e incluso llega a ser parte importan de mi vida, esto mismo me sucedió con Liger, un dúo Austro-Berlinés, que en un principio me parecía tedioso e incluso aburrido, con melodías que sentía computarizadas e incluso cuadradas, por las herramientas electrónicas que estos utilizan; sin embargo, después de escuchar y escuchar el “Crash Symbols” del 2008, encontré un universo del cual me siento parte, con influencias claras de la electrónica y New Wave que parecieran notarse desde el primer minuto de cada canción, con elementos interpretativos en la voz de Dino Spiluttini quien juega con tonos y escalas, que sube y baja, que sufre y se regocija entre melodías y cantos, oscureciendo el disco y elevándolo a un hemisferio nostálgico y por demás depresivo que se contagia y que suena mejor entre cobijas y entornos nublados. Si eres fan de Joy Division, Xiu Xiu, Cold Cave y The Postal Service, encontraras con Liger una especie de embrión que merece reproducirse y evolucionar en nuestra raza humana.

Por razones laborales (y de hueva, la verdad), me vi alejado del blog, pero bueno, espero tener más tiempo (y empatía), para mostrar cada vez más música en este pedazo de mi.


sábado, 27 de febrero de 2010

El Madmo - El Madmo


Un trío que con la instrumentación básica y elemental del Rock N’ Roll juega entre acordes, burlas y melodías, malgastando el talento de una forma constructiva y con la mera intención de pasar un buen rato en el escenario, “El” en el Bajo y voz, “Maddie” en guitarra y voz, y “Mo” en la batería, nos dieron en el 2008 el mejor desahogo que una artista seria podía tener, escondiéndose tras un alter-ego burlón con peluca y maquillaje que no logra desestimar el talento y la voz que “Maddie” aporta a la Banda. Son muchos los que consideran a El Madmo un proyecto de Punk y tal vez tengan cierta razón en cuanto a actitud, aunque musicalmente es mucho más, logrando hacer doce canciones totalmente distintas entre ellas, que juegan con el garaje, punk, heavy metal (con un pequeño tributo a Judas Priest en “Sweet Adrenaline”), surf, country, twee-pop y sin dudarlo, con el Rock N’ Roll de antaño.

Las raíces e influencias están bien cimentadas en la banda y aunque son canciones sencillas, no son improvisadas o hechas a fuerza, se escuchan canciones divertidas que son disfrutadas por la banda al ejecutarlas, lo cual refleja lo mismo a quien la escucha.

Debo confesar que cuando me enteré de que “Maddie” era la mismísima Señorita Norah Jones, me quede estupefacto; pero al escuchar a El Madmo, me doy cuenta que esta no se aparto mucho de su trabajo, simplemente desahogó el “otro yo” que muchas veces tenemos todos. Tal vez algunos crean que la portada no sea la de este EP, pero créanme, ese es el arte del disco y me pareció ¡genial!.


viernes, 26 de febrero de 2010

Thunderheist - Thunderheist


Desde el país que musicalmente lo tiene todo, el dúo Thunderheist el año pasado (2009), edito su primer LP de nombre homónimo gracias al éxito que recibieron con sus EP’s, en especial con el “Jerk It”, del 2008 donde mezclan electrónica, hip hop y Synth-Pop para llenar las pistas de baile y los corazones de esos que llevan la fiesta dentro en Viernes. Como casi la mayoría de los dúos o proyectos de música electrónica, una de las partes del proyecto es uno de los grandes productores de música en Canadá (Grahm Zilla), quien unió fuerzas a una “Microphone Queen” (MC Isis), para que entre rimas, samples e instrumentación programadas, nos dieran un proyecto fresco, divertido e irreverente. Aun no tienen el apoyo mediático de proyectos similares, con lo cual les da cierto plus y frescura a la música, aunque con esto no diga que son los únicos que los están escuchando, es de esas bandas que estoy seguro sobresaldrán en un par de años o con su próximo trabajo, el cual se espera para este año. Si te gusta un Hip Hop no tan saturado y meramente elegante, con mucha ironía en sus rimas y mucho sabor electrónico al estilo Tricky, creo que Thunderheist es un buen ejercicio sonoro.

