lunes, 8 de noviembre de 2010

Sufjan Stevens - The Age of Adz


Como siempre eh dicho (y escrito), hablar de Sufjan siempre me resulta carente de objetividad por mi enorme admiración a el como artista e individuo, por lo que escuchando el ultimo disco de estudio hasta ahorita, trate serlo, es mas, escuche el disco siendo el mas fisgón, ambicionando encontrarle un minúsculo detalle y eh aquí mi intento.
Bueno, empecemos con el nombre, el disco se llama "The Age of Adz", inspirado en el trabajo del artista plástico Royal Robertson, esquizoide que imprimía parte de la cultura popular, ciencia ficción, fantasia, comics y la Biblia (si, lo se, extraña mezcolanza), en sus pinturas e incluso el arte del disco (portada entre ella), es de este, bueno hasta aquí encontramos algo extraño y contradictorio en lo adoctrinado por el artista Stevens, ya que si recordamos, Sufjan dijo tener la pretensión de crear un disco por cada uno de los cincuenta estados que integran la unión norteamericana, con dos ENORMES discos de muestra (Illinois y Michigan), y lo primero que pensé, fue, este tipo me ha tomado el pelo, sus ideales han quedado por los suelos, haciendo mas escéptica mi intención por escuchar este disco, pero como esas buenas películas, termine entendiendo que este trabajo no ameritaba el nombre de uno de los estados norteamericanos, este trabajo es mas grande que eso, incluso que el mismo Sufjan, porque con este LP elimina no solo miedo a la experimentación y al estancamiento creativo, sino que crea (porque solo los genios y artistas crean), un hibrido difícil de clasificar, porque aunque suena y en muchos momentos a trabajos de Sufjan, aquí los elementos básicos del artista quedan enterrados (mas nunca relegados) y en un segundo plano, elementos tales como el banjo, trompetas, guitarras acústicas y esas armonías tan folk que dieron esa enorme transfusión que tanto necesitaba el genero. Aquí, las armonías siguen, pero esta vez los elementos de electrónica que el artista ocupo en aquel compilado "Dark Was the Night" con "You are the Blood" son mas palpables, también los elementos del Barroco, mezclados con progresivo, góspel y música de cámara, con esos arreglos orquéstales que saben tan bien cocinados por el, es decir, una difícil mezcla que hace imposible encasillar este disco, porque en veces suena a Danny Elfman y sus contribuciones con Tim Burton, otras a unos Radiohead en esa etapa Kid A y Amnesiac, otras a unos experimentales Dirty Projectors y otras muchas ocasiones, suena a todo lo antes descrito junto, creando (y seguiré utilizando este verbo con este genio CREAR) atmosferas obscuras, pero dulces, cambios drásticos de ritmos, melodías, armonías y silencios, sonando la primer vez que se escucha una completa demencia, pero a la segunda indigesta, entiendes estos cambios abruptos.
Lo hecho aquí por Sufjan no necesitaba, ni mucho menos merecía seguir la temática de los 50 Estados norteamericanos, esto merecía una etiqueta mas amplia y creo firmemente que este es ya un disco que pasara a la historia de la música, así como hablan del “Sargent Pepper” o del “Ok Computer” o “Dark Side of the Moon”, este es un disco que esta por encima de muchos y que al escuchar minuciosamente este trabajo, la música empieza a tener un nuevo significado, y sin querer dármelas de un tipo fanfarrón de exquisito oído, si creo que este es un trabajo que no cualquiera lograra entender, que necesita en exceso de paciencia por parte del escucha y que no necesitas haber seguido el trabajo de este genio para gustarte "The Age of Adz", incluso creo que para los fans de Stevens, este será un trabajo "extraño", pero hasta ahí y realmente es mas que ello, es absolutamente un disco que no sigue lo anteriormente escrito por este artista.
Para los que se la dan de muy chingones en música y se creen los mas exquisitos y eclécticos en cuanto a gustos musicales, estoy seguro que toparan con pared al escuchar este disco (si llegasen a escucharlo, lo cual dudo), porque esto es mas progresivo que un absurdo concierto de The Mars Volta de 45 minutos "improvisando" en una sola canción, fanfarroneándose de ser "experimentales" y tener la música en la medula.