¡Buen fin!


jueves, 25 de febrero de 2010

Vince Guaraldi - A Boy Named Charlie Brown



Enaltecer a alguien que sin duda está en la cima, resulta absurdo, sin embargo cuando hablo de Vince Guaraldi no puedo evitar no emocionarme y menos ensalzar su trabajo, es y fue uno de los más grande exponentes del Jazz que aunque con una vida corta, dejo un extenso legado de material discográfico, mucho del cual fueron música para esa oda a la frustración infantil llamada Charlie Brown, pero bueno, como ya les dije, hablar de Guaraldi me emociona y más cuando va de la mano con Charlie Brown, por lo que aunque tratare de ser breve, también trataré de enaltecer el trabajo de este grande ser humano.

Sobre Charlie Brown solo puedo decir que es de las pocas series animadas para niños que tratan al niño como ser humano y no como el idiota que se entretiene con personajes torpes y tan ambiguos, con canciones que resultan agresivamente una ofensa al intelecto de quien las escucha, con Charlie Brown y sus amigos se vivían aventuras y desventuras de cada uno de los personajes, desde el tímido Charlie Brown quien parecía un pequeño Woody Allen (sin el Ego) de seis años, con sus tantos miedos y problemas existenciales que te hablan de nada, pero que a la vez te expresaba tanto y al final te dejaba un optimismo aun con su excesiva apatía; Sally la hermana menor de Charlie quien con ese aire marimacho resultaba ser la mejor en los deportes; Linus, el pequeño de cuatro años incapaz de despegarse de su dependiente mantita o su hermana mayor Lucy quien con su arrogancia y desfachatez trataba siempre de conquistar al talentoso Schroeder quien con su pequeño piano nos regalaba momentos clásicos, hablar de la psique de cada uno de los personajes es sin duda tema para una sola entrada, por lo que mejor bastará en decir que es de las caricaturas más importantes en mi vida y creo en la de muchos más.

Ahora vayamos con la música de esta ENORME serie, la cual corría a cargo de un majestuoso Ítalo-americano pianista de jazz quien desde 1964 fue invitado a contribuir a la serie de “Charlie Brown” con su música, trabajando en un sinfín de cortes temáticos para esta serie, desde las dedicadas al día de acción de gracia, como para el especial de Navidad. Lo importante al escuchar a Guaraldi es, que no necesariamente debes estar tan empapado en el extenso universo del Jazz para entender su música, porque es tan universal, tan amable y honesta, que es única, que aunque se nutrió de los sonidos básicos de Miles Davis, John Coltrane y Charlie Parker, al escucharlos, descubres otro sentimiento en Guaraldi, haciendo cantar de alegría el piano, instrumento con el que subía y bajaba de escalas a su antojo, cambiando de ritmos y tiempos lo cual a mi parecer es el gran logro y lo que a fin de cuentas lo hace único. Guaraldi es y fue un grande quien desgraciadamente el 6 de Febrero de 1976, a sus 47 años murió de un ataque al corazón, justo después de terminar el soundtrack “It’s Arbor Day, Charlie Brown” para la serie y aunque esta continuo posteriormente con la música de Ed Bogas, no fue lo mismo.

Cuando veo la serie de Charlie Brown o escucho la música de Guaraldi, me hundo en ese universo el cual estoy seguro que si por unos días todos estuviéramos, seriamos unas mejores personas, donde la nostalgia y las frustraciones, con el paso del tiempo se vuelven positivismo y enseñanzas, sabias enseñanzas.


miércoles, 24 de febrero de 2010

Cut City - Exit Decades


Son suecos pero suenan ingleses, con esa desfachatez y arrogancia del Post-Punk que bandas como Editors y Maxïmo Park legaron de Joy Division. Después de editar de forma tan independiente como casera, un par de EP’s en el 2005, Cut City decide lanzar su primer LP en 2007, con nueve canciones que cumplen lo que prometen, que no pretenden más de lo que pueden darnos y se les agradece, porque aunque suenan a muchas cosas que ya hemos consumido con anterioridad, logran hacer canciones entretenidas y pegajosas que entre guitarras aceleradas, baterías atinadas y sintetizadores que realzan el sonido de la banda nos mantienen los aproximadamente 35 minutos que dura “Exit Decades” con un movimiento en la cabeza. Sin duda alguna, el legado que Joy Division dejo décadas atrás sigue cosechando frutos en todas partes del mundo y Cut City es una prueba más de ello. Como dato curioso, muchos fans de la banda consideran “Exit Decades” como el verdadero “tercer” álbum de Interpol, pero creo que se acerca más a Editors.


martes, 23 de febrero de 2010

Alexi Murdoch - Away We Go [Soundtrack]


Suele sucederme seguido que cuando veo ciertas películas me identifico con los personajes o con las situaciones que estos viven, los que me conocen sabrán que aunque no soy un cinéfilo empedernido, disfruto mucho ver una película que abarque todo, desde una buena historia con un buen guion, una buena dirección y por ende buenas actuaciones, excelente fotografía y lo importante para terminar de cautivarme, una música que me transmita las emociones que viven los personajes; en “Away We Go” encontré justo todos los elementos antes descritos, porque el trabajo hecho por el director Sam Mendes es impecable y exquisitamente cuidado, haciendo que el producto final deje con un excelente sabor de boca, donde tal vez haya momentos en que la película afloja, pero vuelve a levantarse para dejarnos un mensaje universal, que aunque con sabor “gringo”, el mensaje a fin de cuentas es tan genérico que resultaría absurdo encasillarlo solo a los americanos.

La historia es sencilla; una pareja estable y entrada en los treinta que recientemente descubren estar embarazados y preocupados por la educación de este nuevo miembro de la familia y del mundo, deciden buscar el lugar correcto para criarlo, la búsqueda es tortuosa y entre aviones, carreteras y personajes absurdos que van dejando en el camino, descubren que el mejor ambiente en el que se puede criar a un hijo es estando juntos, sin importar un sitio. Podría considerársele una historia de amor vista desde una perspectiva distinta a la convencional, es una comedia que refleja los miedos a lo desconocido, al futuro y a la vida, con actores jóvenes y no tan conocidos como Maya Rudolph y John Krasinski (ese locuaz de la serie “The Office”), quienes te compenetran al mundo de Verona De Tessant y Burt Farlander, una pareja dispar que se complementan el uno con el otro.

Una parte importante en esta película es su Soundtrack, con el cual Mendes se separa de Thomas Newman, músico de cabecera que venia trabajando junto al director desde "American Beauty" del '99, para hacer de la música de Away We Go una mezcla de sentimientos que van desde peliculas de carretera y esa esencia folky logrado por un joven canta-autor Ingles de nombre Alexi Murdoch, quien con un LP a su haber de nombre “Time Without Consequence” del 2006, reedita canciones de este trabajo y las utiliza en este Soundtrack para darnos momentos de sensatez, madurez y miedos como en las cautivadoras: "All My Days", "Orange Sky", "Towards The Sun" o la sublime “Crinan Wood", la música refleja perfectamente los momentos que vive la película e incluso aun sin ver la película, pero si eres amante del folk al estilo de Damien Rice, Micah p Hinson o Patrick Watson, seguro Alexi Murdoch resultará igual de satisfactorio.


lunes, 15 de febrero de 2010

Julie Doiron - I Can Wonder What You Did With Your Day


Una de mis nuevas grandes influencias en la música (descubierta hace apenas un par de años), es Julie Doiron, quien con solo una sencilla guitarra acústica o eléctrica en mano, puede transmitir un eterno vaivén de sentimientos que estudian desde los más pequeños y absurdos hasta estas filosóficas preguntas que nunca logramos resolver del todo. El camino de Julie no ha sido sencillo, viene de una escena canadiense donde lo más importante es la perseverancia y el amor por lo que se hace, contribuyendo en un buen listado de bandas y proyectos que le dan a la fecha un nombre y presencia que pocas mujeres pueden presumir, teniendo en cuenta que su carrera ha sido meramente independiente y subterránea, entrando y saliendo de disqueras independientes prestigiadas que van desde Sappy, Endearing, Sub Pop y su actual disquera Jagjaguwar, misma donde edito este “I Can Wonder What You Did with Your Day” el pasado 2009, donde junto a Rick White en la producción (ex-compañero de banda en “Eric’s Trip”) experimentó más con guitarras eléctricas saturadas elegantemente de distorsión y overdrive como el caso en “Spill Yer Lungs”, “Lovers of the World”, “Consolation Prize” ó “Heavy Snow”, sin dejar atrás sus raíces Folk como en la breve introductoria “The Life of Dream” donde la naturaleza y la vida son parte del todo, ó en ”Nice To Come Home” donde entre acústica y voz crea hermosa y cautivadora poesía femenina (no feminista). El disco está plagado de sentimiento, melodías y anécdotas, con momentos personales e historias contadas de forma fascinante, donde el amor es a la vida, al aquí y al ahora, palabras más palabras menos, son grandes historias de pequeñas situaciones. “I Can Wonder What You Did with Your Day” tiene justo lo que nos gusta de Joni Mitchell, lo que nos cautiva de Kimya Dawson y lo que nos enamora de Feist, sin sonar igual.