 
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miércoles, 14 de julio de 2010

Martina Topkey Bird - The Blue God


Martina simplemente encanta y enamora, no entra en complicaciones y aunque su sonido es de lo más amable, su pasado no lo es tanto, tomando en cuenta que fue esposa de Tricky, ese virtuoso y trastornado tipo que alguna vez perteneció a Massive Attack, y aunque el vinculo musical de esté se nota en “The Blue God” del 2008, no debe ser tomada a Martina a la ligera, sino darle merito propio, porque este es un trabajo que a Tricky le hubiese salido más oscuro e incluso agresivo. El disco se siente ingles desde la delicia melódica de “Carnies”, hasta “Phoenix”, mantiene un firme reflejo del trip hop y espera paciente entre evolución y dulzura, aunque más “Lounge” que su primer trabajo, respeta la doctrina que Martina predica y que muy amablemente aprendió de su Ex. Si te clavas entre texturas, ambientes y melodías, con “The Blue God”, encontraras el lado amable de la vida.

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martes, 25 de mayo de 2010

Pingarosa - FR'E'P

 
Hace unas semanas me llego una invitación de visitar el Blog, misma invitación que extiendo a quienes lean este blog; pues bien, invitación era del creador y mente de Pingarosa (Gil Espinosa), donde me actualizaba sobre su nuevo EP de nombre “FR'E'P”, un trabajo que deja atrás y comiendo el polvo al sonido que venia manejando Pingarosa desde ese primer trabajo, de primera escucha resulta un trabajo arriesgado y experimental desde su primera nota, demostrando una evolución empírica y poética. empírica, porque pareciera que Gil haya aprendido sobre la marcha, experimentando conforme iba encontrando sonidos en computadoras, pro-tools y demás herramientas que a la fecha ensalzan los sonidos básicos de cualquier músico mediocre, soy de la idea que existen quienes utilizan las computadoras para hacer un mejor sonido del que se tiene en una banda o proyecto, o incluso crear completamente la música, y otros quienes las utilizan para darle esa ultima cereza al merengue, sin distorsionar o manipular el sonido de la banda o proyecto, pues bien, sea cual sea la razón por la cual se utilicen las computadoras para realzar la música de un proyecto, lo respeto, siempre que el resultado final sea honesto. Poético es, por la elegancia que existe entre sonidos saturados, de guitarras, entre eléctricas y acústicas, sintetizadores y voces armónica y melódicamente matizados. El resultado de este EP de apenas seis canciones es efímero, si el primer trabajo de Pingarosa nadaba entre lo ambiental, este, a mi parecer, es su contraparte, es el ruido y la esquizofrenia que quedo fuera antes, es el Némesis de lo políticamente correcto en cuanto a sonido se refiere, arriesgado entre destellos de electrónica, tribal y trip hop, como en “Last Call”, pero deformemente bien intencionado en “Fringe”, donde entre un teclado espectral y guitarra con delay, inicia un viaje a lo amorfo, a lo enfermo y desestabilizador. El trabajo es completamente distinto entre canciones, así encontramos influencia de Xiu Xiu, Animal Collective y/o cualquier ramificación de esta banda (Panda Bear por ejemplo), e incluso del escuálido líder de Deerhunter y/o Atlas Sound. Solo me resta decirle a quien decida descargar este trabajo, que definitivamente considero que la música que aquí escuchen, definitivamente es la música del futuro, esa que escucharan nuestros hijos en tal vez, alguna especie de capsulas sonicas, donde por medio de algún equipo sensible al tacto, podrán percibir la música y experimentarla no en “alta fidelidad”, sino en algo mas cabron todavía, lo que si no pueden dudar, es que este es un trabajo que merece toda la atención de, no solo los mexicanos (de donde es originario el proyecto), sino por todo aquel que decida experimentar con sus cinco sentidos una música nada sencilla, que con mucha pretensión a cuestas, destruye los aun existentes estereotipos de música “indie” mexicano, clasificar este proyecto es al menos para mi imposible, por lo que esta vez, optare por simplemente encasillarlo como música independiente, no mas.  