domingo, 14 de febrero de 2010

The Willowz - Chautauqua


Muchos fuimos los que descubrimos a este cuarteto con un sinfín de cambios de alineación y amigos invitados entre discos y presentaciones en directo, gracias al Soundtrack de “Eternal Sunshine of The Spotless Mind”, donde nos mostraron su versatilidad musical dejando claro que así como pueden ensordecernos con canciones escandalosamente Punk, igual pueden endulzarnos con dulces Baladas. Pues bien, si aun no escuchan ni el Soundtrack antes mencionado y ni a esta banda de Anaheim, California, de nombre peculiar y divertido, este es el pretexto perfecto para hacerlo. En “Chautauqua” del 2007, The Willowz siguen bajo la línea de trabajos pasados, con gloriosas guitarras llenas de Rock N’ Roll, Hard-Rock, Garage y Punk como en “Beware”, “Siren Song”, “Take a Look Around”, “Warship”, “Nobody” o la Led ZeppellianaEvil Son”, mostrando también su lado campirano con matices de Blues, Country y Folk en canciones como “Jubilee” o “Once and a While”. Este es un trabajo que revive el Blues y el Hard-Rock de una manera honesta, y desenfadada, donde se nota que Richie James Follin fue concebido entre conciertos de Led Zeppellin y Deep Purple, creció con Willie Nelson y Johnny Cash y se masturbaba escuchando The Cramps, las influencias se notan y difícilmente se pueden objetar, inobjetable también el parecido enorme entre la voz de James Follin, con la de Jack White en los primeros trabajos de los White Stripes y aunque no dudo que sus influencias sean las mismas, creo que The Willowz crean mejores canciones, no virtuosas, pero con mayor trabajo previo. Este es un trabajo que suena “norteamericano”, con sus guitarras matizadas que juegan entre lo distorsionado y lo acústico, es más, este disco fue hecho con la intención de ser reproducido en vinil.


sábado, 13 de febrero de 2010

Boy Crisis – Tulipomania


Cada quien escoja a su pareja, es el momento de bailar toda la noche y sentir el sudor correr por nuestras espaldas, gracias por su puesto al ritmo contagioso que nos regala Boy Crisis en “Tulipomania”, donde el Synth-Pop crea un vinculo familiar con la Electrónica, el Post-Punk ingles de guitarras y cierto matiz de Disco. Es que “Tulipomania” es como si invitaras a una fiesta a Foals, Passion Pit, The Faints, Hot Chip, Scissor Sisters y Pet Shop Boys, y se la pasaran tan bien que al final miembros de una banda se iría con otra y viceversa, es un disco que sabe a fiesta, a sofisticación y se disfruta hasta la última nota, entre “The Fountain Of Youth” canción que nos introduce a este LP de forma magistral con una estructura envidiable para cualquiera de las bandas antes citadas, continuando con la misma intensidad que en “The Fountain Of Youth”, para posteriormente ambientar la fiesta entre “Sex & Violence”, “Bohemiam Grove” o “Indian Summer”. Siempre es agradable toparse con bandas que de forma orgánica experimentan la electrónica, como lo hace Hot Chip y Passion Pit, que aun con elementos bailables, su base se encuentra entre instrumentos básicos como las guitarras, bajos, baterías y sintetizadores.


viernes, 12 de febrero de 2010

Mimas - The Worries


Aunque dudo que exista el termino, y si lo existe seguro estoy de que no tiene nada que ver con lo que yo imagino, cada que escucho “The Worries” de los daneses Mimas, los relaciono con un “indie-geek” y ¿qué es eso para mí?, pues bien, son canciones que oscilan entre lo absurdo, con coros sosos, voces de adolescente en esa etapa en la que cambiamos de voz y es inevitable desafinar, con guitarras cuadradas y letras que van desde el amor secreto que se le tiene a la popular de la escuela, hasta a proyectos científicos o tareas escolares, pues bien, tal vez Mimas no nos platique sobre sus proyectos escolares, pero es una banda que suena a banda universitaria, como cuando empezaron The Flaming Lips e incluso los ahora celebres R.E.M. Toda esa inocencia y simpleza que a veces los coros de estos chicos pueden reflejar, es perfectamente nivelada entre feedback de guitarras saturadas de distorsión y delay al más no poder, creando atmosferas densas entre acordes que suben y bajan hasta crear mediante “in crescendos” explosiones sónicas para justo al final darnos un ambiente cálido y gentil entre bajos y trompetas, como sucede por ejemplo en “Dads”, canción que crece minuto a minuto apreciando la construcción y estructura de la canción, jugando entre estruendo y melancolía. Mimas, como mencione antes puedo “etiquetarlos” (indebidamente), en un “indie-geek”, influenciados fuertemente por el Post-Rock de Mogwai, Do Make Say Think y breves destellos de Sigur Rós, aunque debo confesar que a mi parecer me dan la impresión de que juegan también con un Folk un tanto experimental, sin embargo, ellos son directos al auto-etiquetarse en un “Death-Indie”, sean lo que sean, su música es de manufactura elegante y estructura finamente cuidada y estudiada, como en “Dr. Phil's Retirement”, “Why In The World Not?” y “Cats On Fire” que aunque son canciones largas, son canciones que se van construyendo frente a nosotros en medio de una sutileza que entume.


jueves, 11 de febrero de 2010

Yucatan – Yucatan


Cuando escucho a gente utilizando el término “nórdico” para referirse al Metal ese que suena como música de piratas y/o vikingos, en serio me defraudan, porque al escuchar el término “nórdico”, me imagino excesivo frio, música tristona y en exceso melódica, con relatos oscuros sobre la soledad, el existencialismo y esas miles de cosas que pensamos cuando no podemos salir de casa por el constante frio o lluvia en la calle, pues bien, el término “nórdico” ha tomado forma en esta banda de nombre particular, porque todas las cualidades o requisitos que me imaginaba al escuchar el termino de música “nórdica” tomaron forma con Yucatan, banda que no tiene nada que ver ni con el estado de la República Mexicana, ni mucho menos con la República Mexicana, ya que ellos son originarios de un pequeño lugar de Inglaterra llamado Cwm Llwm. En “Yucatan”, trabajo editado el año pasado, encontramos reflexión, tranquilidad y un sinfín de sentimientos encontrados que se mezclan para regalarnos doce canciones que exploran la ambigüedad y la experimentación personal, reflejando a la perfección el clima y el estado de ánimo de la gente originaria en su país, entre sonidos de piano clásico mezclados con baterías y tenues loops electrónicos, trompetas y violines hacen su parte en el viaje mientras una dulce y casi escondida voz crea un ambiente relajado. Creo que la mayor comparación directa que puedo encontrar con Yucatan en cuanto a música, experimentación y estado anímico es Sigur Rós, sin decir con esto que suenan a lo mismo, pero si utilizan los mismos recursos que estos últimos, para los momentos de reflexión y soledad en casa, este es el LP con el cual se disfruta mejor

miércoles, 10 de febrero de 2010

Oxford Collapse - Remember The Night Parties


Siguiendo los pasos que bandas como The Presidents of the United States of America y The Toadies dejaron firme en los noventas con carreras fugaces pero influyentes, Oxford Collapse lo redescubrió en su tercer LP y primero editado dentro del emblemático sello independiente Sub Pop (si, ese mismo que edito los primeros trabajos de Nirvana). “Remember The Night Parties” es explosivo de principio a fin, con ese aire nostálgico que algunos conocimos en los noventas bajo la etiqueta de “Alternativo” y que ahora nos venden como “Indie”, pero los géneros no importan en este LP, porque a fin de cuentas es solo música la que llena las bocinas que escuchamos y nos entretiene, y eso es primordialmente lo que Oxford Collapse hizo en este trabajo, entretener, porque entre letras sarcásticas, divertidas e irónicas nos enseñaron sutilmente la subcultura estadounidense, de un modo onírico y mal encarado, donde no se tomaban en serio ni a ellos mismos, mucho menos a su cultura. Entre guitarras aceleradas, bajos acertados, baterías divertidas y voces exageradamente armónicas que en veces gritona y entonada, pero dulce y atinada nos dieron un disco que tal vez haya pasado sin pena ni gloria dentro de los mejores discos de la década pasada, pero que como muchas bandas incluidas en este blog, estoy seguro contara con un exclusivo número de fieles seguidores que como yo, quedamos devastados al enterarnos en Junio del año pasado que decidían separar sus caminos. Este es un disco para quienes extrañan los primeros trabajos de The Flaming Lips, Harvey Danger y un sinfín de bandas que en los noventas resultaba difícil encasillar.