miércoles, 12 de mayo de 2010

Blanco Facil


Realmente me he vuelto un poco paranoico, por cuestiones de tiempo, eh dejado de subir discos, pero mi intención no es echar al olvido este blog, por lo que espero que la gente que entra a este espacio pueda invitar a mas gente a que descarguen la música, porque desgraciadamente, empiezo a "sentir pasos en la azotea" y eso lo digo, porque me han estado borrando en una primera instancia discos del mediafire, y ahora las entradas que eh estado publicando, por lo que no dudo que sea blanco facil para quitarme del mapa, por eso, si pueden, manden este blog a sus amigos y que descarguen la mayor cantidad de discos, si todo sale bien, proximamente estaré reiniciando la publicación periódica de discos, por lo que les pido paciencia (para quienes visitan este blog), espero no desaparecer como muchos blogs que admiro y seguí, y que a la fecha, simplemente ya no existen.

miércoles, 28 de abril de 2010

Broken Social Scene - Forgiveness Rock Record


Hablar de Broken Social Scene siempre me ha resultado interesante, porque es un proyecto tan funcional como disfuncional, con cambios de alineación (por la misma idea de ser un “colectivo”), que le da una frescura a la banda entre disco y disco que rara vez se encuentra en otros proyectos, con la idea firme y clara de dedicarse simplemente a hacer música, sin seguir tendencias actuales o géneros de moda. Kevin Drew sigue dando la cara y su emblemática firma sonora en “Forgiveness Rock Record”, trabajo que aunque programado para el 4 de Mayo de este año (2010), la internet hizo lo suyo y como podrán observar no solo aquí, sino en un sinfín de blogs de música, podrán toparse con este trabajo que incluso lleva ya un par de semanas dando vueltas, pero bueno, volvamos al disco. Forgiveness Rock Record es a mi gusto, el mejor trabajo a la fecha de BSS, donde cada uno de los personajes que integran este proyecto aporta algo, jugueteando entre el sonido característico de la banda, adentrándose a nuevos rincones sonoros, no tan experimentales como sus antiguos trabajos y si más “comunes”, no utilizando este termino para restarle valor al trabajo, sino todo lo contrario, así “World Sick”, “Chase Scene” y “Texico Bitches”, canciones que nos invitan al nuevo sonido de este cuarto LP en estudio de la banda, donde utilizando sus viejos recursos, refrescan emociones y sonidos, demostrando también una evolución melódica y letristica, haciendo un par de joyas que en lo personal se han vuelto himnos como el sencillo promocional “Forced to Love”, que entre riff equilibrados, una elegante estructura y un estribillo tan contagioso que con facilidad puede ser re-mezclado (sino es que ya fue hecho), por unos MSTRKRFT que pueden hacer un himno disco. El disco también tiene su lado “experimental”, sin topar con lo bizarro o exagerado, como en canciones como “Highway Slipper Jam” donde así comparte el “folk”, con el “tribal”, haciendo una mezcla por demás agradable al oído, o la exquisitamente instrumental “Meet Me in the Basement”. En conclusión y a mi parecer, el mejor trabajo de este proyecto que promete mucho y sorprende más con esta oda a los discos viejos de Rock N’ Roll.

Disculpen que ahora ande tardío en eso de subir discos, pero son muchos los motivos que dude les interesen tanto como escuchar YA este maravilloso disco.

jueves, 18 de marzo de 2010

Liger - Crash Symbols


Muchas veces me ha sucedido que escucho alguna banda o canción que simplemente “no me gusta” en el momento, y tiempo después, llegó a tomarle el sabor y entender lo que en un principio no capte, y digo, es de humanos aceptar que lo que en un principio me parecía nefasto, con el paso del tiempo se vuelve agradable e incluso llega a ser parte importan de mi vida, esto mismo me sucedió con Liger, un dúo Austro-Berlinés, que en un principio me parecía tedioso e incluso aburrido, con melodías que sentía computarizadas e incluso cuadradas, por las herramientas electrónicas que estos utilizan; sin embargo, después de escuchar y escuchar el “Crash Symbols” del 2008, encontré un universo del cual me siento parte, con influencias claras de la electrónica y New Wave que parecieran notarse desde el primer minuto de cada canción, con elementos interpretativos en la voz de Dino Spiluttini quien juega con tonos y escalas, que sube y baja, que sufre y se regocija entre melodías y cantos, oscureciendo el disco y elevándolo a un hemisferio nostálgico y por demás depresivo que se contagia y que suena mejor entre cobijas y entornos nublados. Si eres fan de Joy Division, Xiu Xiu, Cold Cave y The Postal Service, encontraras con Liger una especie de embrión que merece reproducirse y evolucionar en nuestra raza humana.