domingo, 7 de febrero de 2010

Seven That Spells - Black Om Rising


Cuando uno cree haber escuchado de todo, descubre que el mundo es más allá de lo que vemos frente a nosotros, eso me pasó justo al primer minuto de escuchar “Fluxion”, primera canción del LP “Black Om Rising” editado y creado hace un par de años atrás en la lejana Croacia. El LP juega entre guitarras saturadas de delay, tremolo y distorsión, baterías perfectamente ejecutadas y saxofones tétricos que de repente extrañan y otras más refina la experimentación y psicodelia que estos cuatro hacen completamente instrumental. Black Om Rising es una explosión sónica que entra a los oídos para instalarse en las profundidades del subconsciente, aferrándose a una esquizofrenia creada entre escraches de guitarra, baterías martillantes y bajos eléctricos creando una atmosfera densa de la que extrañamente nunca se desea salir, es una especie de relación masoquista que entume el cerebro, pero que al final del día te deja pidiendo más. Si eres fan del Stoner de Queens Of The Stone Age, del Sludge Metal de Pelican y del Experimental deconstructivo de The Dirty Projectors, estoy seguro que en este LP encontraras un flamante trabajo hecho a la medida, que igual se degusta completo que escuchando canciones sueltas. Soy honesto y les digo que mi conocimiento sobre la banda es nulo, desconozco si tienen EP’s o LP’s antes o después de este trabajo, solo sé que “Black Om Rising” es un disco que escucharé el resto de mis días y que en cada escucha le encontraré algo nuevo, prometo investigar más sobre la banda y si tiene otras cosas interesantes, sin dudar las compartiré.

sábado, 6 de febrero de 2010

We Are Enfant Terrible -Thanks For The Fish EP


Siempre resulta gratificante descubrir un EP plagado de guitarras saturadas de energía y rasgueos incesantemente punks que junto con destellos de electrónica y 8 Bits nos animan a mover alguna parte del cuerpo, ya sea para bailar o simplemente moverse como idiota (como en mi caso). Thanks for the Fish EP es un trabajo editado apenas el año pasado por los Parisinos de We Are Enfant Terrible, quienes con cinco canciones nos demuestran que aun siendo paisanos de Daft Punk y Justice, su tendencia va mas allá y aunque juegan con la electrónica, sintetizadores y loops de computadora, la construcción y esencia de sus canciones esta en guitarras saturadas y melodías más electro-pop. We Are Enfant Terrible es el resultado de meter en licuadora a Mates of State, Little Boots, Does It Offend You, Yeah? Y unos nada lo-fi No Age, aunque son melodías predecibles, es en parte el gran logro de la banda, haciendo himnos contagiosos que elevan la pista de baile deseando en cada canción nunca termine. Nada mejor para este sábado que escuchar este EP que sin darse cuenta se desvanece entre feedback, armonías, loops y energía. ¡Buen fin de semana planeta tierra!


viernes, 5 de febrero de 2010

Gregory Pepper & His Problems - With Trumpets Flaring


Por ahí leí en un libro que The Beatles no fueron más que un estudio socio-económico y mercadológico, planeado por grandes gobiernos de la época con la mera intención de controlar a la juventud, así como toda la doctrina que predicaban estos en esos días, es decir, el “amor” como centro del universo y acción necesaria en nuestras vidas y todo aquello que los hippies manejaban dentro de esa emblemática frase de “Amor y Paz”, pues bien, aunque no dudo que exista algo de realidad en esto, no se debe menospreciar el trabajo (musicalmente hablando), que el cuarteto de Liverpool hizo, resaltando que si estos no hubiesen existido, una enorme cadena de bandas y artistas de su época como The Rolling Stones, The Zombies e incluso los Beach Boys no hubieran crecido y evolucionado como artistas, por eso, indudable resulta no voltear a ver a The Beatles después de escuchar “With Trumpets Flaring” editado en el 2009, porque Gregory Pepper and His Problems se amamantó y nutrió de The Beatles y los Beach Boys, porque cada una de las doce canciones que integran este LP duerme y amanece entre melodías, armonías y susurros que van desde un “Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band”, “Revolver” y un “Magical Mystery Tour”, para continuar soñando despierto con destellos del “Pet Sounds” o del “Odessey & Oracle”. With Trumpets Flaring es un trabajo que se reencuentra con el Rock básico, de ese que se topaba y saludaba de mano con el Pop y el Folk sin ningún problema, que convivían como viejos amigos, Gregory Pepper tal vez no haya descubierto un nuevo sonido y mucho menos sea el artista más experimental, pero es uno de los pocos que logran hacer un sonido retro/actual, sin sonar pretencioso o prefabricado. Creo que ni siquiera el mismo Brian Wilson podría hacer en la actualidad canciones Pop tan finamente estructuradas, logrando capturar el sonido de la generación de las flores y Vietnam transportada a nuestros días. Si te gusta Ben Folds, The Shins, Okkervil River o los antes mencionados Beatles y Beach Boys, seguramente encontraras en With Trumpets Flaring un canapé fácil de digerir y con un agradable sabor de boca.