Por razones laborales (y de hueva, la verdad), me vi alejado del blog, pero bueno, espero tener más tiempo (y empatía), para mostrar cada vez más música en este pedazo de mi.


sábado, 27 de febrero de 2010

El Madmo - El Madmo


Un trío que con la instrumentación básica y elemental del Rock N’ Roll juega entre acordes, burlas y melodías, malgastando el talento de una forma constructiva y con la mera intención de pasar un buen rato en el escenario, “El” en el Bajo y voz, “Maddie” en guitarra y voz, y “Mo” en la batería, nos dieron en el 2008 el mejor desahogo que una artista seria podía tener, escondiéndose tras un alter-ego burlón con peluca y maquillaje que no logra desestimar el talento y la voz que “Maddie” aporta a la Banda. Son muchos los que consideran a El Madmo un proyecto de Punk y tal vez tengan cierta razón en cuanto a actitud, aunque musicalmente es mucho más, logrando hacer doce canciones totalmente distintas entre ellas, que juegan con el garaje, punk, heavy metal (con un pequeño tributo a Judas Priest en “Sweet Adrenaline”), surf, country, twee-pop y sin dudarlo, con el Rock N’ Roll de antaño.

Las raíces e influencias están bien cimentadas en la banda y aunque son canciones sencillas, no son improvisadas o hechas a fuerza, se escuchan canciones divertidas que son disfrutadas por la banda al ejecutarlas, lo cual refleja lo mismo a quien la escucha.

Debo confesar que cuando me enteré de que “Maddie” era la mismísima Señorita Norah Jones, me quede estupefacto; pero al escuchar a El Madmo, me doy cuenta que esta no se aparto mucho de su trabajo, simplemente desahogó el “otro yo” que muchas veces tenemos todos. Tal vez algunos crean que la portada no sea la de este EP, pero créanme, ese es el arte del disco y me pareció ¡genial!.


viernes, 26 de febrero de 2010

Thunderheist - Thunderheist


Desde el país que musicalmente lo tiene todo, el dúo Thunderheist el año pasado (2009), edito su primer LP de nombre homónimo gracias al éxito que recibieron con sus EP’s, en especial con el “Jerk It”, del 2008 donde mezclan electrónica, hip hop y Synth-Pop para llenar las pistas de baile y los corazones de esos que llevan la fiesta dentro en Viernes. Como casi la mayoría de los dúos o proyectos de música electrónica, una de las partes del proyecto es uno de los grandes productores de música en Canadá (Grahm Zilla), quien unió fuerzas a una “Microphone Queen” (MC Isis), para que entre rimas, samples e instrumentación programadas, nos dieran un proyecto fresco, divertido e irreverente. Aun no tienen el apoyo mediático de proyectos similares, con lo cual les da cierto plus y frescura a la música, aunque con esto no diga que son los únicos que los están escuchando, es de esas bandas que estoy seguro sobresaldrán en un par de años o con su próximo trabajo, el cual se espera para este año. Si te gusta un Hip Hop no tan saturado y meramente elegante, con mucha ironía en sus rimas y mucho sabor electrónico al estilo Tricky, creo que Thunderheist es un buen ejercicio sonoro.

¡Buen fin!


jueves, 25 de febrero de 2010

Vince Guaraldi - A Boy Named Charlie Brown



Enaltecer a alguien que sin duda está en la cima, resulta absurdo, sin embargo cuando hablo de Vince Guaraldi no puedo evitar no emocionarme y menos ensalzar su trabajo, es y fue uno de los más grande exponentes del Jazz que aunque con una vida corta, dejo un extenso legado de material discográfico, mucho del cual fueron música para esa oda a la frustración infantil llamada Charlie Brown, pero bueno, como ya les dije, hablar de Guaraldi me emociona y más cuando va de la mano con Charlie Brown, por lo que aunque tratare de ser breve, también trataré de enaltecer el trabajo de este grande ser humano.