jueves, 4 de febrero de 2010

Kashmir - Trespassers


Cinco años tuvieron que pasar para toparnos con un nuevo y flamante trabajo de Kashmir, quienes con un pequeño (pero cada día más leal), sequito de seguidores, editaron el pasado primero de Febrero de este año su sexto LP de estudio, de nombre “Trespassers”. El LP abre e hipnotiza con “Mouthful Of Wasps”, canción que aun cuando recuerda los antiguos trabajos de estos daneses, explora océanos de un pop melancólico y emotivo. Muchos fueron quienes compararon “Zitilites” con el “OK Computer” de Radiohead, y debo reconocer que en su momento lo consideré exagerado por dos puntos, en primera; porque no veía tan influyente el trabajo de Radiohead, pensamiento que a la fecha ha cambiado completamente, y en segunda porque veía completamente en universos dispares el sonido de Kashmir con el de Radiohead, hecho que al igual que el primer punto, cambio al día de hoy, si bien me queda claro que Kashmir no pretende emparentar ni mucho menos imitar su sonido con el de Radiohead, lo que si resulta un hecho es que son bandas que han madurado en su sonido, creando canciones complejas y emotivas que vuelan la cabeza a propios y extraños, ejemplos perfectos son “Intruder” que me recuerda mucho al “The Bends” de Radiohead, ó “Still Boy”, “Bewildered In The City” y “Danger Bear” un trío de baladas pop de estructuras perfectas donde Kasper Eistrup muestra una vez más su voz entrecortada y melancólica (creo que hasta el momento, la primera es mi canción favorita del disco). En Trespassers encontramos una oda al dolor, a la melancolía y al sufrimiento humano viéndolos desde un punto de vista sabio, donde se canta para olvidar o se olvida cantando, Kashmir más que experimentar con nuevas tendencias y sonidos, experimenta con los sentimientos y emociones, regalándonos un disco enorme y hermoso, con dulces himnos pop que quedaran a la orden de cualquiera que se sienta inadaptado o fuera de su sitio. A mi parecer es el mejor trabajo a la fecha de esta banda próxima a visitar tierra azteca (9, 10 y 12 de Marzo), y que estoy seguro no defraudara a quienes hayan conseguido entrada para alguna de las fechas.
Este va con dedicación especial a Kno, que él si estará viendo a este cuarteto y del cual al menos espero me compré mi camisa del concierto, eh!

miércoles, 3 de febrero de 2010

One Day As a Lion - One Day As a Lion EP


En el 2008, justo antes de que el “Rage Against the MachineZach de la Rocha decidiera continuar con el proyecto que lo coloco en el mapa musical, desafió a sus demonios internos, dejando un poco el “activismo político” que venía predicando desde RATM (poco, eh, no se crean mucho), y junto al mejor baterista de The Mars Volta (a mi gusto y con el que iniciaron), Jon Theodore, se enfrascó a un universo nuevo y sofisticado , donde, bajo la misma línea musical que venía haciendo con su antigua banda, convirtió rimas en exquisitos gritos de protesta y manifiestos. En este proyecto me gusta mucho más la voz de Zach, y gran parte de esto, es por la música, que aun con una batería decisiva, cruda y por demás atinada en cada una de las cinco canciones que forman este EP, los teclados saturados de “delay” de De la Rocha, elevan el sonido a un finamente elaborado hip hop que engrandece a un De la Rocha, que emprendía su caída a una decadencia creativa. La línea de este EP editado en Julio del 2008 es axiomáticamente la del Hip Hop y Rap, pero igual coquetea y se arrima a estruendosos destellos de Hard-Core, Punk, Metal e incluso de electrónica, dejando a un lado por completo el sonido RATM que aun siendo inconfundible la voz de De la Rocha, uno descubre en “One Day as a Lion”, que estamos ante un proyecto que con solo cinco canciones, nos demuestran honestidad y entendimiento bilateral entre De la Rocha y Theodore, lo cual es raro encontrar tratándose solo de un EP. Algún día One Day as a Lion será recordado como un proyecto completo, que tal vez efímero, pero con un fuerte legado en estas cinco canciones y no como un proyecto creado por el ex-RATM. Podría decirles canciones claves de este EP, pero creo que de “Wild International” a “One Day as a Lion”, son cinco temas con alma y viseras propias.

martes, 2 de febrero de 2010

Kasms - Spayed


De los restos de Test Icicles, Rory Attwell intercala junto a Scott R Walker la batería y la guitarra en KASMS, banda que mezcla el “Garage”, “Punk” y “Punk Revival”, de una manera tétrica y por demás oscura, con canciones que pueden llegar a ser sarcásticas, satíricas y absurdas, donde Rachel Mary Callaghan y Gemma Fleet, igual cantan y hacen coros que parecieran sacados del verdadero “The Rocky Horror Picture Show” confabulando guitarras distorsionadas con total feedback, a la par de bajos contundentes que marcan y desmarcan tiempos, perdiendo elocuencia y por veces cordura. “Spayed” es un trabajo editado apenas el año pasado, que con doce canciones nos llevan a finales de los 60’s, mediados de los 70’s, con esas películas de serie “B”, de Ed Wood, Bela Lugosi y Vampira, aunque nutriéndose también de sonidos actuales, siendo la referencia a mencionar, The Horrors (sin pensarlo). Para los fans de Test Icicles, tal vez no encuentren la misma línea en KASMS, sin embargo, estoy seguro que no quedaran desanimados, tal vez no sea la banda que revolucione el Punk, e incluso, no creo que traiga algo nuevo o por descubrir, pero si es un proyecto que revive un sonido escaso en nuestros días, que como dije; es perfecta para cualquier película “gore” e incluso al mismo Tarantino le caerían bien un buen numero de temas como: “KRIH”, “Taxidermy”, “Bone You”, “Trenchfoot” o “Siren Sister” para futuros proyectos o para los ya existentes (Pulp Fiction, por ejemplo). En definitiva, KASMS no es punk fácil de escuchar, aun cuando son canciones cortas que no llegan ni a los cuatro minutos, es más, ni a los tres minutos en la gran mayoria (solo dos canciones), tampoco es un Punk que está de moda, ni el más entretenido, es un Punk inteligente, que no experimenta y apuesta por lo básico.

!Que tengan ustedes un frenetico Martes!


lunes, 1 de febrero de 2010

The Icarus Line - Penance Soiree


Con ese decadente sonido que los caracteriza, The Icarus Line en el 2004 nos regalaron una joya punk/noise/post-hardcore, con la única idea de destruir consciencias, esperanza y certidumbre, creando canciones aunque un tanto más “domesticadas” que en su primer “Mono”, sin decir con esto, que son agradables para cualquiera, si son más estructuradas y acercándose al sonido básico del Rock, con riffs acertados, versos sencillos, un par de gritos disonantes y lo que a muchos les falta, ACTITUD y desfachatez de la que muestran solo los muy cabrones. “Penance Soiree” es un trabajo que recolecta lo que At The Drive-In dejo inconcluso tras si desintegración, es un trabajo sencillo, que no experimenta en sonidos, capturando en estudio la esencia de la banda en directo, la interpretación de Joe Cardamone, quien nació para ser RockStar, con las virtudes y excesos que acarreé eso, desgarrando su voz y alma entre canciones. A diferencia de “Mono”, trabajo editado en el 2001 y que puede encontrar aquí, “Penance Soiree” es un trabajo que refleja las nuevas influencias de la banda, volviendo como dije anteriormente, a un sonido más rudimentario y básico del Hard-Rock, con influencias de bandas de la década setentera reflejada en las guitarras, armonías y voces, si en “Mono” la falta de fe y la autodestrucción eran los tópicos a seguir, en este los tópicos siguen intactos, sus creencias siguen en pie y la doctrina se sigue predicando, aunque esta vez con música un poco más “centrada”. El disco es explosivo y no existen momentos reflexivos, es un disco hecho por impulso, es como una pelea callejera entre perros rabiosos que están dispuestos a terminar hasta que uno caiga muerto, no esperen sonidos dulces, ni matizados, son canciones crudas y extremadamente recias, con muy poco trabajo de post-producción y un fuerte impulso destructivo. Me considero de los pocos fans de esta banda que sin mucho apoyo mediático, han logrado un sequito de seguidores fieles que aunque en su tercer trabajo cambiaron un poco mas su sonido, es de esas bandas que se les agradece cada disco, porque son fotos instantáneas de las etapas en las vidas de los integrantes. Para los amantes de la distorsión, los gritos y la excesiva actitud “rompe-huevos”, este es uno de los trabajos que merecen ser escuchados en esos días de encabronamiento extremo (claro que si, como no, con mucho gusto). Como dato curioso, el guitarrista Aaron North fundador junto con Cardamone, dejo la banda justo después de grabar este disco para unirse con Trent Reznor en el NIN del “With Teeth” del 2005.