Sobre Charlie Brown solo puedo decir que es de las pocas series animadas para niños que tratan al niño como ser humano y no como el idiota que se entretiene con personajes torpes y tan ambiguos, con canciones que resultan agresivamente una ofensa al intelecto de quien las escucha, con Charlie Brown y sus amigos se vivían aventuras y desventuras de cada uno de los personajes, desde el tímido Charlie Brown quien parecía un pequeño Woody Allen (sin el Ego) de seis años, con sus tantos miedos y problemas existenciales que te hablan de nada, pero que a la vez te expresaba tanto y al final te dejaba un optimismo aun con su excesiva apatía; Sally la hermana menor de Charlie quien con ese aire marimacho resultaba ser la mejor en los deportes; Linus, el pequeño de cuatro años incapaz de despegarse de su dependiente mantita o su hermana mayor Lucy quien con su arrogancia y desfachatez trataba siempre de conquistar al talentoso Schroeder quien con su pequeño piano nos regalaba momentos clásicos, hablar de la psique de cada uno de los personajes es sin duda tema para una sola entrada, por lo que mejor bastará en decir que es de las caricaturas más importantes en mi vida y creo en la de muchos más.

Ahora vayamos con la música de esta ENORME serie, la cual corría a cargo de un majestuoso Ítalo-americano pianista de jazz quien desde 1964 fue invitado a contribuir a la serie de “Charlie Brown” con su música, trabajando en un sinfín de cortes temáticos para esta serie, desde las dedicadas al día de acción de gracia, como para el especial de Navidad. Lo importante al escuchar a Guaraldi es, que no necesariamente debes estar tan empapado en el extenso universo del Jazz para entender su música, porque es tan universal, tan amable y honesta, que es única, que aunque se nutrió de los sonidos básicos de Miles Davis, John Coltrane y Charlie Parker, al escucharlos, descubres otro sentimiento en Guaraldi, haciendo cantar de alegría el piano, instrumento con el que subía y bajaba de escalas a su antojo, cambiando de ritmos y tiempos lo cual a mi parecer es el gran logro y lo que a fin de cuentas lo hace único. Guaraldi es y fue un grande quien desgraciadamente el 6 de Febrero de 1976, a sus 47 años murió de un ataque al corazón, justo después de terminar el soundtrack “It’s Arbor Day, Charlie Brown” para la serie y aunque esta continuo posteriormente con la música de Ed Bogas, no fue lo mismo.

Cuando veo la serie de Charlie Brown o escucho la música de Guaraldi, me hundo en ese universo el cual estoy seguro que si por unos días todos estuviéramos, seriamos unas mejores personas, donde la nostalgia y las frustraciones, con el paso del tiempo se vuelven positivismo y enseñanzas, sabias enseñanzas.


miércoles, 24 de febrero de 2010

Cut City - Exit Decades


Son suecos pero suenan ingleses, con esa desfachatez y arrogancia del Post-Punk que bandas como Editors y Maxïmo Park legaron de Joy Division. Después de editar de forma tan independiente como casera, un par de EP’s en el 2005, Cut City decide lanzar su primer LP en 2007, con nueve canciones que cumplen lo que prometen, que no pretenden más de lo que pueden darnos y se les agradece, porque aunque suenan a muchas cosas que ya hemos consumido con anterioridad, logran hacer canciones entretenidas y pegajosas que entre guitarras aceleradas, baterías atinadas y sintetizadores que realzan el sonido de la banda nos mantienen los aproximadamente 35 minutos que dura “Exit Decades” con un movimiento en la cabeza. Sin duda alguna, el legado que Joy Division dejo décadas atrás sigue cosechando frutos en todas partes del mundo y Cut City es una prueba más de ello. Como dato curioso, muchos fans de la banda consideran “Exit Decades” como el verdadero “tercer” álbum de Interpol, pero creo que se acerca más a Editors.